¿Qué es la fotografía humanista?
El humanismo se refiere a diversos fenómenos culturales en la sociedad humana.
La fotografía humanística, como su nombre indica, toma como tema de fotografía a personas o actividades humanas.
Actualmente, este término suele utilizarse para las actividades de fotografía artística. La fotografía humanista obviamente se refiere a obras que pueden reflejar el contenido avanzado, excelente y saludable de la cultura humana. Estas obras pueden tocar los corazones de los lectores, permitiéndoles resonar con los autores en amor, cuidado y reverencia.
Fotografía de naturaleza muerta
La fotografía de naturaleza muerta es lo opuesto a la fotografía de retrato y la fotografía de paisaje. Capta objetos inanimados (este concepto de inanimado es relativo, como peces y camarones capturados en el mar). mar, frutas recogidas, etc.) y objetos artificiales que se pueden mover o combinar libremente como objetos de actuación. La mayoría de los temas son productos industriales o hechos a mano, objetos naturales inanimados, etc.
Sobre la base de reflejar verdaderamente las características internas del sujeto, a través de una concepción creativa y combinando composición, luz, tono, color y otros medios fotográficos, el sujeto se presenta como una obra fotográfica con belleza artística. Esto se llama fotografía de naturaleza muerta.
La fotografía de bodegones tiene un mundo amplio en cuanto a selección de materiales. Después de seleccionar los materiales, podemos manejar estos objetos a voluntad, porque los objetos son inanimados y se pueden mover en muchos ángulos para lograr intenciones creativas. La fotografía de naturaleza muerta tiene dos ventajas: primero, es un proceso cada vez más profundo para comprender mejor la visión artística.
Cuando objetos cotidianos se transforman en fotografías fascinantes, en realidad es un proceso de estudio y observación en profundidad de esos objetos. En segundo lugar, puedes adquirir conocimientos fotográficos más prácticos fotografiando naturalezas muertas. Para los fotógrafos, la dificultad de la fotografía de naturaleza muerta radica en su composición única.
Al organizar los sujetos, debemos elegir los ángulos de disparo y utilizar la luz de forma creativa, y luego aplicar los conocimientos prácticos de fotografía y los principios básicos aprendidos de la fotografía de naturaleza muerta a la fotografía diaria.
Fotografía de retrato
La fotografía de retrato es diferente de la fotografía de retrato ordinaria: la fotografía de retrato toma la descripción y expresión de la apariencia y expresión específicas del sujeto como su principal tarea creativa. Aunque algunos trabajos de fotografía de retrato también contienen una trama determinada, todavía se centran en mostrar la apariencia del sujeto. Un número considerable de trabajos de fotografía de retrato solo explican la imagen del sujeto sin una trama específica.
La fotografía de personas se centra en los eventos y actividades en las que participa el sujeto. Su tarea principal es expresar la trama específica, en lugar de expresar la apariencia y el comportamiento del sujeto con imágenes vívidas. La diferencia importante entre los dos es si la apariencia del personaje se describe en detalle.
Ya sea una sola persona o un grupo de personas, ya sea capturado en una escena o en un estudio fotográfico, ya sea una trama o no, siempre que muestre principalmente la apariencia específica. y estado mental del sujeto, es una fotografía El alcance de la fotografía de retrato.
Aquellos trabajos fotográficos que muestran principalmente las actividades y tramas de los personajes y reflejan una determinada temática de la vida, pero la apariencia del sujeto no es muy destacada, ya sea un primer plano o un cuerpo entero. foto, sólo se puede clasificar como categoría de fotografía de retrato.
Por supuesto, en un sentido amplio, la fotografía de retrato trata de personas y también pertenece a la fotografía de personas. La fotografía de retrato toma como tarea expresiva la descripción y descripción de la apariencia y el comportamiento del sujeto, y los personajes deben tener un comportamiento distintivo. Se puede dividir en tres categorías: fotografía de retratos en interiores, retratos en interiores en entornos específicos y retratos en exteriores. La fotografía de retrato requiere tanto forma como espíritu.
Fotografía documental
La fotografía documental se refiere a la fotografía que tiene como objetivo principal registrar y reflejar la verdadera imagen de las cosas objetivas.
