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Generación y desarrollo:

La música de cámara nació en Italia a finales de 2016. Por el momento, es un pequeño conjunto instrumental. Pero si lo miras desde una perspectiva histórica, encontrarás que esta forma musical tiene diferentes connotaciones en diferentes épocas.

Desde el siglo XVI hasta principios del XVIII, la música de aquella época se dividía en tres categorías: música sacra, música dramática y música de cámara. El lugar y la escala de la música de cámara en aquella época eran diferentes de la música religiosa y la música teatral. Es música vocal o pequeña música instrumental que se toca en hogares privados (nobles). Como a los nobles les gustaba la música, a menudo encontraban músicos con ideas afines para tocar juntos, formando así la forma más antigua de música de cámara.

Desde mediados del siglo XVIII hasta la primera mitad del siglo XIX, a medida que la música entró gradualmente en la clase pública, el lugar de actuación también pasó de los hogares privados a los lugares públicos de interpretación musical, y el significado de cámara la música también cambió en consecuencia. Se ha convertido en una música de cámara moderna interpretada por unos pocos instrumentos (principalmente un cuarteto de cuerdas) y no tiene nada que ver con el lugar de actuación específico.

Desde mediados hasta finales del siglo XIX, las obras de música de cámara más importantes fueron creadas por compositores alemanes, como Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms, etc. Aunque la combinación de instrumentos sigue principalmente la forma del período clásico, también se han producido algunos cambios. Generalmente se trata de un dúo de dos a nueve personas. El ejemplo más típico es el quinteto de piano "Trout" de Schubert.

En el siglo XX, la música de cámara tradicional enfrentó enormes desafíos, que se reflejaron principalmente en dos aspectos. Por un lado, proviene de combinaciones tímbricas mixtas: debido a la aparición de la música de síntesis electrónica y la aplicación de nuevos métodos de composición, el campo de la música de cámara ha producido una amplia gama de combinaciones de instrumentos inusuales, buscando nuevas combinaciones tímbricas, como como "Sirius" de Stockhausen (sintetizador electrónico, trompeta, clarinete bajo, soprano y bajo) y "Friendship" de Henze. Por otro lado, viene de la dotación de personal: hay géneros de música de cámara como la música de cámara sinfónica (compuesta por más de una docena de personas), el concierto de música de cámara, la ópera de música de cámara, etc. Por ejemplo, "Screw" de Britten requiere seis o siete solistas, instrumentos de viento, cuarteto de cuerdas más contrabajo, arpa, percusión, piano, piano, etc.

2. La sonata es el género musical más importante en la música melódica. Se refiere a una forma musical instrumental a gran escala, frente al oratorio. Comprenderlo no será tan difícil como comprender otras formas de la música clásica. Para entender las sonatas, primero debemos distinguir entre sonatas y forma sonata. Como género musical, la sonata lleva el nombre de su primer movimiento y suele constar de tres o cuatro movimientos. Sin embargo, no todas las sonatas utilizan la forma sonata en el primer movimiento. Por ejemplo, el primer movimiento de la "Sonata para piano n.º 11 en la mayor" de Mozart utiliza variaciones. El siguiente movimiento suele ser Adagio, en cualquier forma. Luego puedes agregar un movimiento distintivo para crear el ambiente del público, a menudo un minueto o un scherzo. Por supuesto, tal movimiento no es posible. El movimiento final es el Allegro, normalmente en estilo rondó, pero por supuesto también puede ser en otros estilos musicales rápidos y tambaleantes. De hecho, la sonata es sólo el primer movimiento y los demás movimientos pueden cooperar entre sí en términos de velocidad y emoción. Toda la sonata se compone de una estructura rápido-lento-rápido en términos de tempo. Este es un preludio derivado del alemán y también está en consonancia con los hábitos de escucha de la gente. Afortunadamente, el preludio francés no se ha desarrollado mucho, de lo contrario podría ser otra sonata lento-rápido-lento. El movimiento más importante de una sonata es el primer movimiento y la mayoría de las sonatas tienen forma de sonata. La composición de la forma sonata es la siguiente. La canción completa se divide en tres partes: 1 parte de presentación, 2 parte de desarrollo, 3 parte de reproducción. Por supuesto, también puedes añadir una introducción antes de la parte de presentación y un final después de la parte de recapitulación. La parte de presentación suele constar de dos temas principales, uno es el tema y el otro es el subtítulo. Las comparaciones deben hacerse en términos de melodía, ritmo o tono. Parece que todo siempre tiene su opuesto. En este momento, las dos melodías adoptan la melodía principal. Los materiales musicales para el Departamento de Desarrollo se obtienen del Departamento de Presentación o están escritos por compositores. El Departamento de Desarrollo cambiará y desarrollará completamente estos materiales para demostrar plenamente la sabiduría musical del compositor en este movimiento y brindar una sensación refrescante a la audiencia. La parte de recapitulación reproduce total o parcialmente las dos melodías de la parte tónica. Por supuesto, hay muchos ejemplos de reproducción tónica. Reaparecer en la clave principal, volver a la clave principal al final será más poderoso. La forma sonata es una forma razonable para la generación, cambio y desarrollo de imágenes musicales. Por lo tanto, muchas piezas musicales compuestas por los movimientos anteriores no se llaman sonatas. Por ejemplo, muchas sinfonías, conciertos y música de cámara.

