¿Qué es exactamente el arte pop? ¿Puedes decirme brevemente?

Arte pop

Arte pop En la década posterior a mediados de la década de 1950, se desarrolló un nuevo género artístico en los Estados Unidos y Gran Bretaña llamado "Arte pop". Todas estas personas, denominadas "artistas pop", tenían una característica única en sus creaciones durante este período. Utilizaban imágenes culturales comerciales populares y objetos cotidianos de la vida urbana como temas y adoptaban a menudo técnicas creativas. de industrialización y comercialización. Los elementos que crearon el arte pop no se encontraron en todas partes. La cultura urbana británica y estadounidense de la posguerra fue el terreno especial para su crecimiento. Sólo los artistas que están en estrecho contacto con esta cultura urbana pueden captar el estilo único y las técnicas de expresión del Pop Art.

Se cree que el arte pop en sentido estricto se originó en Gran Bretaña, no en Estados Unidos. A finales de 1952, un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos y críticos se reunieron en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres. Este autoproclamado "grupo independiente" se centró en discutir la cultura popular y su significado, como las películas occidentales, las novelas espaciales, los carteles publicitarios, la belleza de las máquinas, etc. Todos estos fenómenos se consideraban antiestéticos en ese momento. El grupo quedó fascinado por la nueva cultura pop urbana y se sintió particularmente atraído por las expresiones estadounidenses. Por un lado, a los ojos de los británicos, Estados Unidos en ese momento era un país ideal, con todo, desde productos de nailon hasta motocicletas nuevas. Por otro lado, el mundo del arte británico en la década de 1940 estaba envuelto en una atmósfera de serio romanticismo, y el arte pop británico fue una reacción a él.

En 1956, los "Independientes" realizaron una exposición titulada "Esto es el mañana". La obra más conmovedora de la exposición y la obra más influyente en la historia del arte es un cartel colocado en el área de entrada por Richard Hamilton, titulado "¿Qué tienen las casas de hoy que las hacen tan extraordinarias y encantadoras?" ‖ (Figura 1). La pintura muestra un apartamento moderno con un hombre musculoso y una mujer desnuda arrogante recortados de revistas ilustradas. El apartamento contiene una gran cantidad de artefactos culturales: un televisor, una grabadora, la portada ampliada de un cómic, una insignia de Ford y un anuncio de una aspiradora. A través de la ventana del cuadro se puede ver una pantalla de cine que muestra un primer plano de Al Jolson de la película "The Jazz Singer". El hombre también sostenía una piruleta extremadamente grande con tres letras grandes POP. La palabra Pop Art proviene de aquí. POP no es sólo el sufijo de la palabra inglesa lollipop, sino también la abreviatura de la palabra "popular".

En Estados Unidos, el arte pop fue una reacción contra el expresionismo abstracto dominante de los años cincuenta. Por un lado, las obras del expresionismo abstracto se ven como una muestra de la personalidad única del artista. Es completamente personal, subjetiva y espiritual. Destaca la pureza del arte y se convierte en una especie de arte aristocrático espiritual. Por otro lado, como este tipo de espiritualidad radica en la improvisación y es completamente personal, muchos recién llegados la han imitado, por lo que parece que todos pueden hacer este arte "elegante". Es una pena que la mayoría de estas obras solo tengan imágenes deslumbrantes y sea difícil mostrar el espíritu. Se puede decir que “parece mucho, pero en realidad es poco”. El arte pop abordó las cuestiones del expresionismo abstracto y probó audazmente nuevos materiales, nuevos temas y nuevas formas. En la década de 1960, el arte pop trajo vigorosamente "vida" y vida urbana moderna a museos y galerías. La primera exposición colectiva que popularizó el término "pop" fue la exposición "Nuevos artistas realistas" celebrada en Sydney Janis Gallery en 1962, que reunió a artistas de esta corriente (incluidos artistas europeos). A esta le siguieron dos exposiciones en 1963: la "Exposición de los Seis Pintores" y la "Exposición de la Imagen Popular".

