Arte barroco vibrante
Como tengo un gran interés en la música barroca y me gusta especialmente escuchar la música del músico barroco Bach, me gusta explorar Museo Ashmolean La sala de exposiciones de arte presta especial atención a la pintura del período barroco. La sala de exposiciones 46 en el segundo piso está dedicada a la pintura de este período.
Breve introducción -
Barroco Barroco originalmente se refiere a perlas de forma irregular. Es una forma de arte. Debido a la popularidad de este estilo artístico, se le llama período barroco. Las composiciones musicales creadas durante este período se conocen como música barroca. El período barroco es una época de la historia del arte occidental, aproximadamente el siglo XVII. Apareció por primera vez en Italia a finales del siglo XVI y alcanzó su apogeo en el siglo XVIII.
Algunas características de la música barroca son: ritmo fuerte y saltador, el uso de polimelodía y polifonía multiparte, y un mayor énfasis en los altibajos de la melodía. Por ello, concede gran importancia a los cambios. en intensidad, y la velocidad permanece constante de principio a fin.
Figuras representativas del periodo barroco incluyen a Bach, Vivaldi y Handel. Bach es el padre de la música, lo que se desprende de su altísimo prestigio; Vivaldi es famoso por sus "Cuatro Estaciones"; Handel es un maestro de la melodía, y sus obras tienen un temperamento elegante que deja tras de sí una enorme riqueza; durante el período.
El arte barroco es un estilo artístico en Europa desde el siglo XVII. Utiliza técnicas de movimientos exagerados y detalles claramente identificables en la escultura, la pintura, la arquitectura, la literatura, la danza y la música para crear escenas dramáticas, dramáticas y dramáticas. Tensión, impetuosidad y magnificencia. El estilo se originó en Roma, Italia, alrededor de 1600 y se extendió por gran parte de Europa. La popularidad y el éxito del estilo barroco están relacionados con el apoyo de la Iglesia Católica Romana.
Figuras representativas del arte de la pintura incluyen a Caravaggio, Gian Lorenzo Bernini, Rembrandt, Peter Paul Rubens, Velázquez, Jan Vermeer, etc.
Arte Barroco, 1600-1700, Sala 46, Segundo Piso, Museo Ashmolean.
El arte barroco está lleno de una intensa energía.
Este estilo innovador se desarrolló en Italia alrededor del año 1600. Los artistas barrocos exploraron el realismo y la expresión en la pintura y la escultura. Algunos prefieren un tipo de arte idealizado basado en estudios antiguos.
La herencia clásica de Roma ha atraído a muchos artistas y coleccionistas. Aquí se mudaron artistas italianos y escandinavos, entre ellos Pietro da Cortona, Nicolas Poussin y Claude Lorrain. Los mecenas adinerados competían para coleccionar arte.
Roma es el principal centro de actividad de la Iglesia católica. La Iglesia impulsó una nueva piedad que requería un arte más directo y sensual.
La galería lleva el nombre de W. F. R. Weldon, un antiguo mecenas que legó su colección de arte al museo Ashmoray en 1936.
Matthias Stone (1589/1600- después de 1652) "Golpe caliente, golpe frío", alrededor de 1640~
Prestado por un coleccionista privado, 2018.
"Blow Hot, Blow Cold" cuenta una historia de la fábula de Esopo "El dios de la selva y el viajero". En esta historia, un granjero sopla sobre Seth, el dios del bosque, para calentarle los dedos fríos. El dios del bosque se sorprendió aún más cuando vio al granjero enfriando de la misma manera un plato de sopa caliente. Este tema es especialmente popular en el arte holandés porque combina hábilmente elementos de la mitología clásica y la vida cotidiana. El artista holandés Stone se mudó a Italia, donde trabajó al estilo de Caravaggio y favoreció los efectos de iluminación dramáticos. En esta pieza, una vela ilumina la cena.
Escultura de marfil "Venus y Cupido" de George Patel (1601/2-1634)~
Comprada en 1932.
Peter es un experto en la talla de marfil y su trabajo es muy aclamado. Trabajó en Munich, el sur de los Países Bajos, Génova y Augsburgo.
Esta estatua es una adaptación liberal de la antigua estatua de Afrodita en Cnidos en el Vaticano. Sus obras fueron recopiladas por Peter Paul Rubens, que era un amigo íntimo suyo. Esculpió la estatua en 1624 durante una visita al artista.
Esto puede ser Venus y Cupido, 1635, recopilado por George Villiers, primer duque de Buckingham.
Sir Peter Paul Rubens (1577-1640) La gloria de los alemanes, óleo sobre lienzo~
Como parte del impuesto a la herencia de Christopher Norris, presentado por El gobierno británico acepta.
Rubens se inspiró en un antiguo relieve romano bellamente tallado. Este relieve fue descubierto en París en 1620 por su amigo Nicolas-Claude Fabre de Peresque.