La fotografía nació para grabar. Su gran vitalidad tras su nacimiento reside precisamente en su función registradora. Esto es incomparable o irreemplazable por otras tecnologías o artes.
Entonces, en un sentido amplio, la fotografía es registro. El resultado de la fotografía documental es un trabajo de documentación de imágenes. En consecuencia, las obras en vídeo incluyen obras en vídeo de noticias y obras en vídeo documental.
El propósito de la fotografía (quizás no el único, pero sí el principal) es registrar; la premisa es respetar la realidad objetiva; el objeto es la representación de cosas objetivas; el método de grabación es reproducir; La imagen a través de la fotografía. Según las diferentes formas de registrar imágenes y los diferentes valores que se persiguen, la fotografía documental se puede dividir en fotografía periodística y fotografía documental.
Fotografía artística
Con el desarrollo de los tiempos, la gente continúa agregando elementos artísticos a la fotografía y comienza a producir fotografías artísticas. La diferencia entre esta y la fotografía documental radica en el nivel artístico, pero no existe un límite absoluto.
Por ejemplo, hagamos una foto como documento de identidad o dejemos un recuerdo.
Generalmente, las fotografías tomadas en estudios fotográficos tienen como máximo cierta información o valor récord. Sin embargo, 50 años después, el retrato del Sr. Qi Baishi tomado por el Sr. Zheng Jingkang sigue siendo uno de los 20 mejores retratos del mundo. La diferencia es enteramente a nivel artístico.
El efecto de la fotografía artística es más bello, porque requiere no sólo de tecnología, sino también del momento, lugar y ángulo de disparo.
Fotografía
La fotografía de retratos siempre ha sido una forma importante de fotografía de retratos con su hermoso lenguaje fotográfico y su hermosa connotación de diseño.
En la segunda mitad del siglo XIX, el fotógrafo británico Landa tomó fotografías de dos caminos de la vida y una vez predijo que "una nueva era de la fotografía está llegando". En una época en la que la fotografía todavía era menospreciada, esta obra fue muy elogiada por la reina Victoria por su inspirador tema y composición. Se puede decir que la Universidad de Lanzhou ha hecho muchas contribuciones al desarrollo de la fotografía.
Desde entonces, la fotografía fotográfica se ha ido convirtiendo poco a poco en un género fotográfico importante.
Fotografía Comercial
La fotografía comercial, como su nombre indica, se refiere a las actividades fotográficas realizadas con fines comerciales. En sentido estricto, es fotografía comercial y, en sentido amplio, es un tipo de fotografía utilizada para publicar productos o escribir historias. Este tipo es sumamente importante en las actividades fotográficas actuales.
Este tipo de fotografía existe para intereses comerciales y la realización de fotografías según los requisitos de las empresas está relativamente restringida.
Fotografía con tinta
Al igual que las pinturas con tinta tradicionales, las obras de fotografía con tinta que se encuentran actualmente en el mercado se pueden dividir en tres categorías según su temática: paisaje, flores y pájaros, y concepción artística. Son similares a las pinturas de paisajes, flores y pájaros de la pintura china. En consecuencia, según la técnica y la concepción artística, se pueden dividir en abstractas y concretas, lo que corresponde a la pincelada a mano alzada y la pintura meticulosa de la pintura china.
Aunque es inevitable utilizar software como Photoshop para el posprocesamiento de fotografías fotográficas con tinta, esto no significa que las fotografías originales puedan distorsionarse a voluntad. Una buena fotografía con tinta debe modificar la foto original lo menos posible. También pone a prueba la composición y la capacidad del fotógrafo para capturar luces y sombras.
Holografía
La holografía se refiere a una nueva tecnología fotográfica que registra toda la información sobre la amplitud y fase de las ondas reflejadas del objeto que se está fotografiando. La fotografía ordinaria registra la distribución de la intensidad de la luz en la superficie de un objeto, pero no puede registrar la información de fase de la luz reflejada del objeto, por lo que se pierde el efecto tridimensional.
