¿La película "One Shot" realmente necesita posedición?
El "espejo al final" del principio suele significar que parece que casi no hay edición, rompiendo por completo las reglas del montaje. No hubo cambios, ni peleas a favor de la marcha atrás, solo una toma registró todo el evento de principio a fin. Tenga en cuenta que se trata simplemente de "ver" sin posedición. De hecho, muchas de las películas llamadas "de una sola toma hasta el final" son una combinación de planos generales y montaje. Pero a menudo utilizan varias técnicas de posproducción para dificultar la detección de los puntos de edición y crear un efecto de visualización perfecto. En pocas palabras, un verdadero "un plano hasta el final" = toda la película es un único plano largo sin posedición; un pseudo "un plano hasta el final" = múltiples planos largos con posedición/efectos especiales.
En la historia del cine, el "leopardo en el espejo" por excelencia es el Empire State Building fotografiado por el artista pop estadounidense Andy Warhol. En 1964, enfocó su cámara hacia el Empire State Building y no cambió su posición durante 485 minutos. Sin considerar las limitaciones técnicas de la duración de la película en ese momento, la película logró la trinidad de "plano único, posición fija, escena fija", expresando el pensamiento vanguardista de subvertir la tradición a través del arte del montaje deconstructivo.
La primera película dramática que mostró la conciencia de "ver el espejo hasta el final" fue la película "Death Rope", filmada por el travieso Hitchcock en 1948. Limitado también por la duración de la película (una película de 35 mm en aquella época sólo podía grabar unos 10 minutos), el deseo de rodar películas con un único objetivo largo no se pudo realizar en aquel momento. "Dead Rope" no es un "espejo del final" en el verdadero sentido, sino que está compuesto por más de una docena de planos generales que fueron editados posteriormente. Los fotógrafos, una vez agotado el rollo de película anterior, detienen la cámara, apuntan la lente hacia la espalda de un actor (o en el sofá o en un rincón) y colocan un nuevo rollo de película. Esto hace que la historia del asesinato adaptada de hechos reales sea fluida y coherente, y el maestro del suspenso atrapa a la audiencia en la emocionante tendencia de la trama.
El director de fotografía de "Birdman" es Emmanuel Lubetzki, ganador del Premio de la Academia a la Mejor Fotografía ("Gravity", "Birdman", "The Returns"). El llamado "un plano hasta el final" también consta de una gran cantidad de planos generales. El plano real más largo de la película tiene sólo más de 7 minutos. La dificultad de disparar con lentes largos está estrechamente relacionada con la flexibilidad de la cámara. Hitchcock filmó "Death Rope" en los primeros días del cine en color y la lente era muy grande. Para adaptarse al movimiento de la cámara, los accesorios fuera de la cámara se movían constantemente. Durante medio siglo, las cámaras se han vuelto cada vez más flexibles, lo que permite rangos de movimiento y trayectorias más cómodos. En "Birdman" se utilizan dos cámaras Alai: una es la Alexa M operada por Lubetzki, equipada con un sensor de imagen 4:3 y un brillo de 1250 ASA. Esta pequeña cámara se usa principalmente para tomas portátiles para llegar a las áreas centrales entre los actores; la otra es un estabilizador de cámara Alexa XT que usan los fotógrafos para tomas más objetivas y distantes.
Para presentar el aspecto perfecto de "A Mirror to the End", Birdman trabajó duro en la postproducción. Cómo coser una lente larga en "one shot" es la cuestión principal en la posproducción. Technicolor, quien se encargó de empalmar las tomas, cosió aún mejor el "único plano largo continuo" que ya era muy bueno en la etapa de edición, y creó "puntos de corte DI" para satisfacer las necesidades de DI (intermedio digital, una parte importante). de producción cinematográfica), y los combina. Los "puntos de corte DI" se unen.
Además del empalme, el ritmo de las películas de comedia también es la clave del éxito de la película, y un problema importante con "One Shot" es que fácilmente hace que el ritmo se arrastre. En esta película, cuando una escena no era lo suficientemente atractiva o el ritmo se desviaba del diseño, el editor ajustaba el ritmo de la película acelerando y desacelerando el tempo de la cámara.