Este relieve representa irónicamente a un hombre germánico despidiéndose de sus padres, el emperador Tiberio, y de su madre, Livia, así como de otros miembros pasados y presentes de la familia. En esta ampliación a gran escala, Rubens aporta vida y calidez a la fría piedra. En 1626, regaló el cuadro a Peresque.
Francesco Buoneri, también conocido como Cecco del Caravaggio (grabado entre 1610 y 1621) "Naturaleza muerta con decoración interior y joven sosteniendo un instrumento musical", óleo sobre lienzo~
Compra en 1936.
El hombre miró hacia afuera con expresión desafiante. Estaba sentado en la cocina, sosteniendo una flauta de barro en la mano y sobre la mesa había una variedad de frutas, pan y cerámica. Otros elementos, como su ropa, su violín o sus costosas cristalerías, indican que se trata de algo más que una escena cotidiana.
Secco fue un devoto seguidor de Caravaggio, del que sabemos muy poco. Le gustan las obras con luz fuerte y temas misteriosos. Aunque las pinturas de Secco contienen elementos de realismo, sus pinturas son muy dramáticas. El inusual ángulo de la mesa es típico de su estilo personal.
Anthony van Dyck (1599-1641) Testimonio, alrededor de 1619, óleo sobre lienzo ~
Cortesía de Charles T. Maud, 1869.
Cristo muerto fue bajado de la cruz con la sangre manando de sus llagas, y fue llorado por la Virgen María, María Magdalena y Juan evangelista. El sacrificio de Cristo es la Eucaristía o el Sacramento de la Misa. Dado que el retablo enfatiza el sufrimiento físico, también es un llamado al arrepentimiento.
Van Dyck probablemente completó esta pintura alrededor de 1619, antes de partir de Amberes hacia Inglaterra. Se desconoce la ubicación original de esta pintura. El atractivo emocional reflexivo es típico del arte religioso del siglo XVII.
Claude Lorraine (1604/05-1682) "Ascanius dispara al ciervo de Silvia", óleo sobre lienzo~
1926 Presentado por la Sra. W-F-R Weldon.
Ascanio, hijo del líder troyano Eneas, se encuentra cazando en la campiña romana. Desafortunadamente, sus acciones conducirán a la guerra entre troyanos y latinos.
El paisaje plateado es armonioso y tranquilo. Se acumulan nubes oscuras y una suave brisa sopla entre los altos árboles, un recordatorio de la violencia que se avecina.
Esta escena poética es de la "Eneida" de Virgilio. Claude pintó este cuadro para el príncipe Lorenzo Onofrio Colonna de Roma en el último año de su vida. Originalmente, la pintura estaba pensada como pieza complementaria de otro paisaje, Dido y Eneas ante Cartago, que Claude pintó entre 1675 y 1676.
Adriaen de Vries (ca. 1556-1626) "Mercurio y Cupido", ca. 1626, escultura en bronce~
Colección privada Cuaresma, 2017.
El holandés Adrian de Vries fue el escultor barroco con más talento de su generación. Después de trabajar con Giambologna en Italia, fue nombrado escultor de la corte del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Rodolfo II en Praga. Esta vibrante estatua fue fundida en la Royal Foundry hacia el final de la vida del escultor.
Aunque está inspirado en el mundialmente famoso Mercury de Giampalogne, es un raro ejemplo del estilo posterior de De Vries. Mercurio y Cupido fueron esculpidos en cera blanda, de forma casi grotesca, pero manteniendo perfectas proporciones anatómicas.
Nicolas Poussin (1593/94-1665) "Discurso sobre Moisés", óleo sobre lienzo~
Por las hijas del difunto Sir Edward Fry Generosas donaciones y adquisición en 1950 con financiación del Fondo de las Artes.
El faraón ordenó que todos los hijos de los hebreos fueran ahogados en el río Nilo (Éxodo 2:2-4). La madre de Moisés puso a sus hijos en un arca hecha de juncos. La hija de Faraón llegó al río, rescató al niño y le puso por nombre Moisés, mientras su hermana María miraba.
En 1654, Poussin pintó este cuadro para su amigo Jacques Stella. Eligió representar un episodio de tristeza y desesperación en lugar de la tan contada escena de "Buscando a Moisés". La historia tiene lugar en la antigua Roma, el futuro hogar del cristianismo. La Esfinge y el Dios del Río son símbolos del Nilo.
Sala de exposiciones 47 en el segundo piso del Museo Ashmolean, Arte alemán y flamenco de 1400 a 1650
Las obras de arte de esta sala de exposiciones son de Alemania, Flandes y España El artista Funcionó desde finales del siglo XV hasta mediados del siglo XVII.
En el arte italiano del siglo XV, el entusiasmo por la escultura y la arquitectura romanas se mantuvo intacto. A principios del siglo XVI, los artistas del norte comenzaron a adaptar sus tradiciones regionales al arte del Renacimiento italiano. Varios pintores completaron aquí sus estudios en Italia y trajeron a casa las últimas tendencias de la pintura italiana.