La holografía utiliza el láser como fuente de iluminación y divide la luz emitida por la fuente de luz en dos haces, un haz se dirige a la placa fotosensible y el otro haz es reflejado por el sujeto y luego disparado hacia el. placa fotosensible. Cuando el ojo humano mira directamente a esta película fotosensible, sólo puede ver franjas de interferencia como huellas dactilares, pero si se irradia con láser, el ojo humano puede ver la imagen tridimensional del sujeto original a través de la película.
Incluso si sólo queda una pequeña parte de la imagen holográfica, aún puede reproducir la escena completa. La holografía se puede utilizar en muchos aspectos de la industria, como pruebas no destructivas, holografía ultrasónica, microscopios holográficos, memoria holográfica, películas y televisión holográficas, etc.
Tipos de fotografía:
1. Fotografía de pintura
La fotografía de pintura es un género artístico popular en el campo de la fotografía a principios del siglo XX y se originó en Inglaterra en mediados del siglo XIX.
Los fotógrafos de este género persiguen el efecto de la pintura o el ámbito de lo "poético y pintoresco" en sus creaciones. Ha pasado por tres etapas: la etapa de la imitación; la etapa de la defensa de la elegancia y la etapa del arte;
El pintor propuso que "se produjeran Rafael en la fotografía y Tiziano en la fotografía".
La pintura y la fotografía han atravesado un largo período de desarrollo. El primer fotógrafo pictórico fue el pintor inglés Shiloh (1802-1870). Se le da bien la fotografía de retratos y sus obras tienen estructuras rigurosas y formas elegantes. De 1851 a 1853
fue la época de crecimiento de la pintura y la fotografía.
En 1869, el fotógrafo británico HP Robinson (1830-1901) publicó un libro sobre el efecto pintoresco de la fotografía. Propuso: "Un fotógrafo debe tener ricas emociones y un profundo conocimiento artístico para convertirse en un excelente fotógrafo.
No hay duda de que la mejora continua y la invención continua de la fotografía inspiran objetivos más elevados, porque la fotografía en sí misma, por muy refinada y completa que sea, es sólo un medio para alcanzar un objetivo superior. “Esto proporciona la base teórica para la escuela.
En 1857, OG Relander (1813-1875) creó una obra de estilo renacentista compuesta por más de 30 negativos: "Dos modos de vida", que marcó la madurez del arte de la pintura y la fotografía.
La mayoría de las obras de este período están llenas de tintes religiosos y contienen ciertas metáforas. Al filmar, se hacen bocetos con anticipación, luego se utilizan modelos y accesorios para organizar y arreglar la escena, y se procesan en el cuarto oscuro. Persiga el efecto pictórico de la pantalla fotográfica.
Posteriormente, el contenido de la pintura y la fotografía se amplió, pero el estilo aún defendía el clasicismo, y la forma y la composición seguían reglas académicas, por lo que era sutil, tranquila y elegante.
Cuando la escuela llegó a la etapa de pintura, todavía se caracterizaba por la búsqueda de la belleza emocional, la concepción artística y la belleza formal.
Porque el pintor enfatizó los logros artísticos: "Para que la fotografía tenga un lugar en el arte, los fotógrafos primero deben cultivar la capacidad estética y cultivar los logros artísticos. Por lo tanto, su logro histórico es transformar la fotografía del original". Imitación mecánica El objeto fue orientado al campo de las artes plásticas e impulsó el desarrollo del arte fotográfico.
Debido a que la creación de pinturas está mayormente divorciada de la vida real y el equipo fotográfico se perfecciona cada vez más, los gustos estéticos de las personas continúan desarrollándose y se ven impactados por el "naturalismo". A pesar de esto, todavía hoy ocupa un lugar en el panteón del arte fotográfico.
Los principales fotógrafos y obras de este género son: Pledge (?-1896) Baron's Banquet, Robinson Crusoe, escena de pagoda de Robin Hood Cuando el día ha terminado, El otoño, Dos sirenitas La niña, Morir; , Julieta con la botella de veneno, Amanecer y atardecer;
Leyland el Bautista, Jefe de los Pactos Aspora, Iphi, Virginia, Judith y Holofernes; Cameron F. Thomas Carlyle (1815-1897) y Nida ( 1820-1910) en su lecho de muerte.