Hasta cierto punto, Estados Unidos ha influido en todo el arte pop del mundo. Debido al poderoso poder de la cultura comercial estadounidense, puedes ver películas de Hollywood y comer hamburguesas de McDonald's en casi cualquier país del mundo. Ha penetrado en muchas culturas y se ha convertido en una cultura popular consumible. Desde otra perspectiva, el Pop Art es también arte "industrial".

Roy Lichtenstein dijo una vez: "Debido a que Estados Unidos se ha visto cada vez más afectado por la industrialización y el capitalismo, sus valores parecen estar más distorsionados... Creo que el significado de mi creación es mostrar que es sexual industrial". , esta es también la dirección del mundo entero. Europa pronto será así, por lo que el arte pop no será estadounidense, será global "

El arte pop se resistió a un crítico famoso. Lema familiar: Genial. El arte debe ser un arte difícil. Los artistas pop suelen utilizar técnicas de collage o copia masiva, que parecen más fáciles. "El arte pop es café instantáneo, la pantalla ancha de las películas modernas. No es arte latino bajo el dominio de los monjes. Es arte popular". El atractivo del arte pop es tan amplio como su alcance. Acepta todo y lo acepta todo. los aspectos más ordinarios de la vida. Sigue siendo arte, pero no es arte por el arte.

Cuando se trata de Pop Art británico y americano, lo primero que hay que mencionar son los estadounidenses Rauschenberg y Jasper Johns, y el británico Richard Hamilton. Rauschenberg nació en Texas en 1925 y estudió en la Academia Julesin de París a finales de los años cuarenta. En sus inicios estuvo influenciado por el expresionismo abstracto. A principios de la década de 1950, pintó una serie de cuadros totalmente blancos, en los que la única imagen era la sombra del espectador. Posteriormente pintó una serie de cuadros totalmente negros, pero estos no fueron sus primeros cuadros. Más tarde, se desarrolló en la dirección de la "pintura de montaje", utilizando objetos comunes de la vida para componer imágenes: botellas de cerveza, cajas de papel usado, neumáticos viejos, periódicos, fotografías, cuerdas, sacos, almohadas, etc. El lienzo y los objetos fijados en el lienzo conforman la obra "Cama" (Figura 2) es una obra típica de este tipo. El autor simplemente colgó sacos de dormir y almohadas sobre el lienzo y luego les echó un poco de pintura. Su propósito al utilizar readymades en sus obras es romper los límites entre el arte y la vida. Como él mismo dijo: "La pintura es arte y vida, ninguno de los cuales está hecho. Lo que quiero hacer está en algún punto intermedio". Al mismo tiempo, sus obras tienen rastros de expresionismo abstracto y, a menudo, son magníficas y valientes.

La filosofía artística de Rauschenberg estuvo influenciada por el artista experimental John Cage, a quien conoció mientras trabajaba en Black Mountain College. Conoció a Cage en 1951 y los dos tuvieron una relación cercana. Cage influyó en Rauschenberg desde una perspectiva zen: "El juicio no tiene sentido, porque no existe un hecho de que una cosa sea mejor que otra, y el arte no debe ser diferente de la vida, sino un acto en la vida". En la carrera creativa de Rauschenberg, siempre ha mantenido contacto con la sociedad urbana y tecnológica que lo rodea. Su enfoque "integrado" puede reflejar mejor las ricas imágenes de una época, por ejemplo, en "Símbolos" (Figura 3), podemos ver todos los. información que tiene las características de los Estados Unidos en la década de 1960, incluido el presidente estrella Kennedy, el líder negro Martin Luther King, los soldados de la guerra de Vietnam, los astronautas alunizajes y la búsqueda de la liberación sexual de los hippies, etc.

La carrera de Johns tenía muchas similitudes con la de Rauschenberg, y los dos compartieron estudio en momentos clave de su desarrollo. Johns es famoso por utilizar imágenes únicas y ordinarias, como una fila de números (Figura 4-1), un objetivo (Figura 4-2), una bandera estadounidense (Figura 5), ​​un mapa de los Estados Unidos, etc. que se han convertido en clásicos del Pop Art. Eligió esas imágenes porque creía que ya no producirían energía. Lo que quiere subrayar es que "la pintura es en sí misma, no una representación de ningún otro objeto".

