Historias de artistas extranjeros

Claude Monet (1840-1926)

Figura representativa del impresionismo

El movimiento impresionista puede considerarse como el siglo XIX El pináculo del naturalismo tendencias y el punto de partida del arte moderno.

El nombre de Claude Monet está muy ligado a la historia del Impresionismo. Monet contribuyó más que nadie a la formación de este clima artístico y a su nueva forma de representar la realidad. No hay duda de que, aunque el fundador del impresionismo fue Manet, fue Monet quien realmente lo hizo popular por su representación obsesiva de los cambios de luces y sombras en el paisaje.

Su enfoque en la luz y el color va mucho más allá de la imagen de los objetos, haciendo que los objetos del lienzo desaparezcan en la luz y el color. Permitió que el mundo volviera a abrazar la luz y las estructuras naturales. Como resultado, esta transformación visual antes inimaginable rezuma luz, color, movimiento y abundante vitalidad, reemplazando la rígida composición y el tradicionalismo de pinturas anteriores que no se atrevían a innovar en absoluto.

Edgar Degas (1834-1917) Pintor impresionista

La importancia de Degas radica en su abstracción de la forma y el sentido del color, en la que trascendió a otros pintores impresionistas.

Degas nació y murió en París. Era hijo de un banquero y provenía de la gran burguesía. Su gran interés por el clasicismo y su comportamiento cauteloso parecían estar en consonancia con sus orígenes. Sin embargo, su personalidad inusualmente fuerte y sus pensamientos independientes lo empujaron al campo revolucionario.

Estudió pintura en la clase del discípulo de Engel, Lamott, en la Academia de Bellas Artes, y siempre ha admirado mucho a Engel. No importa cómo se desarrolló su genio, nunca le dio la espalda al pasado. No hay duda de que esta reverencia por la creatividad humana y un claro sentido de hacer el bien fueron la base de su carácter y la fuente de las acusaciones en su contra. La evolución de su estilo pictórico también deja claro que Degas adoptó una postura muy clara contra el impresionismo. Sus pinturas se enfrentan indiscutiblemente al arte simple y clásico del dibujo. Este enfoque fue dando gradualmente al color cada vez más importancia. Sin embargo, este color siempre está al servicio del realismo. El talentoso Degas le dio una visión más amplia y una disposición pictórica única, y abandonó la academia para siempre. La importancia de sus obras supera con creces el estatus que se le otorga entre los impresionistas.

Auguste Renoir (1841-1919)

Básicamente un pintor de figuras, Renoir sigue siendo uno de los más grandes pintores del color.

Renoir estuvo inicialmente estrechamente asociado con el movimiento impresionista. Sus primeras obras son típicas de los pintores impresionistas que registraban la vida real, llena de colores llamativos. Pero a mediados de la década de 1980, rompió con el movimiento impresionista y se dedicó a crear retratos, especialmente de mujeres, con una técnica pictórica más rigurosa y formal.

De todos los pintores impresionistas, Renoir es probablemente el más popular porque pintó niños hermosos, flores, paisajes hermosos y, sobre todo, mujeres encantadoras. Todo esto atraerá a la gente de inmediato. Renoir expresó el placer que sentía por estas obras directamente en el lienzo. Una vez dijo: "¿Por qué el arte no puede ser bello? Ya hay suficientes cosas feas en el mundo". También era un admirador de las figuras femeninas. Dijo: "Sólo cuando siento que puedo tocar a los personajes del cuadro, completo un retrato".

Renoir pertenecía a la generación más joven de pintores impresionistas, un año menor que Monet. Gran parte de la obra del pintor representa a mujeres jóvenes, especialmente desnudas, en tonos brillantes, estridentes y cálidos. Utilizó un método tradicional especial para representar con amor la piel suave y elástica y los cuerpos regordetes de las mujeres jóvenes. Aunque también pintó muchos paisajes elegantes y cuadros infantiles inocentes, los desnudos y las figuras femeninas ocuparon las principales obras de su vida. Sus pinturas al óleo de cuerpos humanos se diferencian de la hipocresía y artificialidad perseguidas por los pintores de la escuela de pintura anterior. Los cuerpos femeninos en las pinturas de Renoir están llenos de alegría y vitalidad juvenil. Son como Eva en el Jardín del Edén que nunca ha probado el fruto prohibido. Están relajadas y cómodas, encantadoras y confusas.

