Comprensión y reconocimiento artístico del diseño pop
Este tipo de arte basado en las imágenes más populares de la época fue creado por primera vez a mediados del siglo XX por artistas como Roy Lichtstein, conocidos como "artistas pop".
Roy. Lichtstein fue el primer pintor que eligió como temas creativos imágenes de cómics populares en los Estados Unidos en la década de 1950. El nombre de esta obra es "Obra Maestra". Creado en 1962.
Arte Popular
Esta forma de arte basada en la cultura popular se llama "Pop Art".
1: El "arte pop" se hizo popular en Estados Unidos y Gran Bretaña desde mediados de los años cincuenta hasta finales de los sesenta. Los artistas pop solían elegir cosas que eran familiares para todos como temas de sus obras.
2: Sus pinturas o esculturas se basaban en cosas que la gente veía todos los días en aquella época. Los productos domésticos habituales, como latas de sopa y palomitas de maíz, son los billetes, las gasolineras, las señales de tráfico, las banderas, etc.
3: Eligen como temas cosas que suelen aparecer en periódicos, revistas, televisión y películas, como actores, cantantes, gánsteres, vaqueros e incluso personajes de dibujos animados.
Estilo Pop Art
El estilo del Pop Art no es uniforme.
1: A los artistas pop como Richterstein les gustaba usar pinceladas suaves y muchos bloques monocromáticos para imitar los estilos artísticos comunes en la publicidad y los cómics.
2: A Andy Warhol le gusta imprimir imágenes de estrellas de cine y envases de alimentos sobre lienzo.
3: También hay algunos artistas. A Robert Rauschenberg, por ejemplo, le gustaba unir líneas gruesas.
Todos los artistas Pop creen firmemente que lo que quieren presentar es la sociedad actual en la que vive la gente, no la sociedad del pasado. ．
En muchos períodos de la historia del desarrollo del arte, habrá algunos artistas que crearán obras con temas, estilos o inspiraciones similares, lo que se denomina "movimientos artísticos". El arte pop y el impresionismo son ejemplos de movimientos artísticos. Si miramos hacia atrás en la historia, encontraremos que es fácil distinguir a los artistas que utilizaron este "movimiento". durante ese período. Los artistas trabajan de forma independiente. Crean arte en diferentes lugares y no copian el trabajo de los demás. Es posible que no se vean a sí mismos como parte del movimiento. Posteriormente diferenciamos entre diferentes movimientos para comprender el proceso de desarrollo del arte.
Nuevo Movimiento
¿Por qué se desarrolló el Pop Art en los años 50? ¿Qué estaba pasando en el mundo en ese momento? Sabemos que muchos países de Europa estaban al final de la Guerra Mundial. II, se hicieron esfuerzos para restablecer la producción del país, pero Estados Unidos y el Reino Unido entraron en un nuevo período de prosperidad a partir de los años cincuenta. Esta prosperidad impulsó cambios en todos los ámbitos de la sociedad, y nació el movimiento Pop en el mundo del arte.
Muchos artistas pop se inspiraron en Broadway en Nueva York en la década de 1960 por sus anuncios brillantes y seductores y otras imágenes populares.
Cambios en la era de la posguerra (la comodidad, la velocidad y la novedad gradualmente se convirtieron en algo común)
A mediados de la década de 1950, Estados Unidos y el Reino Unido se habían transformado en sociedades de consumo. El desarrollo industrial fue rápido, la población se disparó y la gente se hizo cada vez más rica. Están comprando más que nunca para sus familias y hogares. Para muchas personas, sus objetivos también se volvieron modernos y de moda; por ejemplo, en la década de 1950, la gente compró autos más grandes, televisores, nuevos estilos de muebles y afeitadoras eléctricas. También se han colocado por primera vez en los mostradores de las tiendas productos desechables, como bolígrafos, que sólo se utilizan unas pocas veces y luego se desechan.
La gente también empezó a comprar alimentos que no estaban disponibles durante la guerra. Este nuevo tipo de alimento requiere poco procesamiento especial antes de su consumo, como las hamburguesas y las comidas congeladas en bolsas (bocadillos televisivos). Estos productos están disponibles en los supermercados, que cada vez son más grandes, pero son difíciles de encontrar en las tiendas privadas.
