¿Cuáles son las características de la ópera italiana?
El desarrollo y características de la ópera italiana temprana Ópera florentina:
1. La primera ópera: "Daphne" se representó en 1597 con libreto escrito por Linuccini y música compuesta por Perry. (Dafne) Dado que sólo quedan fragmentos de la partitura de esta obra, la gente suele referirse a la "Euridice" completa, interpretada en 1600, con libreto escrito por Linuccini y música compuesta por Perry y Caccini.
2. Características de las primeras óperas: El guión se basaba en la mitología griega, y posteriormente se añadieron temas históricos. La parte musical adopta la forma de bajo continuo, y la parte de canto es principalmente en forma de canto recitativo. El rango no es amplio, el ritmo es libre, hay una pequeña cantidad de acompañamiento de instrumentos musicales y también se utiliza el coro.
Ópera Romana:
1. Figuras y obras representativas: “La Encarnación del Espíritu y la Carne” creada por el compositor romano E. Cavalieri (aproximadamente 1550-1602) (La rappresentazione di Anima , edi Corpo) Representada en febrero de 1600, la obra sentó las bases de la ópera romana. "La encarnación del espíritu y la carne" es considerada por los historiadores como un oratorio, con el prototipo de una ópera, y su contenido incluye aspectos religiosos y morales.
2. Características: Centrándose en el placer que brindan las espectaculares escenas de ópera, agregando un magnífico diseño de escenario, escenarios mecánicos y escenas de ballet, cada acto termina con coro y baile.
Ópera de Venecia:
1. El establecimiento del primer teatro de ópera: El primer teatro de ópera establecido en Venecia en 1637, San Cassiano, fue el origen de la ópera desde el salón aristocrático y la corte a la burguesía.
2. Figuras y obras representativas: En 1607, el escritor de ópera veneciano Monteverdi completó la ópera "Orfeo". El tema de la ópera era similar al de "Euridice" de Linuccini. En la obra, Monteverdi se basó en su rica experiencia en la creación de música pastoral y religiosa, combinada con diversos medios del tesoro musical del siglo XVI, para hacer de "Orfeo" la primera ópera verdaderamente auténtica en la historia de la ópera.
3. Características: En las óperas se utiliza una gran cantidad de arias y dúos, centrándose en la expresión emocional, prestando atención al canto del bel canto, rara vez se utilizan formas de coro, y la familia de instrumentos de cuerda juega un papel importante para La primera vez, fortaleciendo así el rendimiento de la fuerza musical.
Ópera de Nápoles:
1. Evolución en la dirección de la ópera seria: Nápoles es la última ciudad de Italia donde la ópera se desarrolló y se estableció a finales del siglo XVII. como ópera seria (Opera seria) en el siglo XVIII), la influencia de esta ópera se extendió hasta el siglo XIX. A menudo utiliza historias ficticias o hechos heroicos como temas, y debido a la búsqueda del bel canto, los cantantes "castrati" que tienen tanto la gran capacidad pulmonar de los hombres como la voz suave y brillante de las mujeres se han vuelto populares.
2. Figuras y obras representativas: Alemandro Scarlati (1660-1725), representante de la escuela musical napolitana, creó arias (aria) de libre desarrollo basadas en el tono lírico de la música vocal, dando origen al Bel Canto. El canto es un mundo vasto. Representada como "Teodora".
3. Características (también las características de la ópera formal):
1) En términos de contenido: basado principalmente en mitos antiguos y leyendas históricas, el contenido es serio, a diferencia de comedia.
2) En términos de estructura: desde la ópera original en cinco actos hasta una estructura compacta en tres actos, los interludios de comedia (Intremezzo, representados en la entrada del escenario) a menudo se intercalan entre actos. Se abre con una obertura muy personal (tres secciones de rápido-lento-rápido), con recitativos y arias de retorno alternadas, con pocos dúos, estribillos y ningún baile.
3) Dos recitativos diferentes: uno es un recitativo seco, utilizado para diálogos o monólogos más largos, con solo acompañamiento de continuo para la parte solista. El otro es un recitativo de acompañamiento. Es bueno para expresar emociones complejas. y también se utiliza en escenas dramáticas y tensas. El solo está acompañado por una orquesta.
