¡Aprecia 100 de las pinturas al óleo más famosas de Occidente!
Hay muchas obras maestras desde la antigüedad, especialmente las pinturas al óleo occidentales. Te traemos un ranking de las pinturas más famosas de la historia occidental. Cada una es un clásico.
1. "El beso de Judas" de Giotto 1305
"El beso de Judas" de Giotto se centra en el momento del enfrentamiento psicológico entre Cristo y Judas. Los ojos firmes de Cristo respondieron a los de Judas, sólo con humildad y compasión por el traidor. En medio del clamor de acusaciones, engaños y traiciones, Cristo sigue siendo una compasión siempre presente. Por primera vez, Giotto dio a la pintura una motivación claramente humana, así como una profundidad psicológica y un realismo de los que carece la pintura tradicional.
2. Masaccio, "Impuestos" 1427
Este cuadro representa la historia del Evangelio de Mateo: el recaudador de impuestos preguntó a Jesús si había pagado sus impuestos. En el centro del cuadro, el recaudador de impuestos le pide impuestos a Jesús, y en el lado izquierdo del cuadro está la escena de Pedro sacando monedas de la boca del pez. A la derecha, Pedro entrega sus impuestos al recaudador de impuestos. Masaccio condensó estas tres escenas separadas en una sola imagen, dando a los personajes un toque humano e innovando la técnica sobre la base del clasicismo.
3. Jan 3. Eyck, "Retrato de Arnolfini y su esposa", 1434
Este misterioso retrato doble representa a Arnolfini y su La escena de la esposa recién casada prestando juramento muestra la extraordinario legado de Van Gogh. La extraordinaria capacidad de Acker para expresar detalles y luz. La postura de la pareja y los detalles inusuales de la escena son singularmente significativos y simbólicos, con la pareja y el propio artista reflejados en el espejo desde atrás. Una inscripción decorativa en latín dice "1434, Jan van Eyck. Jan van Eyck. Eyck está aquí". "Retrato del señor y la señora Arnolfini" no es sólo el primer intento de expresar en profundidad el nuevo tipo de pintura al óleo, sino también el primer precedente para pinturas de género y pinturas de interiores posteriores.
4. Paolo Uccello, "La Batalla de San Romano" en 1440
La obra maestra de Uccello "La Batalla de San Romano" demuestra su experiencia en perspectiva lineal con logros sobresalientes. En primer plano están los bandos en conflicto, detrás tropas con lanzas y en el suelo armas y armaduras abandonadas. El fondo es geométricamente abstracto y está dispuesto en perspectiva, lo que le confiere un fuerte efecto espacial. Por primera vez, Uccello exploró y resumió el "método de perspectiva de enfoque" en un nivel racional, que no sólo hizo que el arte espacial bidimensional fuera visualmente científico, sino que también separó la operación espacial de las pinturas orientales y occidentales.
5. “El nacimiento de Venus” de Botticelli 1482-1486
En la mitología griega, Cronos castró a Urano, y Urano quedó gravemente herido. Sus genitales cayeron al mar y la hermosa Venus. nació. El Nacimiento de Venus representa el nacimiento de Venus a partir de una concha dorada. El viento la llevó hasta la orilla y la bañó de rosas, mientras las hadas se envolvían en mantos decorados con flores primaverales. Esta pintura es la representación del desnudo más importante desde la época clásica.
6. "Conejo" de Durero 1502
Las obras de Durero combinan la minuciosidad del norte con el rigor científico de la escuela florentina del sur. La meticulosa atención al detalle en "Liebre" es impresionante. La luz dorada ilumina a la liebre, proyectando sombras extrañas y haciendo claramente visibles las puntas de cada pelo. Este extraordinario tratamiento le da a la obra una cualidad mágica, como si el animal estuviera mirando fijamente. espectador. La variedad y calidad de las obras conservadas de Durero dan fe de su importante lugar en la historia del arte.
7. "Paraíso en la Tierra" de Bosch 1500
El extraordinario tríptico a gran escala de Bosch "Paraíso en la Tierra": a través de la conexión de perspectiva y paisaje, representa a los seres humanos de izquierda a derecha. correcto Todo el proceso de caída de un cielo puro y hermoso a un infierno pecaminoso recorre el mundo humano lleno de variables y luchas. Está lleno de imaginación fantástica y tuvo una profunda influencia en el surrealismo del siglo XX.
8. "La peregrinación de los pastores" de Giorgione 1505
La "Peregrinación de los pastores" es una de las pinturas navideñas más exquisitas del Renacimiento. La Sagrada Familia da la bienvenida a los peregrinos de los pastores a la entrada de la cueva oscura, bañada por una luz suave, que simboliza a Cristo trayendo la luz al mundo, y a María vestida con un precioso paño rojo y azul. Los pálidos tonos dorados del cielo veneciano y la rica atmósfera pastoral hacen que este cuadro de la Natividad sea único.