El auge del arte comercial
A medida que aumenta el poder adquisitivo de las personas, las empresas comienzan a competir entre sí para vender más productos.
Necesitaban personas con habilidades de pintura para crear arte comercial. Este arte incluye el diseño de productos y anuncios que incitan a los clientes a comprar los productos. La publicidad no es nueva, pero después de la guerra, cuando las empresas buscaron lograr una mayor facturación, los nombres de marcas registradas y las imágenes publicitarias fácilmente identificables se volvieron más importantes que nunca. En los supermercados se amontonan muchos productos; los anuncios aparecen no sólo en vallas publicitarias y carteles, sino también en revistas coloridas y en las pantallas de televisión.
Antes de la década de 1950, los artistas que trabajaban en las industrias de la publicidad y el diseño generalmente comenzaban tomando cursos de arte tradicionales en escuelas de arte, que incluían aprender a pintar al óleo de las pinturas de maestros anteriores. En la década de 1950, se estableció un nuevo tipo de escuela de arte que no requería cursos de arte tradicionales y estaba diseñada específicamente para capacitar a diseñadores gráficos. Aquí los estudiantes se preparan para carreras relacionadas con el arte comercial.
La comodidad se vuelve común
En la nueva sociedad de consumo de la década de 1950, la gente quería tener un estilo de vida conveniente. Se amontonaron varios productos del supermercado. hasta cenas instantáneas congeladas directamente del congelador, todos insinúan el deseo de la gente por la "conveniencia". Los artistas comerciales deben diseñar publicidad y empaques para estos productos.
En la década de 1950, los anunciantes estaban ansiosos por crear eslóganes concisos y llamativos que, combinados con imágenes de productos, hicieran que los consumidores recordaran más fácilmente sus productos. Los lemas publicitarios famosos durante este período incluyen:
¿Lo usó? Ella no lo usó? (Clairol Hairspray, 1957)
Didi Xiangnong. El significado aún no está terminado. (Maxwell Coffee, 1959)
Sólo se disuelve en la boca, no en las manos. (Mamp; Ms Chocolate, 1954)
La pintura mural de abajo parece parte de un cómic que ha sido ampliado muchas veces. Los rostros de los personajes del cuadro están formados por muchos pequeños puntos, como cuando se mira con lupa una caricatura publicada en un periódico. Pero en realidad no se trata de una imagen de un cómic, sino de una pintura creada por el artista estadounidense Roy Lichtstein en 1962. Esta obra de estilo cómic imita imágenes populares de cómics o periódicos que son habituales en la vida de las personas. Este tipo de arte, basado en las imágenes más populares de la época, fue creado por primera vez a mediados del siglo XX por artistas como Roy Lichtstein, conocidos como "artistas pop".
Roy. Lichtstein fue el primer pintor que eligió como temas creativos imágenes de cómics populares en los Estados Unidos en la década de 1950. El nombre de esta obra es "Obra Maestra". Creado en 1962.
Arte Popular
Esta forma de arte basada en la cultura popular se llama "Pop Art".
1: El "arte pop" se hizo popular en Estados Unidos y Gran Bretaña desde mediados de los años cincuenta hasta finales de los sesenta. Los artistas pop solían elegir cosas que eran familiares para todos como temas de sus obras.
2: Sus pinturas o esculturas se basaban en cosas que la gente veía todos los días en aquella época. Los productos domésticos habituales, como latas de sopa y palomitas de maíz, son los billetes, las gasolineras, las señales de tráfico, las banderas, etc.
3: Eligen como temas cosas que suelen aparecer en periódicos, revistas, televisión y películas, como actores, cantantes, gánsteres, vaqueros e incluso personajes de dibujos animados.
Estilo Pop Art
El estilo del Pop Art no es uniforme.
1: A los artistas pop como Richterstein les gustaba usar pinceladas suaves y muchos bloques monocromáticos para imitar los estilos artísticos comunes en la publicidad y los cómics.
2: A Andy Warhol le gusta imprimir imágenes de estrellas de cine y envases de alimentos sobre lienzo.