Renoir utilizó los principios del impresionismo para crear un hermoso mundo de sueños, una nueva "Isla Venus", y la envió a París a finales del siglo XIX. Esta pintura, titulada "El baile en el Moulin Rouge", encarna plenamente el espíritu impresionista de su época. Aunque la pintura representa un etéreo país de las hadas, los personajes del cuadro están vestidos con ropa moderna. Los hombres llevaban sombreros altos o sombreros de paja y las mujeres faldas con cinturones alrededor de la cintura. En este cuadro, la escena mundana de un baile bohemio al aire libre se transforma en un sueño lleno de luz y color, protagonizado por mujeres hermosas y hombres atentos. Los rayos de luz parpadean, balanceándose sobre las coloridas figuras de las figuras: azul, rojo rosa y amarillo, delicadamente entrelazadas en una neblina romántica, suavizando y realzando la belleza de estas encantadoras figuras.

Renoir inicialmente siguió al pintor Courbet y simpatizó y apoyó mucho la oposición de Courbet al arte académico. Él mismo siguió estrictamente la vida real y fue bueno buscando la combinación de luz y color con la tradición de la pintura clásica europea en el impresionismo. De joven trabajó como aprendiz en una fábrica de porcelana y aplicó este delicado oficio al retrato. Antes de colaborar con los impresionistas, había expuesto en el salón oficial un cuadro de género llamado "Esmeralda", que estaba basado en la novela "Notre Dame de Paris" de Victor Hugo. La protagonista bailaba y actuaba en la plaza de Notre Dame. de París. Pero luego sintió que había copiado demasiados cuadros anteriores y no tenía personalidad. Aunque el salón le dio buenas críticas, siempre se sintió avergonzado de su búsqueda artística y rompió el cuadro en secreto.

Desde que se convirtió en seguidor de Courbet, aunque sus pinturas pueden ser más liberales, desde el punto de vista de la composición, independientemente de los personajes seleccionados y los detalles de la pintura, todavía tienen la cualidad de plagiar la imagen de Courbet. La imagen de la diosa en la pintura se basa en mujeres populares y luego se negó a ser mostrada en el salón. Este no era un camino que él quisiera tomar y que otros habían tomado. Renoir aprendió algo del mal uso del "Almuerzo sobre la hierba" de Manet: atender exposiciones oficiales siempre será el fin de su arte. Para buscar nuevos caminos, debes atreverte a aceptar desafíos.

En 1870, Renoir tenía 29 años, su carrera aún no había despuntado y se encontraba en apuros económicos. Tenía que frecuentar casas de empeño y mudarse muchas veces de un ático a otro. Fue durante este período que siguió a Monet a Argentai para dibujar al aire libre, comprender y sentir el papel de la luz y el color en la naturaleza.

"Estanque de ranas" fue pintado cuando siguió a Monet a una zona pintoresca cerca de París. Este "estanque de ranas" no está lejos del Sena. Cuando Renoir y Monet estaban pintando allí juntos, se dice que había un restaurante Fournis cerca y Monet era cliente de allí. Renoir, por supuesto, frecuentaba el restaurante cuando los dos pintaban juntos. "El estanque de las ranas" de Renoir siguió el consejo de Monet y se centró en la relación entre el agua y el reflejo. Pintó dos cuadros con la misma composición, intentando expresar la sensación de luz y color con pinceladas pequeñas y claras. El agua brilla, los colores brillan fácilmente y la impresión visual es fuerte. Por tanto, este cuadro se convirtió en la "obra de introducción" de Renoir al impresionismo.

"La Caja" es una de las primeras obras de Renoir en participar en una exposición impresionista. Envió siete lienzos. Este cuadro fue pintado en base a la "impresión" que tuvo en el teatro, regresó al estudio y le pidió a alguien que se hiciera pasar por modelo. La mujer frente al cuadro es una modelo llamada Nini Lobis. El modelo del caballero de mediana edad que sostenía un telescopio era uno de los hermanos de Renoir. Curiosamente, el método de pintura impresionista también se podía realizar en el estudio, y pintó con éxito la atmósfera de un rincón de un teatro. En particular, las dos figuras de la pintura no muestran signos de posar; parecen estar absortas en el drama, deleitándose en el momento y la representación escénica. Aunque el cuadro tiene muchos cortes alrededor del marco, sólo se resalta la imagen de la dama en el cuadro. Gracias a la interpretación de la atmósfera de color de Renoir, el público puede sentir la atmósfera del público del teatro. El rostro cubierto de maquillaje de la dama contrasta marcadamente con el caballero detrás de ella. La paleta de colores de "Box" es cálida. Se compone de colores rosa, blanco y negro. La falda de rayas negras en el cuerpo de la dama es extremadamente llamativa. Estas gruesas y anchas rayas negras hacen eco de los colores claros intercalados con su ropa blanca, al igual que el abrigo negro y la camisa blanca del caballero.