2. Fotografía Impresionista
Del 65438 al 0899 se celebró en Inglaterra la primera exposición de pintura impresionista francesa. Bajo la influencia del pintor Robinson, propuso el estándar estético de que "la fotografía con teclas suaves es más hermosa que la fotografía con teclas nítidas" y abogó por la fotografía con teclas suaves. Este género es el reflejo del Impresionismo en la pintura en el campo de la fotografía.
Al principio, filmaron con lentes de enfoque suave, revelaron e imprimieron en papel tejido en busca de una vaga expresión artística. Con la aparición del "revelado con bromuro de plata" y los métodos de revelado de papel que incorporan pegamento dicromato en los pigmentos, las obras impresionistas evolucionaron desde la obtención de imágenes con lentes controladas hasta el procesamiento en el cuarto oscuro.
Propusieron que "la obra no debería parecerse en nada a una fotografía" y que "sin pintura no habría fotografía real".
Bajo la guía de esta teoría, los fotógrafos impresionistas También utilice pinceles, lápices y borradores para procesar imágenes, cambiando deliberadamente sus cambios originales de luz y oscuridad y buscando un efecto de "pintura". Por ejemplo, "Park Sweeper" de La Croix de 1900 es como un dibujo al carboncillo sobre lienzo.
Los fotógrafos impresionistas perdieron por completo las características de su propio arte fotográfico, por lo que algunos los llaman "imitaciones". Se puede decir que es una rama de la fotografía pictórica.
El arte de este género se caracteriza por tonos sombríos, líneas de sombra ásperas, decoración rica, pero falta de espacio. Sus fotógrafos famosos son Dumas (?-1937), Puyo (1857-1933), Qiong (1866-1944) y Wattsek (1848-1903).
Los hermanos Hoffmeister (1868-1943; 1871-1937), Durkheim (1848-1965438), Evre (1874-1948), Mizon.
3. Fotografía realista
La fotografía realista es un género fotográfico con una larga trayectoria que continúa hasta nuestros días y sigue siendo el género básico y principal de la fotografía. Es un reflejo del método creativo realista en el campo del arte fotográfico.
Los fotógrafos de este género insisten en las características documentales de la fotografía en sus creaciones. En su opinión, la fotografía debería tener una lealtad "igual a la naturaleza misma". Sólo cuando cada detalle de la imagen tiene "precisión matemática" la obra puede mostrar un atractivo y una capacidad de persuasión que otros medios artísticos no poseen.
A. Stiglitz dijo una vez: "Sólo a través de la discusión nuestra misión es la lealtad".
Por otro lado, son tan fríos y puramente objetivos como un espejo de objetos. Abogan por que la creación debe ser selectiva, y los artistas deben tener su propio juicio estético sobre lo reflejado. El famoso fotógrafo realista Lewis Hine dijo una vez un dicho tan famoso: "Quiero exponer aquellas cosas que deberían corregirse; al mismo tiempo, deberíamos reflexionar sobre aquellas cosas que deberían ser elogiadas.
"
Se puede ver que defienden la idea de que el arte debe "reflejar la vida". Se atreven a afrontar la realidad y la mayoría de sus temas creativos están tomados de la vida social. El estilo artístico es simple y sin pretensiones. , pero tiene un fuerte testimonio e inspiración
El primer pasatiempo de la fotografía realista fue el documental con colodión realizado por el fotógrafo británico Philippe de la Motte en 1853. Más tarde, fue el trabajo de fotografía de guerra de Ross Fenton y la década de 1960.
Después de 1870, la fotografía realista maduró gradualmente y comenzó a dirigir su lente hacia la sociedad y la vida. Por ejemplo, el fotógrafo Dr. Barnard en ese momento fotografió lo trágico. situación de los niños de la calle, que conmocionó al público.
Posteriormente, surgieron un gran número de fotógrafos realistas, y sus obras son famosas por su fuerte sentido de realidad y profundidad en la historia de la fotografía. como la británica "Coal Miners" de Brandt; "Las mujeres colaboracionistas francesas se afeitan la cabeza y desfilan en las calles" de la francesa Weiss, etc.
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En 1899, el fotógrafo Peter Henry Emerson publicó un artículo titulado "Fotografía naturalista" sobre las debilidades de la pintura, atacando la fotografía de pintura como fotografía fragmentada y defendiendo que los fotógrafos regresen a la naturaleza para encontrar inspiración creativa.