4) Volver al aria inicial: esta aria tiene la forma de tres secciones ABA. Los compositores generalmente ya no escriben la sección A reproducida, sino que solo marcan el da capo al final de la sección B. significa Repetir desde el principio, pretendiendo significar "volver al principio", y marque Bien (es decir, el final) al final. [Editar este párrafo] El desarrollo de la ópera A finales del siglo XVII, la escuela de ópera napolitana representada por Asia 6?1 Scarlatti tuvo la mayor influencia en Roma. Esta escuela de música no utilizó escenas de coro ni de ballet en la obra, pero desarrolló mucho la técnica de canto solista conocida como "Bel Canto" en generaciones posteriores. Cuando este estilo de "cantar primero el trabajo" llega a los extremos, la expresividad dramática original y la connotación ideológica de la ópera casi se pierden. Como resultado, en la década de 1720 surgió el género de ópera cómica, que se basaba en la vida cotidiana, tenía tramas humorísticas y música sencilla. El primer ejemplo de ópera cómica italiana es "El ama de casa" de Pagolesi (estrenada en 1733). La obra fue originalmente un interludio de una ópera seria. Cuando se representó en París en 1752, fue calumniada por los conservadores, lo que provocó un estallido. la famosa "Controversia de la ópera cómica" en la historia de la ópera. La primera ópera cómica de Francia, "El adivino", escrita por Rousseau, nació bajo la inspiración de este debate y de esta ópera.
La ópera italiana fue la primera en transformarse en Francia y combinarse con la cultura nacional francesa. Lully fue el fundador de la ópera francesa ("tragedia lírica"). Además de crear melodías solistas estrechamente integradas con el francés, también fue pionero en el uso de escenas de ballet en la ópera. En Inglaterra, Purcell creó la primera ópera nacional británica, Didon y Eneas, basada en la tradición de las mascaradas del país. En Alemania y Austria, las óperas populares se convirtieron en óperas nacionales alemanas y austriacas de Haydn, Dietersdorf, Mozart y otros. Entre sus obras más representativas se encuentra "La flauta mágica" de Mozart. En el siglo XVIII, Gluck, apuntando a la mediocridad y superficialidad de las óperas en Nápoles en ese momento, insistió en que las óperas debían tener un contenido profundo, la música y el drama debían estar unificados y la interpretación debía ser simple y natural. Sus ideas y obras como "Orfeo y Eurídice" e "Ifigenes en Olyd" tuvieron una gran influencia en el desarrollo de la ópera en las generaciones posteriores.
Después del siglo XIX, los italianos G. Rossini, G. Verdi, G. Puccini, el alemán R. Wagner, el francés G. Bizet, el ruso M.I Glinka, maestros de la ópera como M.P. Mussorgsky y P.N. importantes contribuciones al desarrollo de la ópera. La "ópera" (opereta, que significa: pequeña ópera), que se formó en el siglo XVIII, ha evolucionado y se ha convertido en un género independiente. Sus características son: estructura corta, música popular, además de solista, dúo, coro y danza, también utiliza el lenguaje hablado. El compositor austriaco Sobey y el compositor francés Offen Bach, originario de Alemania, son los fundadores de este género.
Entre los compositores de ópera del siglo XX, la primera figura representativa fue Richard Strauss ("Salomé", "Den Rosenkavalier") quien fue influenciado por Wagner después de la Primera Guerra Mundial, Berg ("Wozzeck"; ) que aplicaron el principio de atonalidad en la creación de ópera desde los años 1940, se encuentran: Stravinsky, Prokofiev, Milhaud, Manotti, Barbier, Orff, Janastella, Henze, More y el famoso compositor británico Britten, etc. [Editar este párrafo] Canto de ópera Clasificación de las voces
Los roles que desempeñan los cantantes se clasifican según sus diferentes rangos (tessitura), agilidad, fuerza y timbre (timbre). Los cantantes masculinos se dividen de rango vocal bajo a alto: bajo, barítono, barítono, tenor y tenor en falsete (sopranista/contratenor). Las cantantes se dividen de rangos bajos a altos: alto, mezzosoprano y soprano. Las sopranos también se pueden subdividir en diferentes categorías, como sopranos coloratura y sopranos líricas. Básicamente, el rango de las voces masculinas es más bajo que el de todas las voces femeninas, pero algunos tenores en falsete pueden cantar en el rango de los altos. El canto de tenor en falsete es más común en roles cantados por castrati en composiciones antiguas.
Después de clasificar por rango vocal, se suelen añadir algunos adjetivos sobre el canto, como soprano lírica, soprano dramática, soprano solemne (soprano spinto), coloratura soprano (soprano coloratura), soprano ligera. Aunque estos términos no pueden describir completamente una voz, a menudo pueden clasificar diferentes voces en diferentes roles. Las voces de algunos cantantes sufren cambios repentinos y drásticos, o es posible que sus voces no alcancen su gloria madura hasta los treinta o incluso la mediana edad.