3: También hay algunos artistas. A Robert Rauschenberg, por ejemplo, le gustaba unir líneas gruesas.
Todos los artistas Pop creen firmemente que lo que quieren presentar es la sociedad actual en la que vive la gente, no la sociedad del pasado. ．
En muchos períodos de la historia del desarrollo del arte, habrá algunos artistas que crearán obras con temas, estilos o inspiraciones similares, lo que se denomina "movimientos artísticos". El arte pop y el impresionismo son ejemplos de movimientos artísticos. Si miramos hacia atrás en la historia, encontraremos que es fácil distinguir a los artistas que utilizaron este "movimiento". durante ese período. Los artistas trabajan de forma independiente. Crean arte en diferentes lugares y no copian el trabajo de los demás. Es posible que no se vean a sí mismos como parte del movimiento. Posteriormente diferenciamos entre diferentes movimientos para comprender el proceso de desarrollo del arte.
Nuevo Movimiento
¿Por qué se desarrolló el Pop Art en los años 50? ¿Qué estaba pasando en el mundo en ese momento? Sabemos que muchos países de Europa estaban al final de la Guerra Mundial. II, se hicieron esfuerzos para restablecer la producción del país, pero Estados Unidos y el Reino Unido entraron en un nuevo período de prosperidad a partir de los años cincuenta. Esta prosperidad impulsó cambios en todos los ámbitos de la sociedad, y nació el movimiento Pop en el mundo del arte.
Muchos artistas pop se inspiraron en Broadway en Nueva York en la década de 1960 por sus anuncios brillantes y seductores y otras imágenes populares.
Cambios en la era de la posguerra (la comodidad, la velocidad y la novedad gradualmente se convirtieron en algo común)
A mediados de la década de 1950, Estados Unidos y el Reino Unido se habían transformado en sociedades de consumo. El desarrollo industrial fue rápido, la población se disparó y la gente se hizo cada vez más rica. Están comprando más que nunca para sus familias y hogares. Para muchas personas, sus objetivos también se volvieron modernos y de moda; por ejemplo, en la década de 1950, la gente compró autos más grandes, televisores, nuevos estilos de muebles y afeitadoras eléctricas. También se han colocado por primera vez en los mostradores de las tiendas productos desechables, como bolígrafos, que sólo se utilizan unas pocas veces y luego se desechan.
La gente también empezó a comprar alimentos que no estaban disponibles durante la guerra. Este nuevo tipo de alimento requiere poco procesamiento especial antes de su consumo, como las hamburguesas y las comidas congeladas en bolsas (bocadillos televisivos). Estos productos están disponibles en los supermercados, que cada vez son más grandes, pero son difíciles de encontrar en las tiendas privadas.
El auge del arte comercial
A medida que aumenta el poder adquisitivo de las personas, las empresas comienzan a competir entre sí para vender más productos. Necesitaban personas con habilidades de pintura para crear arte comercial. Este arte incluye el diseño de productos y anuncios que incitan a los clientes a comprar los productos. La publicidad no es nueva, pero después de la guerra, cuando las empresas buscaron lograr una mayor facturación, los nombres de marcas registradas y las imágenes publicitarias fácilmente identificables se volvieron más importantes que nunca. En los supermercados se amontonan muchos productos; los anuncios aparecen no sólo en vallas publicitarias y carteles, sino también en revistas coloridas y en las pantallas de televisión.
Antes de la década de 1950, los artistas que trabajaban en las industrias de la publicidad y el diseño generalmente comenzaban tomando cursos de arte tradicionales en escuelas de arte, que incluían aprender a pintar al óleo de las pinturas de maestros anteriores. En la década de 1950, se estableció un nuevo tipo de escuela de arte que no requería cursos de arte tradicionales y estaba diseñada específicamente para capacitar a diseñadores gráficos. Aquí los estudiantes se preparan para carreras relacionadas con el arte comercial.
La comodidad se vuelve común
En la nueva sociedad de consumo de la década de 1950, la gente quería tener un estilo de vida conveniente. Se amontonaron varios productos del supermercado. hasta cenas instantáneas congeladas directamente del congelador, todos insinúan el deseo de la gente por la "conveniencia". Los artistas comerciales deben diseñar publicidad y empaques para estos productos.
