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Si las creaciones de Caccini y otros dieron forma a la ópera, fueron los italianos el Enmascarado Verdi (1567-1643) y A. Scarlatti (1660-1725) quienes perfeccionaron la ópera. Este género artístico ocupa una posición sólida en la historia del arte europeo.
Monteverdi dramatizó aún más la música operística. En sus óperas aparecen recitaciones cantadas y melodías parecidas a arias. Inventó el método de hacer vibrar y puntear los instrumentos de cuerda, lo que enriqueció el poder expresivo de la banda de acompañamiento. Anteriormente, la ópera se representaba en las salas de palacios y nobles. Desde que en 1637 se construyó en Venecia el primer teatro de ópera del mundo, el arte de la ópera también ha empezado a abrir sus puertas al público en general.
Scarlatti desarrolló el lirismo de la música operística. En sus óperas existe una especie de obertura que consta de tres etapas: rápida, lenta y rápida. Al mismo tiempo, en la ópera existe una distinción estricta entre recitativo (una melodía cercana a un villancico y utilizada para exponer la trama) y aria (una melodía melódica y lírica). En sus óperas, los recitativos se pueden dividir en "recitativos vernáculos" (acompañados de instrumentos de teclado) y "recitativos acompañados" (acompañados de conjuntos instrumentales; existen diferentes tipos de arias, como arias de personalidad, arias líricas, arias heroicas y arias); arias habladas. Se puede ver que la función expresiva de la música en la obra se ha realzado enormemente. A partir de A. Scarlatti se completó la escritura de la ópera italiana, y este tipo de ópera a menudo se llama ópera ortodoxa.
Durante este período, además de la ópera italiana, también aparecieron gradualmente óperas con características nacionales en Francia, Gran Bretaña y Alemania. El ballet, un arte tradicional de la corte, se ha introducido en la ópera francesa.
El estilo más típico de la época fueron las producciones dramáticas del "Small Hall" florentino, un grupo cuyos miembros intentaron revivir e imitar las ideas y prácticas musicales clásicas antiguas. Su ideología rectora es que las letras son superiores a la música y creen que el papel de la música es realzar el efecto dramático de las letras. De esta manera, la música se convierte en un estilo solista: inicialmente recitaciones, luego pequeñas letras y arias.
De 1620 a 1630, el centro de la actividad operística se trasladó de Florencia a Roma, donde se formaron algunas características: los coros se utilizaron ampliamente, las danzas se integraron en escenas dramáticas y las oberturas estilo tanka se convirtieron en una norma reconocida. . Más tarde, Venecia se convirtió en el centro de la actividad operística y en 1637 se inauguró allí un teatro de ópera al aire libre. Como resultado, el interés público comenzó a incidir en las obras de ópera, dando lugar a una serie de innovaciones. El interés del público por las canciones melodiosas creó una clara distinción entre recitación y aria, y así nació la Escuela de Música de Venecia. Uno de los primeros grandes compositores de ópera fue Monte Verdi. Dos de sus óperas famosas son "O'Flo" y "Arianna".
El último centro de ópera surgió en Nápoles, Italia, a partir de la década de 1870. La ópera napolitana se caracteriza por su inspiración en la historia o la mitología clásica. Dominó Europa durante aproximadamente un siglo y consiste principalmente en una serie de recitativos y arias, caracterizados por un canto magnífico y exquisito. Scarlatti fue la figura más influyente entre los primeros compositores de ópera napolitana.
Desde que se representó "Flo" de Rossi en París en 1647, las formas italianas se han fusionado con la principal forma dramática de Francia, el ballet. Por tanto, la danza juega un papel muy importante en la ópera francesa.
La situación en Gran Bretaña es similar a la de Francia, porque Gran Bretaña también tiene una forma de drama musical popular llamada mascarada, que gradualmente se fusionó con la ópera italiana.
El destacado compositor de ópera de Nabkin también ayudó a los sucesores de la música barroca a establecer la cantata pastoral, una forma de música secular con acompañamiento instrumental. Karisme define esta forma como un drama breve que consta de dos o más arias precedidas de un recitativo. Debido a las evidentes diferencias estilísticas entre la música religiosa y la secular, la canta antigua rápidamente se convirtió en una forma de música dedicada a la iglesia.