Johns no pretende expresar una crítica al arte o a la sociedad a través de sus obras. En su opinión, lo que un artista quiere hacer es su absoluta libertad y no debe estar restringido por consideraciones de evaluación. Él cree que en la mayoría de los casos, la obra será mal entendida y mal utilizada, y el artista no tiene control sobre la situación y la forma en que se evalúa su obra, y no tiene ningún problema con esta interesante situación. Una de sus famosas esculturas es una réplica de dos latas de cerveza hechas de hierro (Figura 6), lo que a menudo se entiende como una crítica a cierto status quo de la sociedad. Pero en realidad esta creación fue puramente accidental.

"Estaba haciendo esculturas con objetos pequeños: linternas y bombillas. Y luego está la historia de que Willem de Kooning se molestó con mi agente por alguna razón y dijo: 'Esa perra, si le das dos latas de cerveza, podría venderlos también. 'Escuché eso y pensé: 'Qué bonita escultura: dos latas de cerveza'. Parecía que se adaptaba a mis gustos en ese momento, así que lo hice. -Entonces mi agente las vendió. p> En el movimiento pop art británico, el artista comparable a Rauschenberg y Johns en Estados Unidos fue Richard Hamilton. Los tres hombres se parecían más en su gran interés por el dadaísmo. La educación personal de Hamilton tuvo una influencia importante en sus esfuerzos artísticos. Comparado con la mayoría de los demás artistas, en realidad era un autodidacta. Comenzó a trabajar en publicidad después de graduarse de la escuela primaria a la edad de 14 años, mientras asistía a clases nocturnas en varias escuelas de arte. Su experiencia como profesor se convirtió en otra poderosa influencia en su carrera de pintura. Ha impartido clases de diseño durante mucho tiempo, lo que le hizo prestar especial atención a la capacidad de resolución de problemas y, a menudo, le convirtió en un pragmático. En 1957, dijo que las cualidades que perseguía eran populares, efímeras, asequibles, divertidas, sexys, ingeniosas, encantadoras, baratas y producidas en masa.

Aunque Hamilton hizo un amplio uso de temas americanos, no era un artista americano. Siempre estuvo dispuesto a explicar su trabajo, a veces con gran detalle. Por ejemplo, la obra "Ella" es una colección de muchas imágenes publicitarias: fotografías de refrigeradores Shengjiao, anuncios de aspiradoras y otros electrodomésticos, y fotografías de la revista Esquire clavadas en la pared. Hamilton incluyó una larga descripción de esta obra: "Las mujeres en el arte de los años 50 eran anacrónicas: nos recordaban el olor de las alcantarillas, morbosamente gordas, rosadas con las piernas cruzadas, tontas y lujuriosas. No se parece en nada a la imagen de una mujer fría en Este tipo de mujer es realmente lujuriosa y es especialmente inteligente a la hora de expresar su deseo sexual. Aunque está equipada con las joyas más caras, la gente todavía la considera sólo un accesorio de moda. Lo peor de una mujer es que no puede armonizar elegantemente con su entorno: la armonía entre una mujer y su entorno, al igual que la armonía entre ella y su ropa, puede determinar nuestra visión de ella. El sexo está en todas partes y sus opiniones. Los símbolos se pueden encontrar en productos de lujo glamorosos producidos en masa: plásticos carnosos y metales suaves y más carnosos. "

Crea más tarde. "I Dream of a White Christmas" toma una toma cinematográfica y crea una serie de elaborados. transformaciones. Lo especial es que Hamilton utilizó negativos de color en lugar de positivos de color, y reemplazó al cantante blanco de la película por un cantante negro, en alusión irónica al título de la canción cantada por el cantante. Sin embargo, este elemento de sátira no excluye la nostalgia. Las obras de Hamilton, como las de otros artistas pop británicos, tienen un toque de tristeza, lo que hace que sus obras sean más encantadoras que las de los artistas pop estadounidenses.

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