Los pintores impresionistas prohibieron el uso del negro porque a la luz externa le resultaba difícil reflejar el negro puro. Quizás Renoir usó pequeños trazos y los agregó gradualmente, para que no hubiera la dureza de un hacha.

La pintura de retratos tuvo un período largo y próspero en la historia de la pintura europea, y las actividades de pintura de retratos de los pintores impresionistas fueron aún más coloridas. Los retratos de Renoir son admirados por los estudiosos. Renoir es famoso por sus pinturas de desnudos femeninos. Su amor por el cuerpo femenino comenzó después de la guerra franco-prusiana. Durante la guerra se unió a la caballería. Tan pronto como se declaró la paz, arrojó su lanza y regresó a París para retomar su antigua profesión de sentarse ante su caballete y pintar sus amados retratos.

Los tres retratos que se muestran aquí se encuentran entre los retratos impresionistas más famosos de la década de 1870.

"Retrato de Madame Monet" fue creado durante la primera exposición impresionista. En ese momento, siguió a Monet y fundó el "Salón" impresionista. En este cuadro, Renoir estaba casi obsesionado con la búsqueda de la luz y el color. Madame Monet y su hijo estaban sentados en la hierba, bañados por un cálido sol. Su falda recibió un fuerte reflejo del sol sobre la hierba amarilla, por lo que el pintor solo usó un color rosa claro para diseñar la pintura, y las pinceladas fueron bastante simples.

"Retrato de Lady Samari" es el mejor de los dos cuadros del mismo nombre. El nombre de esta popular estrella femenina de la alta sociedad que aparece a menudo en los salones de París es Jeanne Saumaree. Este busto utiliza pinceladas incompletas totalmente impresionistas para representar a la joven y bella mujer en una atmósfera de luz y color. Está de cara al público, sujetándose la barbilla con la mano izquierda. Sus pechos regordetes ya no se ven claramente bajo la intensa luz. No se debe subestimar la experiencia de Renoir como ceramista, y esta capacidad de expresar colores transparentes tuvo una gran influencia en su estilo personal. Renoir pintó una gran cantidad de retratos vestidos y desnudos, pero nunca les dio ninguna connotación ideológica. Explora nuevas formas plásticas con la emoción de un observador sincero. Descompone todo el plástico y las cosas pequeñas en innumerables pequeños trazos de color según el principio del análisis del prisma espectral y los yuxtapone en el lienzo.

En Retrato de Madame Henriot (1876), utilizó estas primeras técnicas aprendidas de la cerámica. Madame Henriot se sienta tranquilamente, con tonos extremadamente suaves y colores puros y transparentes, dando una sensación de atmósfera brumosa, y todo a su alrededor se funde en uno. Si te alejas un poco de la mujer, obtienes una ilusión de color esquiva que hace imposible distinguir el entorno del personaje. Los fondos casi se mezclan con las delicadas figuras, mientras que los rostros están bien dibujados. Los senos que dan la impresión de subir y bajar no están pintados de forma plana, sino que están formados por finos trazos de varios tonos.

Ésta es la característica estilística del pintor durante este periodo. Renoir es considerado un pintor impresionista porque exhibió varios cuadros en exposiciones impresionistas. De hecho, ya había caído a los pies del clasicismo cuando entró en el estudio de Gleyre a los 21 años. En 1874 participó en la primera exposición conjunta de los impresionistas, que determinó sus tendencias básicas. Poco después, volvió a romper con el impresionismo y participó con éxito en exposiciones de Salón. En todos los desnudos de Renoir (se estima que son unos 4.000), no hay ni una pizca de tonos oscuros e inquietantes. Como impresionista, sus primeros años de vida estuvieron llenos de miseria, ya que los ataques políticos a su obra pusieron obstáculos en su camino.

Desde los 41 años ha estado enfermo con frecuencia. Durante los últimos 15 años de su vida sufrió de artritis y apenas podía levantarse de su carrito. Para pintar tenía que atarse un pincel a su mano rígida. Sorprendentemente, no hay rastro de sufrimiento personal en su obra en este momento. Su arte siempre afirma la belleza de la vida. Instintivamente elige cosas felices que le son familiares: la vida en la calle, la belleza rural, flores o frutas, pianistas, cuerpos femeninos jóvenes y sanos. Es particularmente sensible a los niños tan delicados como las flores. Tiene una visión notable de la vida que lo rodea. Las sombras y los dolores quedaron excluidos de él.