Él cree que la naturaleza es el punto de partida y el fin del arte, y sólo el arte más cercano a la naturaleza y similar a la naturaleza es el arte más elevado. Dijo que ningún arte refleja la naturaleza con mayor precisión, meticulosidad y fidelidad que la fotografía. El efecto de la afición a la fotografía reside en las escenas con lentes no modificadas grabadas en materiales fotosensibles. "
Otro maestro de la escuela, A. L. Pacho, lo dijo más claramente: "El arte hay que dejarlo en manos de los artistas. En lo que respecta a nuestra fotografía, no hay nada artístico en qué confiar y debemos crear de forma independiente. ”
Se puede ver que este concepto artístico es una reacción a la pintura, que impulsa a la gente a liberar la fotografía de las cadenas del academicismo y promover el pleno juego de las características propias de la fotografía.
La mayoría de los temas creativos de esta escuela son los paisajes naturales y la vida social.
Debido a que la fotografía naturalista se contenta con describir la realidad superficial y la realidad "absoluta" de los detalles, descuida explorar y explorar la esencia de. Refinamiento de los objetos superficiales. En definitiva, no se centra en la tipicidad de la creación artística y las imágenes artísticas, por lo que es esencialmente una vulgarización de la realidad.
Hay fotógrafos famosos de este género (. 1856-1930), Wilkinson (1857-1921), Geer (?-1906), Scratch (1856-?), Sutcliffe (1859-1940), etc.
5. Fotografía pura
La fotografía pura es un género de arte fotográfico que maduró a principios del siglo XX. Su fundador fue el fotógrafo estadounidense Steve Griese (1864-1946). >
Aboga por que la fotografía debe dar pleno juego a sus propias características y expresiones. , deshazte de la influencia de la pintura y busca los efectos estéticos únicos de la fotografía con tecnología fotográfica pura: alta definición, ricos niveles tonales, cambios sutiles de luces y sombras, tonos puros en blanco y negro, expresión detallada de texturas y representación precisa de la imagen. En resumen, esta escuela de fotógrafos persigue deliberadamente la llamada "calidad fotográfica": expresión precisa, directa, sutil y natural de la luz, el color y la textura del sujeto, sin el uso de ningún objeto. otro medio de arte plástico.
La "Vista de Nueva York" expuesta por la promoción de 1913 es una obra maestra puramente escolar.
Da a una plaza de Nueva York. sin procesamiento ni decoración, la composición novedosa y la forma única son refrescantes. Otro ejemplo es E. Frank K. Sandberg, quien utiliza métodos de exposición múltiple para evitar la exposición única de la obra y la descripción de la emoción del poeta. los cambios, combinaciones de tonos y cambios de composición en una pintura, son muy rítmicos.
Desde cierto punto de vista, algunas ideas y creaciones del purista eran una "mezcla" de formalismo y naturalismo, que luego evolucionó. en el "Nuevo Objetivismo", pero este género promovió la exploración y la investigación de las características y técnicas de expresión de la fotografía hasta cierto punto.
Fotógrafos famosos de este género son Strand (1890-1976) y fotógrafos del grupo F64 organización de fotografía como Adams y Cunningham.
Las obras posteriores de los puristas se desarrollaron hacia la abstracción de líneas, patrones e imágenes distorsionadas. Entre los fotógrafos influyentes se incluyen Yabo, Steiner, Steven y Evans.
6. Fotografía del Nuevo Objetivismo
La fotografía del Nuevo Objetivismo también se conoce como “fotografía dominante” y “fotografía del nuevo realismo”. Es un género artístico de fotografía que surgió en la década de 1920.
La característica artística de este género es buscar la "belleza" en las cosas ordinarias. A través de primeros planos y primeros planos, el sujeto se "separa" del todo, se resalta un cierto detalle del sujeto y su estructura superficial se representa de manera precisa y fiel, logrando así un efecto visual deslumbrante.