Hans Sch?ufelein (hacia 1480/85-1539/40) "Cristo adiós a su madre", óleo sobre tabla~
Firmado con axioma Escudo, fechado en 1514. Cedido por una colección privada de Londres.
El tema de esta pintura es inusual. La historia de la separación de Cristo de su madre en vísperas de la Última Cena no aparece en la Biblia, pero aparece por primera vez en los textos medievales.
Albrecht Durer representó este tema en un grabado en madera que se convirtió en modelo para varios pintores alemanes de su generación. Entre ellos se encontraba Schöufelein, que tomó el grupo central de los grabados de Durero pero añadió apóstoles a la izquierda y figuras a la derecha. La pintura lleva el símbolo del artista: una pala (en alemán "schaufel"), un juego de palabras con su nombre.
Sir Peter Paul Rubens (1577-1640), emperador Maximiliano I, grabado en tinta ~
Cortesía de Chambers Hall, 1855.
En 1634, Rubens recibió el encargo de diseñar una serie de decoraciones callejeras para celebrar la entrada de Fernando, el recién nombrado gobernador hispano-holandés, en Amberes. Este es uno de los bocetos al óleo de Rubens de los artistas y artesanos que realizaron sus diseños.
Este boceto es un estudio de una estatua del emperador Maximiliano, una de las doce grandes estatuas doradas que decoraban el pórtico del emperador.
Sur de Alemania, retrato de finales del siglo XV de una joven sosteniendo flores ~
1968 Legado de William W. Spooner.
Este exquisito retrato fue pintado por el famoso grabador Mir von Landstedt, fallecido en 1510. Poco se sabe sobre su obra como pintor, y sería difícil demostrar que pintó este cuadro.
Esta pintura puede combinarse con un retrato similar de su prometido. El rosa o clavel que sostiene en su mano izquierda se asocia con los novios.
(Arriba) Bodegones flamencos en Países Bajos y Flandes, Museo Ashmolean, segundo piso, sala 48.
La pintura de bodegones se originó en el siglo XVI, cuando los artistas comenzaron a crear obras exentas utilizando objetos inanimados, como frutas o flores, que habían aparecido en obras religiosas e históricas.
La pintura de bodegones apareció por primera vez en Italia, pero esta forma de arte se asocia principalmente con los artistas holandeses y flamencos del siglo XVII, muchos de los cuales se especializaron en una rama de la pintura de bodegones: flores, frutas, pescado, utensilios para banquetes, utensilios de cocina y otra cosa. A veces imbuían a sus pinturas de un significado simbólico al evocar lo efímero de la vida, pero es probable que la mayoría de las obras sean apreciadas principalmente como ejemplos de la habilidad del artista para crear la ilusión de objetos familiares.
En 1939, Theodore W. H. Ward (1879-1955) donó todas sus pinturas al museo en memoria de su esposa, Daisy Linda Ward (Linda Ward, de soltera Travers, 1883-1937). La propia Daisy-W-H-Ward era pintora y cantante de ópera. (Los visitantes pueden solicitar un folleto)
Henri Fontaine Latour (1836-1904) "Naturaleza muerta con una rosa blanca en un vaso", 1872, óleo sobre lienzo~
Legado 1936 por Sra. w-f-r Weldon.
Fontaine Latour es un artista francés mundialmente famoso por sus pinturas de flores. Entre las más de treinta pinturas florales creadas por Fantine-Latour, las rosas son las más comunes. Este bodegón es un gran ejemplo de su combinación de vidrio transparente y rosas. Para ello utilizó a menudo vasos ingleses tallados. Las amplias pinceladas utilizadas por Fountain-Latour contrastan marcadamente con las naturalezas muertas holandesas y flamencas que lo rodean, que fueron pintadas en formas más delicadas hace sólo unos siglos.
Guitarras británicas del siglo XVIII a principios del XIX~
Elbert Kuip (1620-1691) "Sigeant the Duck, 1647-1650", Pintura a tinta~
En alquiler de una colección privada, 2018.
El pato pelirrojo es un ave extraordinaria. A lo largo de su vida, pone más de cien huevos al año. Al propietario de Sietegen le gustaba especialmente y en 1647, Sietegen, de 20 años, encargó que lo pintaran. El poema holandés adjunto al cuadro parece ser la autobiografía de Sietgen. La segunda inscripción registra tristemente su muerte tres años después. El hecho insólito de que Sitgen fuera inmortalizada en un cuadro que también contenía un poema dedicado a ella sugiere que debió ser uno de los animales más preciados del siglo XVII.
La introducción anterior es a las salas de exposiciones 46, 47 y 48 en el segundo piso del Museo Ashmolean.
El pabellón 46 está dedicado al arte barroco (1600-1700) y está lleno de intensa energía. Su arte se caracteriza por el uso de movimientos exagerados y detalles claramente identificables para crear efectos dramáticos, tensos, engorrosos y magníficos.