9. "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci 1506
La "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci es sin duda el cuadro más famoso de todos los tiempos.
Este cuadro no sólo rompe con la composición tradicional, sino que también representa a una mujer hasta el vientre, presentando una imagen típicamente elegante y tranquila. Al mismo tiempo, el uso del "método de desvanecimiento" elimina las rígidas técnicas de expresión utilizadas en las pinturas desde la Edad Media, haciendo que toda la pintura parezca viva. Los contornos de los personajes están borrosos, como si se mezclaran con el fondo. En particular, las comisuras de los ojos y la boca están envueltas en suaves sombras, creando un sutil efecto artístico que enriquece enormemente la connotación de la imagen. La profunda y noble cualidad ideológica de la mujer reflejada en la imagen también representa la dirección estética del Renacimiento.
10. "Madonna Sixtina" de Rafael 1513
En la "Madonna Sixtina" de Rafael, la Virgen se revela en el telón Abrazando la disposición triangular del Hijo. La Virgen está vestida con ropas blancas, rojas y azules, que simbolizan la pureza, el amor y la verdad respectivamente. En la parte inferior izquierda está el Papa Sixtino II, que exuda un aire de piedad y seriedad. En la parte inferior derecha está la santa cristiana Bárbara. En un estilo lírico dulce y pausado, este cuadro alaba el noble acto de la Virgen de sacrificar a su amado Hijo para salvar al mundo sufriente.
11. "El Diplomático" de Holbein el Joven, 1533
"El Diplomático" es el retrato más inolvidable del arte renacentista, lleno de significados ocultos y una contradicción fascinante. La pintura muestra retratos de dos cortesanos franceses. En un realismo meticuloso, objetos como veleros, relojes de sol e instrumentos musicales adquieren significados simbólicos, no sólo como símbolos de estatus sino también como reflejo de los gustos refinados de la clase alta. La figura del cráneo retorcido que aparece a continuación es un recordatorio atemporal de la mortalidad, y nos recuerda que el éxito terrenal no tiene sentido: no importa lo que se gane, la vida eventualmente desaparecerá.
12. "El Juicio Final" de Miguel Ángel 1535-1541
"El Juicio Final" fue encargado por el Papa y pintado para la Capilla Sixtina por Miguel Ángel. Un enorme mural en el techo. El mural es de gran escala y presenta más de 400 prototipos de personajes reales e históricos. La compleja estructura de líneas verticales y horizontales entrelazadas representa el momento de la venida de Cristo, cuando juzgará a los vivos y a los muertos, y aquellos cuyos pecados ha perdonado recibirán la vida eterna.
13. Tintoretto, "El milagro de San Marcos", 1548
"El milagro de San Marcos" muestra al santo patrón de Venecia, San Marcos, descendiendo del cielo para salvar a los esclavos que fueron ejecutados. La trama simboliza la independencia y la misión de Venecia de salvar a los cristianos de una manera metafórica y religiosa. La posición boca abajo del esclavo y el cuerpo invertido de San Marcos demuestran la capacidad de Tintoretto para expresar la perspectiva del cuerpo humano en rápido movimiento. La composición es fantástica, la luz y la sombra son fuertes y su singularidad radica en su trascendencia del estilo pictórico solemne y armonioso del Renacimiento.
14. ¿Pablo? El banquete de bodas de Caná 1563
"El banquete de bodas de Caná" es una obra maestra de 70 metros cuadrados que se utilizó originalmente como pintura decorativa para el monasterio. restaurante. El cuadro muestra a Cristo en el banquete de bodas. En un lujoso patio rodeado de edificios clásicos, cientos de invitados bebían y celebraban, intercalados con músicos y sirvientes. Los personajes son realistas y los colores son coloridos. Personajes reales y de la vida secular se integran en el banquete de la Sagrada Familia, presentando una escena magnífica.
15. Tiziano, "El saqueo de Europa", 1559-1962
En 1551, Tiziano compuso una serie de "Poemas" basados en "La Metamorfosis". Se inspira en la mitología para representar el amor, el deseo y la muerte en forma de arte visual. Uno de ellos, titulado "El saqueo de Europa", representa una escena en la que Zeus se sintió atraído por la belleza de la princesa fenicia Euroma, disfrazada de toro blanco, y la saqueó hasta la isla de Creta. Fuertes composiciones diagonales y pinceladas sueltas ampliaron la amplitud emocional y las técnicas expresivas de la Escuela Veneciana.