El oratorio y la pasión se desarrollaron junto con la ópera. Casi como una ópera, consta de recitaciones, arias, coro vocal, interludios instrumentales y coros.
Después de A. Scarlatti, la ópera se hizo popular en Europa y fue acogida por las cortes y nobles de diversos países. En esa época, el "método de canto del bel canto" que acompañaba al arte de la ópera se desarrolló aún más y surgieron muchos cantantes destacados. Tienen voces preciosas y grandes habilidades. La historia llama a los siglos XVII y XVIII la "edad de oro" del bel canto. La popular ópera italiana se adaptó a los gustos artísticos de la corte y los aristócratas, y desarrolló una tendencia artística a defender la ostentación y despreciar el contenido en el canto, sin importar cuál fuera la trama, se añadían algunas flores para mostrar sus habilidades y la escritura era buena. También se denominó ización, lo que hizo que la ópera italiana fuera gradualmente ignorada por el público. El poeta británico Guy y el músico Pepush crearon "The Beggar's Opera" (una comedia intercalada con canciones populares), que se burló mucho de la ópera y recibió una cálida bienvenida después de la representación. La ópera se vio muy afectada y la Royal Opera House tuvo que cerrar.
Al mismo tiempo, surgió en Francia e Italia un nuevo género operístico, que fue la ópera cómica italiana. Está basado en la vida real, la forma es vivaz y vivaz, la interpretación es ingeniosa y humorística, la melodía musical es popular y suave, y tiene fuertes características nacionales y color local. La aparición de la ópera cómica italiana supuso un nuevo aliento para el arte de la ópera. Como en otros países europeos, aparecieron diversas formas de ópera cómica.
El compositor Gluck (1714-1787) vio las deficiencias de la ópera, por lo que propuso la idea de reformarla. Creía que la ópera debe tener un contenido profundo, la música y el drama deben estar unificados y la interpretación debe ser simple y natural. Sus ideas reformistas se reflejan en la ópera "Flo y Eurídice", que compuso cuando tenía casi cincuenta años. Sus reformas tuvieron un profundo impacto en el desarrollo futuro del arte de la ópera.
Antes de Mozart, los compositores a menudo recurrían a la mitología antigua o a las primeras leyendas cristianas en busca de temas creativos. Mozart (1756-1791) fue el primero en elegir temas realistas y expresar vívidamente varios personajes de la vida real con un estilo claro y humorístico. Gluck enfatizó en su creación de ópera: "Primero dramaturgo, luego músico". Por otro lado, Mozart creía que debía ser primero músico y luego dramaturgo. Por lo tanto, las óperas de Mozart enfatizan la belleza de la melodía y hacen pleno uso de la orquesta como un importante medio de expresión. La obertura de su drama "Las bodas de Fígaro" es la primera que aparece como una sinfonía independiente. Las arias distintivas de la obra expresan claramente el carácter y las características psicológicas de los personajes.
En el siglo XIX, los nuevos géneros operísticos fueron la gran ópera y la opereta. La mayoría de las grandes óperas se basan en historias históricas. Toda la ópera está compuesta por solos, dúos, coros, música orquestal y un ballet rico y apasionado, lo cual no es común. Las óperas (también conocidas como operetas) son breves y animadas, normalmente con una sola escena. Basada en la vida cotidiana, enfatiza más la sátira y la revelación que la ópera cómica. La música es una forma de arte muy popular, que a menudo utiliza tonos pop contemporáneos.
Los musicales de Wagner (1813-1883) son los más destacables del siglo XIX. En términos de creación, Wagner concedía gran importancia al papel del drama. Sus musicales son todos guiones escritos por él mismo, completos con equipamiento escénico e iluminación. Se trata de una fusión de poesía, teatro, música y arte que expresa perfectamente la temática del drama.
Wagner heredó la tradición creativa de Mozart y Weber, pero también estaba lleno de originalidad. En sus musicales adoptó algunas técnicas distintivas, en primer lugar en el uso de motivos explícitos, es decir, utilizar frases cortas y expresivas para simbolizar personas u objetos en la obra (como los motivos del Rin, La motivación del narciso). , etc.). Estas motivaciones principales interpretadas por la orquesta se utilizan a lo largo de la obra y se entrelazan para describir el desarrollo de la trama. Por eso, en sus musicales, las cuerdas de la orquesta ya no están en posición de acompañamiento, sino que se convierten en una parte paralela de toda la ópera con la música vocal.