Además, el personal en el espejo del vestidor será "excavado" uno por uno más tarde. Lo más icónico es el puente de color lirio entre Naomi Watts y Andrea Riseborough en el fondo del teatro, con todo el personal expuesto en el espejo. La artista de efectos visuales Ivy Agregan dijo en una entrevista: "Tuvimos que desenterrar al equipo y luego volver a pasar los elementos por fotogrametría. Requirió muchos bocetos dinámicos y fue muy laborioso. Visible, el fluido "One Shot to the". End" es en realidad un "éxito de taquilla de efectos especiales" complejo y exquisito. La exploración activa de los modos de disparo y el lenguaje cinematográfico requiere el apoyo de una industria cinematográfica sólida.
La siguiente pregunta es, aparte de obras de vanguardia como "Empire State", ¿existen realmente dramas monocámara inéditos? ¡Por supuesto! A continuación se muestran tres "one shots reales hasta el final".
"Russian Ark", que ganó el premio a los mejores efectos visuales en el Festival de Cine de Toronto en 2003, fue un ambicioso experimento del director Alexander Sokulov. La película cuenta una historia de "viaje en el tiempo": el viaje fantástico de un cineasta contemporáneo en el antiguo palacio del antiguo San Petersburgo. El director utilizó una cámara digital de alta definición para rodar durante 96 minutos seguidos en el Museo de Bellas Artes de San Petersburgo, pasando por 35 salas de exposición y un espacio de 850 personas sin interrupciones ni cambios. la hora de la película. La posproducción solo ajusta el color, la luz y otros efectos de la imagen, sin editar. Aunque la película adopta la técnica de rodaje de "un plano hasta el final", no hay sensación de monotonía en el plano. La razón es que la panorámica de empujar y tirar del plano de enfoque es bastante hermosa. A veces se desplaza y hace zoom, a veces se desliza y se desliza, mostrando varias características de la lente en la misma toma. Un plano largo recorrió los vastos 300 años de historia de Rusia y también logró un milagro inmortal en la historia del cine.
"Grand Airport 2013" es la segunda película de la serie "Mirror to the End" dirigida por el director japonés Yuki Mitani. Cuenta la historia de una serie de retrasos en vuelos y pasajeros varados en el aeropuerto. Si bien continúa con la calidad de las obras de teatro anteriores, la película mantiene un nivel muy alto de programación de dramas de grupo. La estructura exquisita y meticulosa y la narrativa progresiva dan al público una sensación de presencia y son abrumadoras de principio a fin. Esta película se rodó durante ***6 días, con solo una película rodada por día, y cada película duró 100 minutos. El fotógrafo Hideo Yamamoto completó el rodaje solo, llevando 20 kilogramos de equipo que él personalmente modificó en su cuerpo y utilizó una combinación de empujar y caminar. Después de cada tiroteo, Hideo Yamamoto se desplomaba en el banco del tejado, sin poder levantarse.
La película alemana "Victoria", que fue preseleccionada para la competición principal del 65º Festival de Cine de Berlín, fue difícil conseguir una entrada en el Festival de Cine de Beijing de este año. El director Sebastian Schipper siguió a cinco jóvenes y filmó más de 20 veces en bares, calles, tejados y otros lugares de Berlín, completando un rodaje de 140 minutos en tiempo natural y entornos naturales, una reconstrucción completa de cómo caen los jóvenes inquietos. al abismo de la violencia eterna. El encuentro romántico de la primera mitad de la película se entrelaza con la tensa escena del crimen de la segunda mitad, formando un agudo shock espiritual y tensión emocional. Toda la película fue filmada con una cámara de mano Canon C300. Las tomas aparentemente aleatorias y desenfocadas crean una sensación de realidad e inmersión. El nombre del fotógrafo Sturla Brandth Grvlen aparece en los primeros créditos.
Al observar las películas anteriores, ya sea que logren el efecto de "una toma hasta el final" a través de la edición de postproducción y efectos especiales, o un solo plano largo como agua que fluye, han creado películas asombrosas basadas en La innovación del lenguaje cinematográfico. En comparación con las películas que se editan principalmente con montaje, "mirar a través del espejo" es más difícil y requiere la programación de la escena por parte del director, las habilidades de actuación del actor y la tecnología y la fuerza física del fotógrafo.
Una oportunidad no es mostrar habilidades, sino permanecer en la integridad y fluidez de la acción, la trama y la psicología, convirtiéndose en un portador visual para expresar emociones internas y situaciones espirituales. Por lo tanto, las películas "one-shot" existentes se utilizan principalmente para expresar temas tensos y aterradores sobre el crimen y el desequilibrio psicológico, y utilizan formas artísticas únicas para despertar las complejas experiencias espirituales de la audiencia, como la emoción, la sorpresa, la tensión y la simpatía.