16. Pieter Bruegel el Viejo, "Cazadores en la nieve" 1565
La obra maestra de la pintura de paisajes "Cazadores en la nieve" es el mayor logro de Bruegel en el campo de la pintura de paisajes. Visto desde lo alto de una montaña nevada que domina un pueblo flamenco, el cazador y los perros de caza de la izquierda guían la mirada del espectador hacia el vasto paisaje de la derecha. La estructura de composición ideal y los detalles exquisitos aportan una hermosa experiencia visual a esta pintura de paisaje combinada.
17. "El entierro del conde Orgas" de El Greco 1586
"El entierro del conde Orgas" de El Greco representa dos espectaculares escenas del santo enterrando al conde Orgaz. La parte superior del cuadro es el cielo y la parte inferior es la tierra.
El cuerpo desciende a la tierra y el alma asciende al cielo. Tonos deslumbrantes de amarillo mostaza, rojo cereza y azul tinta destacan sobre el fondo oscuro. El uso de colores venecianos y formas distorsionadas y alargadas en la pintura presagiaba el surgimiento del futuro expresionismo.
18. "El Entierro de Cristo" de Caravaggio 1600
El retablo "El Entierro de Cristo" es una de las obras más admirables de Caravaggio, que representa a Cristo La trágica escena del entierro de Juan. , Nicodemo y María después de la crucifixión. El fuerte naturalismo, las técnicas contrastantes de luces y sombras y la composición diagonal que rodea el evento son a la vez clásicos y realistas.
19. "Guerra y paz" de Paul Rubens, 1629
La pintura alegoría política "Guerra y paz" de Paul Rubens, pintor representativo de la pintura barroca, desempeñó un papel pacificador. en la intermediación de la paz entre Gran Bretaña y España. La diosa de la paz en el centro de la imagen, los niños en el cuerno de la fertilidad y el anillo de la rama de olivo metaforizan la prosperidad, la riqueza, la abundancia y la felicidad que trae la paz. El estilo único de Rubens, lleno de pasión, grandeza, colores brillantes y fuerte dinámica, lo convirtió en un merecido líder del arte barroco.
20. "Magdalena ante una lámpara de aceite" de Georges Latour 1635
El pintor francés Latour fue el "maestro de la luz y la sombra" en el siglo XVII "Magdalena ante una lámpara de aceite". "La" es su obra clásica, que representa a Magdalena sosteniendo su barbilla entre sus manos, meditando en la penumbra y arrepintiéndose de sus pecados. La calavera arrodillada pretende recordarle que debe afrontar la muerte, llena de sobriedad, tranquilidad y triste introspección. La composición es rigurosa, la expresión interior es delicada y tiene una plenitud escultórica. La luz de las velas que arde en la noche representa los cambios de luz y sombra de manera extremadamente realista; la textura profunda, el estilo único y la expresión espacial del fuerte contraste entre la luz y la oscuridad exudan una atmósfera misteriosa y conmovedora.
21. "La ronda de noche" de Rembrandt, 1642
Este retrato de Rembrandt, que fue empleado de la compañía de arqueros en Ámsterdam, muestra el esplendor de la escena costumbrista tradicional barroca. Rembrandt rompió con los estereotipos de los retratos de grupo tradicionales y encontró una nueva manera a través de inteligentes contrastes de luz y oscuridad y escenas dramáticas. Esta pintura representa la escena en la que el capitán de la guardia condujo a un teniente con armadura amarilla a reunirse en formación. La luz, la sombra y la composición de una pintura histórica reflejan un maravilloso sentido de la realidad, un fuerte efecto escénico y una sensación de movimiento. La sinfonía visual de gestos, miradas, mosquetes y banderas, así como la gradación de la perspectiva con el color, confieren al cuadro un atractivo impactante.
Rembrandt combinó simbolismo y realismo, escena y metáfora, transformando temas seculares tradicionales en obras maestras que trascienden el tiempo, el lugar y el género.
22. "Los pastores de Arcadia" de Nicolas Poussin muestra la puesta de sol en el legendario paraíso de Arcadia, con cuatro personas explorando alrededor de las lápidas. La inscripción en latín en la lápida dice "Incluso en Arcadia estoy allí". Los pastores y las pastoras forman un contraste emocional concreto. El estilo de vestimenta escultural griego, el triste ambiente pastoral y las sublimes técnicas de expresión artística inspiran la contemplación de la gente y también contienen discusiones y pensamientos más profundos sobre la "muerte".