Wagner creía que la ópera “debe tener la unidad de una sinfonía” y no debe estar compuesta de fragmentos dispersos.
A partir del musical "Tristán e Isolda", utilizó una melodía continua e interminable que en realidad puede verse como una combinación de recitación y aria. Para la East Band, reforzó enormemente la composición de la orquesta y adoptó una orquestación ricamente colorida. Por lo tanto, los musicales de Wagner son de gran escala, magníficos en escena, profundos en contenido y majestuosos en orquesta. Efecto brillante. Se puede decir que Wagner llevó la creación de ópera a la cima de la sinfonía.
Desde entonces, han surgido en el panorama artístico europeo muchos compositores destacados, como Verdi, Puccini, etc. Con su propio genio y diligencia, enriquecieron y desarrollaron el arte de la ópera desde diferentes perspectivas, crearon una gran cantidad de obras de teatro y formaron un espléndido desarrollo del arte de la ópera.
Las formas de la ópera van desde lo simple hasta lo complejo. Las óperas modernas generalmente constan de recitativos y arias. Las obras a menudo se intercalan con dúos, coros y bailes. El pasaje musical instrumental a gran escala es la obertura, que se utiliza para impulsar y resumir la trama; la música del interludio, que se toca entre los actos para realzar la atmósfera, tiene el significado de resumir toda la obra;
A día de hoy, la ópera ha sido profundamente amada por cantantes de todo el mundo, por lo que también ha formado parte del top ten de óperas más representativas:
1. (Le Nozze di Figaro) es una ópera comedia en cuatro actos, adaptada de la comedia homónima de Beaumarchais, compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart y libreto del italiano Lorenzo da Ponte. Estrenada en Viena en mayo de 1786.
2. La ópera en dos actos de Die Zauberfiote, la última ópera de Mozart, fue compuesta por el alemán Emmanuel Sikan Nedel y se estrenó en Viena el 30 de septiembre de 1791. Toda la ópera está compuesta en forma de la ópera nacional alemana "Singspied" y consta de inglés hablado y música numerada.
3. Il Barbiere di Siviglia en Sevilla es una comedia en dos actos adaptada de la comedia homónima de Beaumarchais, compuesta por Gioacchino Antonio Rossini y escrita por cesare Steby, en 2006 Estrenada el 20 de febrero en el Teatro Agitina de Roma.
4. Ópera en tres actos de Rigoletto, adaptación de la obra de Victor Hugo "El rey de las fugas", compuesta por Guseppi Verdi y compuesta por el italiano Francesco ·Compuesta por Maria Piavi, se estrenó en el Teatro La Fenice de Venecia. el 1855438+0 de marzo.
5. "La Traviata" es una ópera en tres actos, adaptada de la obra homónima de Alexandre Dumas, compuesta por Verdi y escrita por Piavi. Se estrenó en el Teatro La Fenice de Venecia el 6 de marzo. 1853.
6. Ópera en cuatro actos de Otelo, adaptación de la obra homónima de Shakespeare, compuesta por Verdi y compuesta por el italiano Arrigo Boito, se estrenó en Milán en febrero de 1872.
7. "Carmen" es una ópera en cuatro actos adaptada de la novela homónima de Prosper Mérimée, fue compuesta por Georges Bizet y escrita por los franceses Henri Melak y Ludovic Allévi, estrenada en la Ópera de París. el 3 de marzo de 1875.
8. "La Boheme", también conocida como "La Boheme", "La muchacha bordada" y "Juventud desesperada", es una ópera en cuatro actos, adaptada de la novela "Escenas". de la vida del artista pobre" del francés Henri Muerjee, compuesta por Giacomo Puccini y compuesta por los italianos Giuseppe Giacosa y Luigi Ilica, letra 65433.
9. La ópera en tres actos de Tosca es una adaptación de la obra francesa de Dorian Sardou, compuesta por Puccini y libreto de Ilica y Giacosa, en junio de 190octubre. Se estrenó el día 14 en el Teatro Maxtanci de Roma. .
10. "Madama Butterfly" es una ópera en dos actos basada en la novela de John Long y la obra de David Velascu. Está compuesta por Puccini y escrita por Ilica y Giacosa. en el Teatro alla Scala de Milán.