No cree que la esencia del arte resida en la naturaleza del objeto, por lo que su pensamiento estético pertenece al naturalismo. Por ejemplo, en 1923, el fotógrafo Pacho utilizó una técnica de primer plano para tomar un primer plano del eje giratorio de una locomotora, mostrando el estado del eje giratorio cuando la locomotora estaba en marcha. Dado que la imagen abandonó otros detalles. Dejó una fuerte impresión visual en la audiencia.
El pionero teórico del Nuevo Objetivismo es Strand, quien estipuló las características artísticas del Objetivismo de la siguiente manera: "El Nuevo Objetivismo es la esencia de la fotografía, y también es el producto y el límite de la fotografía". La fotografía "tiene una fuerte expresión de vida y requiere ojos para observar las cosas correctas".
Por lo tanto, no se basa en procesos y métodos operativos superficiales, sino que se debe utilizar la fotografía pura. Los pioneros de la fotografía del Nuevo Objetivismo fueron Atget y Steichen. El fundador actual es Pacho, mencionado anteriormente.
El logro de los fotógrafos de la Nueva Objetividad es animar a las personas a estudiar y explorar las características de la fotografía en sí, y devolver la fotografía del mundo de la fantasía estética a la vida real. Sin embargo, el énfasis excesivo en la descripción de estructuras detalladas de la superficie del material proporcionó el terreno para la germinación de la fotografía abstracta posterior.
Hacia 1925, debido a la aparición de las pequeñas cámaras de gran diámetro, se produjo un nuevo desarrollo en el campo de expresión del Nuevo Objetivismo, que produjo numerosos retratos y obras que reflejaban la vida social y los paisajes naturales.
Los fotógrafos famosos del Nuevo Objetivismo incluyen a Sander (1876-1964), Lasky (1871-1956) y Haig (1893-1955). ), Evert (1874-1948), Weston Adams (?-1902), etc.
7. Fotografía Surrealista
La fotografía surrealista es un género que apareció en el campo del arte fotográfico durante el declive del dadaísmo y surgió en la década de 1930.
Esta escuela tiene estrictos programas y teorías artísticas. Creen que utilizar métodos creativos realistas para expresar el mundo real es una tarea que los artistas clásicos ya han completado, mientras que la misión de los artistas modernos es explorar el nuevo e inexplorado "mundo espiritual" de la humanidad.
Por lo tanto, las actividades subconscientes humanas, la inspiración accidental, la psicosis y los sueños se han convertido en objetos de expresión deliberada de los fotógrafos surrealistas.
El surrealismo en la fotografía, al igual que los fotógrafos dadaístas, utiliza tijeras, pasta y técnicas de cuarto oscuro como principales métodos de modelado para crear un "arte" surrealista entre la realidad y la fantasía, lo concreto y lo abstracto". Como resultado, el efecto es extraño, absurdo y misterioso.
Los fundadores de este género son el fotógrafo británico Winston y el estadounidense Bruegel (1880-1945). El verdadero Terminator es el fotógrafo escénico británico Marco Bean (1905-?). En sus propias creaciones, combinó la realidad virtual "surrealista" con la realidad real para crear un mundo que es a la vez ilusorio y real.
Por ejemplo, su autorretrato de Marco Bing de 1946 es una obra surrealista típica, realizada en cuatro exposiciones: una de frente, dos de perfil y un ojo.
Fotógrafos famosos de este género incluyen al pintor Parhan, que trabajó con reflejos surrealistas; el fotógrafo humano deforme Brent; los fotógrafos de retratos y publicidad Carson, Blumenthal y Lowe, Halsman, Lai Yi, etc.
8. Fotografía abstracta
La fotografía abstracta es un género de arte fotográfico que surgió después de la Primera Guerra Mundial.
Esta escuela de fotógrafos niega que el arte plástico refleje la vida y exprese los sentimientos estéticos del artista en imágenes artísticas observables, y afirma que la fotografía debe ser "liberada de la fotografía".
Al principio, la textura detallada y los ricos tonos del "sujeto" se omitieron mediante el método de ampliación sin fondo, creando una "imagen luminosa" que solo mostraba su forma.
Más tarde, reveló o usó luz, o editó luces, o expuso en el medio, o hizo vibrar la cámara mientras disparaba para desenfocar la imagen del sujeto en la película, o la expuso repetidamente para convertirla en fantasma hasta que la imagen cambió la estructura de la superficie y cambió la forma original y la estructura espacial del sujeto, tratando de utilizar el llamado "lenguaje abstracto absoluto" de forma, tono (color) y material.