En sus últimos años, la enfermedad le impidió ampliar sus horizontes y llegó a un callejón sin salida en el tema del cuerpo humano. Sin embargo, sería inapropiado hacer comentarios frívolos sobre su búsqueda.

Renoir no fue un artista frívolo; su arte siempre mostró el lado feliz y dulce de la vida.

Un área importante de la pintura de Renoir es el retrato. Como mencionamos en “Retrato de Madame Henriot”, la pureza y transparencia del color son una característica distintiva de los retratos de Renoir. En la década de 1970, Renoir pintó algunos de sus retratos más exitosos, a saber, dos "Retratos de Victor Chauquet" (1876), dos "Retratos de Samari" (1877) y el retrato de varias figuras "Madame Bontier y sus hijos". es el tema del retrato que se admira aquí. Renoir, que entró en el apogeo de su carrera artística, no tuvo suerte en su vida personal. La pobreza lo obligó a compartir un campo de patatas con Monet y ganarse la vida vendiendo patatas. Después de que su primera exposición de pinturas impresionistas fuera recibida con cinismo social, al año siguiente expuso 14 pinturas de género más, incluida "Moulin Pancake", que también atrajo muchas críticas. Alguien escribió en tono sermoneador en Le Figaro: "Recuérdele al señor Renoir que el cuerpo de una mujer no es un montón de carroña con las manchas verdes y violetas de un cadáver completamente descompuesto". Por supuesto, hubo muchas personas justas que lo defendieron. Pero para ganarse la vida también tuvo que pintar muchos retratos para otros.

En el retrato recuperó su reputación. Los retratos mencionados anteriormente son excelentes ejemplos de esa época. Vito Gioquet era un admirador del arte de Renoir. Era un buen conocedor, pero no era más que un funcionario en París. Tanto Renoir como Cézanne lo pintaron. "Retrato de Samary" es uno de los dos retratos más exquisitos de la actriz Jeanne Samary, uno es un retrato de cuerpo entero y el otro es un busto. Los colores de estos dos retratos son apasionados y atrevidos.

Este cuadro "Madame Charpentier y sus hijos" es su famoso cuadro de los años 1970.

Madame Charpentier era esposa de un famoso editor, socialité y anfitriona de salón. Se hizo amiga de celebridades de la literatura y el arte. Entre los visitantes habituales de su salón se encuentran los escritores Zola, Maupassant, Flaubert, Edmond Goncourt, Turgenev y otros, así como los artistas Henner, Carolus Durand y otros. Renoir pronto se convirtió en un visitante habitual de su salón. Allí, el pintor conoció a Jeanne Saumurier, una famosa actriz de la época. Esta pintura fue encargada por la señora.

Esta pintura aprovecha al máximo sus profundas habilidades como modelo, que adquirió cuando era joven mientras estudiaba en el estudio de Greer, para lo cual es indispensable. El espacioso interior refleja el espíritu de la mujer y sus dos inocentes hijas. La mujer se sentó al lado derecho de los niños, mirando a sus dos hijas con expresión tranquila. Las expresiones inocentes de los niños están vívidamente representadas y los dos parecen estar teniendo una conversación caprichosa. Una niña a la izquierda está sentada sobre el lomo de un perro grande. Toda la pintura está llena del encanto natural único de una familia adinerada. El fondo es de color rojo pardusco y los colores de la ropa de los personajes contrastan marcadamente. La falda negra de la anfitriona suprime toda la imagen, haciendo que las faldas azul cielo y blanca de los dos niños de la izquierda sean más prominentes.

Este cuadro recibió críticas favorables en el Salón de París de 1879. La vida de Renoir dio un giro para mejor. Recibió una remuneración de 1.000 francos, que fue como un maná del cielo para el artista empobrecido de la época. A partir de entonces, los clientes que encargaban retratos llegaron en masa y la recuperación financiera fue evidente. Además del retrato de Madame Charpentier, Renoir también pintó retratos individuales de su madre y sus hijas. Por lo tanto, no fueron sólo los retratos de Madame Charpentier y sus hijos los seleccionados para el Salón. Sin embargo, Renoir no abandonó sus objetivos debido a la admiración del salón. Apreciaba este sentimiento auténtico y la habilidad de colorear exteriormente que había dominado a través de largos esfuerzos.