23. Velázquez, "Palacio Elegancia" 1656
El apogeo de la pintura altamente contagiosa de Velázquez "Palacio Elegancia" utiliza el espacio de reflexión del espejo para registrar Habla sobre su pintura para el Rey de España y el momento accidental en el que la princesa irrumpió de repente. Esta "pintura al óleo sobre pintura al óleo" cuidadosamente concebida utiliza la perspectiva, la geometría y las ilusiones ópticas para presentar un espacio de múltiples capas y ricos efectos visuales. Velásquez encontró un significado independiente para el creador. Todos los elementos avanzados de la creación artística moderna de vanguardia se pueden encontrar en las pinturas y continúan inspirando a los creadores de arte posteriores.
24. Vermeer, "El arte de pintar", 1666
"El arte de pintar" es una obra representativa de las técnicas pictóricas de Vermeer y contiene una rica filosofía y elementos intrigantes. El pintor da la espalda al espectador y se enfrenta al modelo. La ropa y las posturas de los personajes, los objetos y el mobiliario de la habitación son todos precisos y meticulosos en el detalle. Vermeer intentó transmitir su talento, fuerza, habilidad y gusto a través de esta pintura, así como su comprensión de las tendencias de la moda y las connotaciones clásicas.
25. "Ascanio cazando el ciervo de Silvia" de Claude Lorena, 1682
Esta pintura cuenta la historia del mito clásico "Aenea" "Si". Mientras Ascanio cazaba, Juno enfurecida hizo que su flecha matara al ciervo de Silvia, la hija de Delos, desencadenando así la guerra.
Lorena presenta la calma antes de la tormenta en una atmósfera poética idealizada. La luz añade brillo y ligereza a la imagen. El majestuoso paisaje y el horizonte brumoso crean una atmósfera ligeramente triste. Lorraine estuvo a la vanguardia del desarrollo artístico en su tratamiento y comprensión de la luz.
26. “El barco de la isla de Cetus” de Watteau en 1717
La Isla de Cetus es una hermosa isla de la mitología griega, donde habita el Dios del Amor y el Dios de la Poesía. jugó. Watteau transformó la pintura en una historia fantástica y romántica. Se centra en representar a hombres y mujeres aristocráticos en parejas, preparándose para abandonar la isla Seymours. Los amantes envueltos en hechizos de amor se quedan frente a Venus, y la mujer que está a punto de partir mira hacia atrás con una sonrisa, reacia a irse. Después de todo, el paraíso y el amor eterno del sueño son sólo un espejismo, y una leve atmósfera melancólica de estilo rococó impregna la pintura.
27. "Oración antes del almuerzo" de Chardin 1740
"Oración antes del almuerzo" de Chardin es una obra representativa de la pintura de género del siglo XVIII. Era muy diferente de la afectación del rococó. en ese momento. Muestra una escena tranquila y piadosa en casa. La niña dudó durante la oración previa a la comida y miró a su madre, desconcertada. El ambiente sencillo y piadoso está lleno de emociones implícitas y fuertes. La textura gruesa y rugosa de la imagen se acerca más a la textura original de la vida real, capturando momentos cálidos que fácilmente pasan desapercibidos en la vida cotidiana.
28. "Recibiendo al embajador de Francia en Venecia" de Canaletto, 1740
El vasto paisaje de Canaletto "Recibiendo al embajador de Francia en Venecia" muestra la embajada de Francia en Venecia en 1726. La grandiosa y Escena solemne cuando el embajador veneciano, el conde Gergi, llegó a Venecia. La intensa perspectiva revela infinitos detalles de arquitectura, paisajes caleidoscópicos y una miríada de colores, con espectaculares cielos y sombras de nubes que resaltan góndolas profusamente decoradas y multitudes uniformadas.
29. William Hegartz, "Poco después del matrimonio" 1743
Hegartz es el retratista y satírico más influyente de la historia del arte británico. Poco después del matrimonio" es la segunda de seis pinturas de "Fashionable Marriage". El caballero borracho todavía está vestido con su traje de virginidad, mientras su esposa se estira. La aversión mutua entre los dos se revela claramente y el ama de llaves se marcha enojada. Esta caricatura revela las desventajas de los matrimonios arreglados para las mujeres aristocráticas bajo las costumbres sociales de la época, y también demuestra la sensibilidad, perspicacia y talento del artista.
30. "Andrew" de Thomas Gainsborough es la novela más famosa del mundo. "El señor y la señora Andrew" de Gainsborough, 1750
Gainsborough es famoso por sus representaciones de escenas pastorales británicas. La obra maestra "Los Andrews" sitúa a los recién casados a un lado del encuadre, con su gran propiedad privada al fondo y el maíz que simboliza la cosecha y la exuberancia. El matrimonio Andrews y el pintor se conocen desde la infancia y fueron compañeros de instituto, pero su relación siempre ha sido desigual. Las fuertes barreras sociales contribuyeron a la actitud descaradamente condescendiente de la pareja y a su desdén por el artista.