Uso de clasificación de voces
La soprano siempre ha sido la mejor elección para la heroína de la mayoría de óperas. Sin embargo, antes del período de la música clásica, el requisito principal para las sopranos era la tecnología de control de la voz, en lugar del amplio rango requerido hoy en día, y en ese momento, la nota más alta requerida de las sopranos a menudo no excedía la A alta[21]. El término mezzosoprano es un concepto relativamente reciente, pero hay muchos papeles que puede desempeñar, como el de Dido de Purcell y el Brangan de Wagner en el especial "Tristan und Isolde" (Brangăne)[22]. Los papeles que las contraltos pueden cantar suelen ser relativamente pocos, y los conocedores suelen bromear diciendo que las contraltos sólo pueden cantar "brujas, perras y pantalones" (papeles que usan pantalones). En los últimos años, muchos papeles originalmente cantados por altos o castrati se han convertido en obra de tenores en falsete.
El tenor ha sido el actor principal de óperas desde la época de la música clásica hasta la actualidad. Muchos de los papeles de tenor más desafiantes provienen del período de la ópera del bel canto, como los nueve C agudos consecutivos que Donizetti escribió para el protagonista masculino en "La fille du régiment". Wagner, por otro lado, exigía que sus tenores protagonistas fueran más pesados que los tenores comunes, e incluso pidió a la gente que inventara una nueva palabra "tenor héroe (Heldentenor)" para describir este tipo de papel. También hay papeles operísticos como el de Calafo en; "Turandot" de Puccini. El bajo también tiene una larga historia. En la época de la ópera, se utilizaba como papel secundario, a menudo como personaje cómico para entretener al público. También hay muchos papeles que los bajos pueden desempeñar, como Liporello en "Don Giovanni" de Mozart y el rey Wotan en "El anillo del Nibelung" de Wagner. Entre el tenor y el bajo está el barítono, un concepto que no apareció hasta mediados del siglo XIX. Entre sus papeles famosos se encuentran Guglielmo en "Todas las mujeres" de Mozart y Roddy en "Don Carlo" Ge. [Editar este párrafo] La parte vocal en una ópera vocal incluye solista, dúo y coro. La letra son las líneas de los personajes de la obra (dependiendo del estilo, también pueden ser habladas, la parte instrumental suele tener una obertura); o preludio al inicio de la obra. Las primeras óperas también tenían prólogos de dedicación (incluida la música vocal). En cada escena, la música instrumental no sólo sirve de acompañamiento al canto, sino que también juega un papel conector. Los interludios se utilizan a menudo para conectar actos, o cada acto tiene su propio preludio. También se pueden insertar bailes en la progresión de la obra. La estructura musical de una ópera puede estar compuesta de piezas musicales relativamente independientes conectadas, o puede ser una estructura unificada que se desarrolla continuamente.
Los estilos vocales importantes en la ópera incluyen recitativo, aria, aria, recitativo, dúo, coro, etc.; sus estilos de género incluyen ópera seria, ópera cómica, gran ópera, zarzuela, opereta, comedia musical, cámara. ópera, drama con banda sonora, etc.
Aria
Las arias son las arias principales de las óperas donde los protagonistas expresan sus emociones. Su música es hermosa, la estructura es completa y pueden expresar las habilidades vocales del cantante. A menudo también los escuchamos en concierto, como el aria "On a Clear Day" de Madama Butterfly, el aria "¿Por qué late tanto mi corazón" de La Traviata y el aria "Hay una voz en mi corazón" de Rosina? , entre otros .
Recitativo
Recitativo es un párrafo que desarrolla la trama. La historia a menudo transcurre en el recitativo. En este momento, los personajes tienen más diálogos. Este tipo de párrafo no es adecuado para. El sexo era demasiado fuerte, así que utilicé un método mitad hablado y mitad cantado llamado recitativo, que es muy similar a la rima de la Ópera de Pekín.
Los dramaturgos griegos antiguos Esquilo, Sófocles y Eurípides ya utilizaban coros en sus obras. Los dramas religiosos medievales basados en la Biblia, como las obras de milagros y las obras de milagros, generalmente también tenían algún tipo de acompañamiento musical. Estas y otras formas de teatro musical pueden considerarse las precursoras de la ópera. La ópera se originó en Florencia, Italia, a finales del siglo XVI. La primera ópera fue "Dafne" coescrita por el poeta pastoral renacentista Ottavio Rinuccini y el compositor Jacopo Peri, que se ha perdido. El libreto de ópera más antiguo que se conserva es "Dafne". Euridice también es obra de ellos; Sin embargo, las obras de estos dos padres de la ópera fueron exploratorias tanto en género como en estructura. Unos diez años después, se estrenó la obra maestra de la ópera de Claudio Monteverdi "La favola d'Orfeo". Entre ellos, el acompañamiento instrumental se convirtió en un factor dramático; los temas de las óperas de esa época eran principalmente mitos, leyendas e historias históricas de ficción griegas y romanas.