Los ocho años comprendidos entre 1881 (Renoir tenía 40 años) y 1888 fueron un período de cambio en su estilo. Después de su éxito en el Salón de 1879, comenzó a viajar mucho. Los encargos de retratos transformaron su vida de la pobreza a la riqueza. Pasó la primera mitad de su vida vagando por París y el río Sena. Ahora quiere hacer realidad su deseo de viajar lejos. Su primer destino fue la Riviera normanda, luego Croix y, en la primavera de 1881, Argel.

En el verano de ese año volvió a Normandía y en otoño emprendió un viaje a Italia, donde visitó Roma, Venecia, Florencia, Nápoles, Pompeya y otros lugares. Fue este viaje a Italia el que cambió su rumbo. estilo de pintura. Cuando Renoir visitó los frescos romanos de Pompeya, descubrió sus tonos austeros, pesados ​​y brillantes. Esos antiguos murales preferían el rojo, un rico bermellón. En sus últimos años, Renoir utilizó este "rojo Pompeya" para pintar una mujer desnuda. Los murales antiguos generalmente utilizan pocos colores, pero los efectos son muy ricos. Esto le hizo comprender que el color principal de un cuadro suele desempeñar un papel fundamental. En 1883 compró en una librería francesa de segunda mano un ejemplar de "Sobre la pintura" escrito por Cinzino Cinzini, pintor italiano de finales del siglo XIV. Junto con el secreto de simplificar los colores de las pinturas clásicas que aprendió de Italia, desarrolló aún más un gran interés por el clasicismo de su predecesor Ingres, por lo que algunos investigadores llaman al período de 1881 a 1888 el "período de Ingres" de Renoir o neoclásico. período. Cuando Renoir habló con el marchante de arte Vollard sobre las razones de su cambio de tendencias artísticas, dijo: "Hacia 1883, mi obsesión por el impresionismo llegó a su fin. Finalmente tuve que admitir que no estaba interesado en la pintura ni en el dibujo". En resumen, el impresionismo es para mí un callejón sin salida."

Esta es la razón intrínseca por la que abandonó el Impresionismo, que hemos mencionado antes al apreciar sus retratos como "Madame Henriot".

Las dos obras aquí, "Paraguas" y "Danza campestre", son obras representativas del cambio de estilo del pintor.

En "Paraguas", el pintor no ha abandonado por completo el método de representar los colores bajo la influencia de la luz exterior. Este cuadro muestra un día de primavera en París. Los bulliciosos peatones fueron repentinamente golpeados por una lluvia, por lo que los paraguas abiertos formaron una interesante red de arcos. El pintor se dio cuenta del interés decorativo del propio paraguas en el cuadro. Superpuso estos arcos en la mitad superior de la pintura. A través de estos paraguas curvos, el espectador puede ver una escena ajetreada y animada a lo lejos: a la izquierda, en primer plano, una bella y colorida joven que sostiene una cesta que contiene varios sombreros a la venta. Detrás de ella, un hombre con aspecto de caballero la miraba ansiosamente, tratando de complacer a la dama y sosteniendo un paraguas para protegerla de la lluvia. A la derecha del primer plano hay dos niñas que se apresuran a ir al mercado; la más pequeña sostiene un roly-poly de juguete en sus manos y mira al espectador. En el centro, dos mujeres magníficamente vestidas se encuentran en el medio del terreno. El de delante parecía muy interesado en la niña que sostenía un vaso; la mujer de atrás acababa de abrir su paraguas. No hay mucha gente en esta pintura, pero el procesamiento superpuesto, las diferentes direcciones de los arcos del paraguas y la atmósfera tonal general hacen que la imagen sea extremadamente vívida y rica, dando a la gente una sensación de hacinamiento. Renoir utilizó el azul y el violeta como colores principales, lo que confiere al cuadro un ritmo sencillo. La imagen es muy conmovedora. La escena callejera de París bajo la lluvia primaveral añade ritmo de vida a este concurrido mercado.