Transforma el sujeto en una combinación irreconocible de líneas, puntos y formas.
Muestra lo que los artistas de este género consideran el llamado mundo subconsciente más real y esencial del ser humano. En la obra, el sujeto fotografiado es sólo una nota tomada prestada por el artista para producir una "melodía" que expresa libremente su imaginación y personalidad.
El creador de la fotografía abstracta es Talbot (1800-1877). Al principio, la imagen de la obra conservaba cierto grado de reconocibilidad.
En 1917, el "Burdeos ilustrado" fotografiado por un fotógrafo profesional (1882-?) utilizando aserrín y fragmentos de vidrio transparente era completamente irreconocible. En 1922, el pintor abstracto húngaro Moholinaki (1895-?) se reunió con Manray (1890-?) y otros, y lo estableció teóricamente.
Posteriormente, los pintores abstractos Kandinsky y Koehler introdujeron la microfotografía y la fotografía de rayos X, que ampliaron enormemente el rango de expresión de la fotografía abstracta, enriquecieron el lenguaje del arte fotográfico y establecieron su propio sistema de arte popular en Europa y. América.
Además de los mencionados en el artículo, existen otros representantes de esta escuela, como Scott, Fenninger, An Zhenlan, Freitai, Winkler, Gru Menbeau, Schade y Bruegel.
9. Fotografía comparable
La fotografía Kanpa es una importante escuela de fotografía que surgió después de la Primera Guerra Mundial y se opuso a la fotografía de pintura.
Este grupo de fotógrafos aboga por respetar las características de la fotografía, enfatizando la autenticidad y la naturaleza, abogando por no manipular ni perturbar al sujeto al disparar, y abogando por captar el estado de ánimo momentáneo del sujeto en un estado natural.
El famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson dijo: "Para mí, la fotografía es el registro del significado de un evento y la forma organizativa precisa que puede expresarlo con precisión en un instante". Las características de este género son objetivas, verdaderas, naturales, amigables, casuales, sin pretensiones, vívidas y llenas de vida.
En cuanto a sus pensamientos estéticos y tendencias creativas, la situación de los fotógrafos de la escuela "Kan" es más complicada. Aunque todos defendían la expresión de la naturaleza humana y la mayoría se dedicaba al fotoperiodismo, algunos eran naturalistas y otros realistas.
La obra que dio origen a este género es "Invierno en la Quinta Calle, Nueva York" fotografiada por el fotógrafo Alfred Stieglitz en 1893, que en realidad fue creada por el fotógrafo alemán Ehrlich Dr. Salomon. "Reunión política en Roma", que rodó con una pequeña cámara al final de una reunión nocturna entre los primeros ministros alemán y francés, se ha convertido en un clásico en la historia de este tipo de fotografía por su viveza, autenticidad, sencillez y naturalidad.
En estética fotográfica creen que "una fotografía basada en las características básicas de la fotografía no puede ser imitada por un pintor o grabador. Tiene su propio yo inseparable, su propio poder expresivo especial e incluso otras características". que los medios no pueden expresar”.
En segundo lugar, para la expresión de cosas objetivas, valoran y enfatizan la originalidad, creyendo: "(Los fotógrafos deben usar) sus propios ojos para ver el mundo, no a través de los ojos de otras personas, y esto es lo que distingue a las fotos". El estándar de mediocridad o brillantez, valioso o inútil"
Fotógrafos famosos de este género incluyen al estadounidense Thomas Dowell Mavoy; al británico Celit Modal; al fotógrafo francés Victor Hofmann; también a Louis Dahl Wolf, Peter Stackpier Bruwich y muchos más. .
10. Fotografía "Dadaísmo"
El dadaísmo fue una corriente literaria que surgió en Europa durante la Primera Guerra Mundial. "Dada" era originalmente una palabra incoherente para "pony" o "caballo de juguete" en el idioma infantil francés.