Tomemos un ejemplo familiar: la Serenata para cuerdas en sol mayor de Mozart se divide en cuatro movimientos, es decir, el primer movimiento es Allegro Sonata, el segundo movimiento es Adagio Serenade, el tercer movimiento es Marcha y el cuarto movimiento es Allegro Rondo. A juzgar por la composición de toda la canción, se trata esencialmente de una sonata. Debido a que muchas sinfonías también se componen de tales movimientos, también puede considerarse como una pequeña sinfonía. Un concepto común en la música clásica es que las sonatas utilizan la presentación, el desarrollo y la reproducción para expresar la música. Este concepto impregna casi todas las estructuras musicales. Antes de la sonata, una gran fuga polifónica siguió esta línea de pensamiento. Esta idea se ajusta a la ley del desarrollo de las cosas, encarna la dialéctica de la música y está relacionada con la filosofía clásica alemana. Se puede decir que la sonata es producto de combinar esta idea con el tempo rápido-lento-rápido del preludio alemán. Todo aquel que ama la música clásica debería estar familiarizado con este género.

3. Los conciertos del período clásico se derivan del concierto grosso, del concierto para orquesta y del concierto para solista del período barroco, especialmente el concierto para solista.

Los conciertos para teclado se popularizaron en los inicios del clasicismo, representados por las obras de C.P.E. Bach y J.C. Bach. En el concierto de J.C. Bach hay una disposición clara de tres movimientos: el primer movimiento adopta la forma de Ritonello, que es una estructura con el prototipo de una sonata; en el segundo movimiento se suele utilizar el minueto; A menudo utilizan la estructura allegro-rondó de la música de baile. En la cima del clasicismo, Mozart heredó los métodos de creación de conciertos de los hijos de Vivaldi y Bach y compuso más de 50 conciertos para violín, piano, flauta, oboe, clarinete, fagot, trompa y otros instrumentos, haciendo madurar y mejorar los conciertos modernos. perfección, estableciendo la forma de concierto de tres movimientos que todavía se utiliza en la actualidad:

El primer movimiento, Allegro, sonata, doble presentación, la primera presentación la interpreta la orquesta y la segunda presentación la interpreta el instrumento solista y la orquesta juntos. Además, antes de que finalice la reproducción, hay una sección colorida que muestra las habilidades interpretativas del instrumento solista.

El segundo movimiento, Adagio, tiene una forma relativamente libre, normalmente en tres etapas, y la música está llena de canto.

El tercer movimiento, Allegro, a menudo se toca en estilo rondó o rondó, lleno de magníficas técnicas y, a veces, tiene la atmósfera festiva del estilo de canción o danza folclórica.

Desde un punto de vista estilístico, los conciertos del período clásico suelen llevar la marca del "estilo precioso", que es ligero, elegante, delicado y refinado, abandonando el estilo pesado y solemne de los conciertos del Barroco. período.

Los conciertos del período romántico del siglo XIX se desarrollaron sobre la base del estilo clásico, que se refleja principalmente en los siguientes aspectos: el principio de doble presentación fue cancelado en el primer movimiento, y los intérpretes A menudo participa en la cadencia de la creación, cada movimiento adopta una escritura ininterrumpida, utiliza factores musicales del título y enfatiza el estilo nacional. Los conciertos del siglo XX incorporaron muchos elementos musicales nuevos, mostrando la coexistencia de una variedad de técnicas y estilos.

4.

(1) El surgimiento y desarrollo de la sinfonía La palabra sinfonía proviene de la palabra griega "sinfonía", que originalmente significa "sonidos que suenan juntos". Esta es una forma de suite orquestal basada en los principios de la sonata. La predecesora de la sinfonía fue la obertura de ópera italiana del período barroco. ...

(2) Características del género La sinfonía clásica suele tener cuatro movimientos, y sus características básicas son las siguientes: El primer movimiento, en forma de sonata, es vivaz y dramático, y es presentado y desarrollado por dos temas opuestos y representación, indicando el origen, desarrollo y consecuencias temporales de la contradicción. El segundo movimiento, tres partes o variaciones, lento y cantabile,