El cuadro "Country Dance" está recortado para resaltar una pareja de baile. Se sabe que Renoir pintó varios cuadros de la pareja, con diferentes composiciones de la misma temática. Los coloridos vestidos de las compañeras formaban un marcado contraste con los solemnes vestidos negros de los compañeros masculinos. El artista se centró en la tez de la compañera y en el vestido de noche de raso plisado. Para pintar a esta compañera regordeta y bien proporcionada, el artista invitó a la famosa modelo Suzanne Valenton a posar para ella (esta modelo se convirtió más tarde en pintora impresionista debido a su larga formación como pintora impresionista). ). El efecto general fue más clásico, lo que irritó a algunos de sus compañeros impresionistas. Pero Renoir nunca estuvo satisfecho con sus logros. Cuando sintió que las líneas firmes de la pintura clásica entraban en conflicto con su fuerte sentido del color, quiso cambiar su estilo e incluso su tema.

El cuadro "Rubia bañándose" (c. 1882) pertenece a un período de cambio estilístico durante sus viajes por Italia, favoreciendo los colores inherentes a los objetos. Los tonos pastel brillantes se acercan a la realidad objetiva. La sensación de amplitud y el color claro del objeto se diluyen.

Algunos estudiosos especulan que la inspiración más temprana para esta pintura pudo provenir de un relieve del siglo XVII que vio en el Palacio de Versalles. Este relieve es de Silaton. Renoir realizó varios bocetos y estudios para este relieve. Junto con su evaluación de los métodos de pintura clásicos durante este período, finalmente completó una pintura de desnudo en el estudio con una composición rigurosa y una expresión completa de la textura del cuerpo humano. A juzgar por el fino cabello rubio de la cabeza de la mujer desnuda, el color brillante de la piel y las líneas precisas y suaves, esta pintura siempre ha sido considerada la obra representativa de Renoir en el período neoclásico.

La cantidad de pinturas corporales femeninas de Renoir en el período posterior supera con creces a las del período inicial, y la calidad también es muy alta. Los desnudos femeninos que pintó a menudo tienen los rasgos enérgicos pintados por Rubens, con una belleza funcional encantadora. A los pintores les gusta pintar la piel de las mujeres tan suave y tersa como perlas. A veces, el vello corporal de una mujer es esponjoso y sus cejas exudan el encanto de la juventud. A veces parecen inocentes pero sanos y maduros. Algunas obras del cuerpo femenino tienen una cierta sencillez salvaje. En definitiva, su estilo de pintura del cuerpo humano no parece coincidir con su personalidad y vida. Por ejemplo, en el cuadro Mujer después del baño (1888), el desnudo femenino tiene una tez sonrosada que refleja el cuerpo tonificado de la niña. Pinceladas extremadamente delicadas perfilan la piel tersa y tersa de la mujer. Su imagen del cuerpo femenino, lleno de elasticidad y seducción, no puede relacionarse con las condiciones de vida del propio Renoir en aquella época.

En 1894, Renoir padecía artritis reumatoide, una enfermedad que aquejaba al pintor de unos cincuenta años. Después de varios años de deterioro, en 1903 tuvo que trasladarse a Canou, Provenza, en el sur de Francia, para un período de convalecencia. El clima más templado del sur pudo haber sido beneficioso para su condición. También buscó tratamiento médico y fue operado de rodillas, pies y manos. Al principio podía caminar con un bastón, pero después de 1910 sus extremidades inferiores quedaron paralizadas y estuvo confinado a una silla de ruedas por el resto de su vida. En 1912 quedó paralizado por un tiempo, pero después del tratamiento su condición mejoró ligeramente y la parte superior de su cuerpo recuperó sus funciones fisiológicas. Sin embargo, durante un período de enfermedad tan desafortunado, tuvo que contenerse de la tortura física. Sentado en una silla de ruedas, pintó una gran cantidad de cuadros de desnudos que mostraban la belleza de la juventud femenina y la alegría de vivir. Las últimas pinturas de Renoir sobre el cuerpo femenino pueden expresar verdaderamente los ricos y delicados colores y la textura de la piel del cuerpo humano. Al apreciar sus pinturas de desnudos, la gente sentirá la sangre fluyendo debajo de la piel, humectándola y mostrando un color carne rosado.

Se dice que este es uno de los modelos favoritos de Renoir en sus últimos años, llamado Gabriel. El pintor a veces le pedía que fingiera darse un baño y limpiarse los pies; a veces le pedía que se vistiera como mujeres de diferentes identidades y guiara a los niños; a veces le pedía que usara ropa tosca, o que la dejara leer libros, etc. En cuanto a la imagen del desnudo, suele colocarse en un día soleado. El sol brilla intensamente, por lo que la piel suave como el cristal de la niña se puede mostrar en el suave color de la luz natural.