Los artistas dadaístas negaban la racionalidad y la cultura tradicional en sus creaciones, declaraban que el arte estaba desconectado de la estética, abogaban por "abandonar la pintura y todas las exigencias estéticas" y abogaban por la nada. Esto convertía sus creaciones casi en una broma. entonces la gente lo hará. Este movimiento artístico se llama "dadaísmo".
Debido a que las obras de fotografía dadaísta no cumplían con los gustos y requisitos estéticos generales de la gente, a partir de 1924, fueron impactadas gradualmente por la escuela de arte surrealista con tofu y planos artísticos claros y completos.
Sin embargo, su influencia todavía se puede ver en el arte fotográfico modernista posterior.
Fotógrafos dadaístas famosos incluyen a Philippe Halsman, Morgan, Laszlo Molina von Jingen y Listsky.
11. Fotografía subjetiva
La fotografía subjetiva es un género artístico fotográfico formado después de la Segunda Guerra Mundial. Es más "abstracta" que la fotografía abstracta, por eso también se la llama "de posguerra". escuela". ".
Es el reflejo de la filosofía existencial en el ámbito de la fotografía. Su fundador es el fotógrafo alemán Ot Steiner. Él cree que "la fotografía es un campo vasto que originalmente tenía la capacidad de desempeñar su propio papel y también tiene un alto grado de iniciativa subjetiva.
Pero ahora se ha convertido en una especie de realismo mecánico". Así propuso "Fotografía" La propuesta artística de "subjetivación artística" "defiende firmemente que el propósito final del arte fotográfico debe ser recordar a los fotógrafos sus propias ideas vagas y expresar sus inefables estados internos y actividades subconscientes. La fotografía subjetiva es personalizada y". fotografía personalizada.
Este es el programa de arte de esta escuela. Los artistas de la fotografía subjetiva ponen gran énfasis en su individualidad creativa y desafían todas las reglas artísticas y estándares estéticos existentes. Los teóricos de esta escuela declararon públicamente: "La fotografía subjetiva no es sólo un arte de imagen experimental, sino también un arte creativo libre y sin restricciones". "Podemos utilizar la tecnología a voluntad para crear fotografías".
La evolución de Fotografía corporal occidental En la historia del arte mundial, hubo un período glorioso del arte corporal durante el Renacimiento en Grecia y Europa. Después de experimentar las impactantes expresiones artísticas iniciales que reproducían la realidad objetiva, los fotógrafos con espíritu de exploración y creatividad comenzaron a lograr avances en el campo de la fotografía humana.
En 1857, el fotógrafo sueco Radhalan, que más tarde vivió en Inglaterra, tomó una fotografía de dos caminos en la vida, que se considera un clásico en la historia de la fotografía. La pintura tiene una trama rica, numerosas escenas y utiliza una gran cantidad de obras humanas. El tema es observar el bien y castigar el mal, centrándose en el anciano de pelo blanco. Los dos grupos de personajes de ambos lados encarnan dos conceptos morales diferentes, ideales de vida y procesos de vida.
Sin embargo, también ha sido atacado por una minoría que dice que es pornográfico debido al uso de tantas mujeres desnudas en poses groseras y obscenas. Se puede comprobar que, en todo momento y en todos los países, el arte corporal siempre será criticado y atacado por algunas personas, por muy positivo que sea su significado ideológico o por brillante que sea su tratamiento artístico. Probablemente esto se haya convertido en una reacción rutinaria.
La tendencia de desarrollo de la fotografía corporal occidental es muy evidente. Mientras se desarrolla la fotografía corporal tradicional convencional, también es popular expresar fuertes emociones subjetivas y un lenguaje fotográfico moderno, creando obras de diversos géneros y estilos, que incluso conducen a concepciones artísticas deformadas, recortadas, reorganizadas, misteriosas, absurdas y feas.
Por ejemplo, la fotografía de desnudo icónica de Jerry Usman, la fotografía de desnudo casual de Roger Martin, la fotografía de desnudo original de gran formato de Todd Walker, la fotografía de desnudo cortada y reensamblada de Robert Hennessy Chin y Qi De Sue Okhama, la fotografía de desnudo absurda de Lee, y la sensual fotografía de desnudos de Ninda y Conrodoni Mitchell.
Enciclopedia Baidu: Fotografía