En la década de 1950, los anunciantes estaban ansiosos por crear eslóganes concisos y llamativos que, combinados con imágenes de productos, hicieran que los consumidores recordaran más fácilmente sus productos. Los lemas publicitarios famosos durante este período incluyen:
¿Lo usó? Ella no lo usó? (Clairol Hairspray, 1957)
Didi Xiangnong. El significado aún no está terminado.
(Maxwell Coffee, 1959)
Sólo se disuelve en la boca, no en las manos. (Mamp; Ms. Chocolate, 1954)
El arte antes del arte pop en los Estados Unidos
Desde aproximadamente 1942 hasta la década de 1950, aproximadamente en la época del comienzo del arte pop, los principales artistas estadounidenses El movimiento artístico fue el expresionismo abstracto.
Expresionismo abstracto
1: Algunos artistas expresionistas abstractos, como Mark Rothko, inundaron todo el lienzo con varios colores ricos y oscuros.
2: Y otros artistas como Jackson Pollock fueron pioneros en el "arte performance" en el que se goteaba, salpicaba o untaba pintura sobre el lienzo.
3: Este tipo de trabajo es abstracto porque no representa un tema obvio y realista. Es expresionista,
4: porque lo que el artista quiere expresar es una emoción profunda.
En diciembre de 1941, la base naval estadounidense Pearl Harbor fue atacada y el ejército estadounidense participó oficialmente en la Segunda Guerra Mundial. Luego comenzó a desarrollarse el movimiento expresionista abstracto. Esta fue la primera vez que muchos estadounidenses vislumbraron los horrores de la guerra en el continente europeo, y algunos artistas sintieron que las formas de arte realistas no podían expresar bien su confusión.
Confusión Confusión Confusión Confusión
El expresionismo abstracto es un nuevo movimiento artístico de la década de 1940
Artistas representados por Jackson Pollock. Cree una imagen expresiva que exprese su creencia en el mundo en constante cambio que los rodea.
El nacimiento del arte antitradicional
Algunos artistas estadounidenses creían que el expresionismo abstracto era demasiado difícil de entender, por lo que comenzaron a buscar desarrollo por otros caminos artísticos. Como Allen Capullo y Robert. Rauschenberg cree que lo que sucede en el proceso de creación artística es más apasionante que una pintura o una escultura terminadas.
El proceso de creación artística es más importante que el resultado
El proceso de creación artística es más importante que el resultado
El proceso de creación artística es más importante que el resultado
A finales de la década de 1950, Capullo organizó el movimiento del "arte accidental",
1: En esta forma de arte, el público puede participar en la creación.
2: En algunas artes incidentales, los artistas pueden crear arte a partir de cualquier cosa, desde sillas y comida hasta cigarrillos y calcetines viejos.
Los artistas pueden usar cualquier cosa para crear arte
3: En otros tipos de arte incidental, los artistas solo representan escenas comunes, como ir de compras en la calle o barrer las calles.
El punto clave del arte antitradicional es que el público puede responder al arte incidental en un momento y lugar específicos.
4: Algunos otros artistas, como el arte incidental de Red Groom, son como dramas extraños. Los miembros de la audiencia tienen guiones que los guían sobre lo que deben hacer en la producción.
El arte ocasional ha sido denominado "neodadaísmo".
El arte ocasional aparece a menudo en galerías, pero también ocurre en la calle, en estacionamientos y en otros lugares inverosímiles. Este movimiento artístico antitradicional a veces se llama "Neo-Dada" porque las creencias de estos artistas son muy similares a las de los artistas dadaístas de la década de 1920.
Entonces, ¿qué es el dadaísmo? p>El siguiente es un enlace a Dadaism/s/blog_6f95e98f0100pacj.html
Redefiniendo la cultura británica
En mayo de 1951, comenzó el Festival Británico La Segunda Guerra Mundial acababa de terminar y. Muchas ciudades de Gran Bretaña todavía estaban en una situación desesperada. El establecimiento del Festival de Gran Bretaña enfatizó la identidad propia de los británicos y el desarrollo de su industria. Dio a la gente la creencia de que el país se estaba recuperando y fortaleció el orgullo nacional. Se llevaron a cabo exposiciones de invenciones científicas en todo el Reino Unido para mostrar los logros británicos.
Las exposiciones más importantes se concentran en el nuevo centro de arte en el South Bank de Londres
Pero en este momento la gente
necesita algo que realmente represente el futuro
Así que porque del siguiente Por qué nació el arte pop
Al mismo tiempo, muchos jóvenes querían redefinir la cultura británica, una cultura que reflejara los intereses y estilos de vida de las personas en la sociedad moderna.
1: Jóvenes artistas británicos como Peter Blake y Richard Hamilton creían que las imágenes populares, como planos de coches nuevos, fotografías de modelos, imágenes de cómics de ciencia ficción y escenas de películas, tenían un impacto importante en el mundo. Para la mayoría de la gente común, es más significativo que el arte tradicional en museos y galerías.
2: Hamilton dijo una vez: El arte pop es popular, barato, producido en masa, joven, inteligente, sexy, divertido, encantador y también es un gran negocio. ”
Mirando hacia Occidente, Estados Unidos tuvo una gran influencia en Europa
Durante la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos tuvo una influencia cada vez mayor en la cultura europea y, a medida que Estados Unidos se convirtió en un Como superpotencia, esta influencia continúa extendiéndose a más lugares. El contacto con el ejército estadounidense y la influencia de las revistas y periódicos estadounidenses han hecho que cada vez más europeos se interesen por las estrellas de cine y las formas musicales estadounidenses como el rock y el blues. /p>
A los ojos de los europeos, Estados Unidos es visto como una sociedad sin clases donde cualquiera puede lograr el éxito a través de sus propias habilidades y talentos, en lugar de nacer en una familia rica. Todo lo contrario de la sociedad europea tradicional donde solo hay gente poderosa. Lo logró.
Los artistas británicos comenzaron a interesarse por la cultura estadounidense. Artistas como Hamilton y Eduardo Paolozzi formaron el "Grupo Independiente" a partir de 1952. Los artistas se reunían regularmente en el New Centre for Contemporary Art de Londres, donde. se mostraron coloridas imágenes de revistas americanas y también organizaron exposiciones de los primeros collages realizados a partir de estas imágenes. ¿Qué es una obra de Pop Art?
Muchos consideran que la primera obra de Pop Art fue un collage de 1956. de Richard Hamilton, que representaba una escena interior "moderna" El título de la obra es ¿Qué hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?
Los artistas comenzaron en una reunión del Grupo Independiente en Londres alrededor del A mediados de la década de 1950, el término "pop" fue adoptado oficialmente. El crítico de arte Lawrence Alloway propuso el concepto de "arte pop de masas" en un artículo de 1958. Aunque se refería a todas las formas de arte, desde el cine hasta la arquitectura. En lugar de referirse únicamente al arte pictórico, el concepto de "arte pop" comenzó a ser aceptado y retenido como un movimiento único en el campo del arte.
La explosión del arte pop estadounidense
En Estados Unidos, el arte comercial popular apareció en vallas publicitarias, así como en revistas, cómics y periódicos antes que en el Reino Unido. La imagen del arte comercial apareció en las obras de los artistas de principios del siglo XX. Por ejemplo, en la década de 1920, Stuart Davis pintó un bodegón de una botella de enjuague bucal. Pero en la década de 1950, los artistas estadounidenses se interesaron por el significado y la importancia de las imágenes populares que surgieron como símbolos del consumismo y el desarrollo industrial. Para hacer estos símbolos más obvios, los artistas prefieren representarlos de una manera artística realista en lugar de una manera altamente artística.
Robert Rauschenberg y Jasper Jones son a menudo considerados los primeros artistas pop estadounidenses. Jones tiene una obra que está simbolizada por una diana en tiro con arco. Los artistas con más experiencia en el arte comercial se inspiraron en el neodadaísmo y el arte incidental. Estos artistas, como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Claes Ottenberg, intentaron incluir algunos objetos populares en sus obras. Se convirtió en el núcleo del movimiento Pop Art.
Todo es hermoso, todo lo que existe puede ser una obra de arte, pero la forma en que se presenta y expresa es diferente
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