Teatro de la Ópera
El primer teatro de ópera del mundo, el Teatro di San Cassiano, se inauguró en Venecia en 1637 y se abrió al público general, poniendo así fin a una época en la que la ópera estaba monopolizada por la familia real y los aristócratas, y promovió en gran medida el desarrollo de la ópera. Francesco Cavalli, alumno de Monteverdi, fue el compositor de ópera más famoso de esta época. Compuso alrededor de 40 óperas para la Ópera de Venecia entre 1639 y 1669, entre las que se encuentra la más famosa Para "Jason" (Giasone). El escritor de ópera italiano Pietro Antonio Cesti, que trabajó al mismo tiempo que Cavari, también escribió muchas óperas, la más famosa de las cuales es "Il pomo d'oro" (La manzana de oro). Después de mediados del siglo XVII, el género de la ópera veneciana comenzó a declinar, aunque en esta época todavía aparecían varios compositores talentosos, como Baldassare Galuppi, a quien a menudo se le llama el "padre de la ópera cómica".
Otras ciudades italianas, como Roma, pronto desarrollaron sus propios estilos locales de ópera. La ópera romana se diferencia de la ópera veneciana. No pone mucho énfasis en la grandeza del escenario, pero le gusta utilizar interludios interesantes para aligerar la atmósfera trágica de toda la obra, centrándose en la obertura instrumental y los movimientos de interludio de estilo obertura. En Roma también hay muchos escritores de ópera famosos, como Virgilio Mazzocchi y Marco Marrazzoli, quienes crearon la primera ópera cómica completa "Chi soffe speri" (Chi soffe speri).
En el siglo XVIII, el centro de ópera italiano se trasladó a Nápoles y surgieron varios géneros de ópera uno tras otro, influyendo así en los centros de actividad de la ópera italiana y en muchos extranjeros. El objetivo es hacer que la música obedezca a la letra para que la gente pueda entenderla. A ello contribuyeron los letristas Apostolo Zeno y Pietro Metastasio. Dominan las arias de ópera, especialmente las arias tripartitas. La ópera napolitana tiene armonías simples, es más melódica y aireada y tiene los tonos majestuosos del estilo rococó. Los escritores representativos incluyen a Alessandro Scarlatti, Nicola Antonio Porpora, Leonardo Vinci y Leonardo Leo.
En 1720, el veneciano Benedetto Marcello escribió "El drama de moda, también conocido como el método infalible de componer e interpretar la ópera italiana" (Il teatro alla moda, o sia metodo sicuro e facile per ben) compuesto eseguire opere italiane in musica), que satirizaba los crecientes estereotipos en la ópera que diluían el drama, lo que llevó a experimentos de reforma de la ópera, pero con poco éxito.
En el siglo XVII se desarrolló la ópera cómica satírica con una forma independiente. Al principio, a menudo se intercalaba entre los actos de la ópera principal. En el proceso de maduración, ha recuperado algunas de las características emocionales y serias de la ópera formal, dando así a muchas óperas cómicas una naturaleza mixta. "El barbero de Serbia", "Las bodas de Fígaro" y "El matrimonio secreto" (Il matrimonio segreto) son obras representativas de este período.
La ópera se introdujo en Francia antes de 1650. La primera ópera francesa, "Pomone", se estrenó en 1671 en la ceremonia de apertura de la Real Academia de Música (ahora Ópera de París). Pero la ópera no se convirtió en un arte verdaderamente francés hasta la época de Jean-Baptiste Lully. El italiano Lully fue a París y creó una ópera al estilo francés tomando prestadas las características del teatro y el ballet franceses. No le gustaban las arias italianas y abogó por el uso de canciones breves y animadas. Reformó el recitativo según el método de recitación de la Comédie Française y desarrolló una obertura de estilo francés. El estilo de Lully alcanzó su apogeo en las óperas de Jean-phlippe Rameau, cuyas obras principales incluyen Hippolyte et Aricie.
Después de la introducción de la ópera en Alemania y Austria en 1627, surgió la "ópera popular" y surgieron varios escritores de ópera, como Mozart, Handel, Beethoven, etc. Las obras principales incluyen "La flauta mágica". ", "La Flauta Mágica" y "La Flauta Mágica". Orlando", "Las bodas de Fígaro", "Don Juan", "Fidelio" (Fidelio), "Il mondo della luna" (Il mondo della luna), etc. . En 1769, Ranieri de'Calzabigi y Gluck publicaron un documento importante sobre la innovación de la ópera: el prefacio de la ópera "Alceste". Creía que las arias redundantes y extravagantes de tres partes deberían ser abolidas y reemplazadas por expresiones simples y sentimientos verdaderos. El deber de la música es "servir a la poesía". Las obras representativas de Gluck incluyen "Iphigenie en Aulide" (Iphigenie en Aulide) e "Iphigenie en Tauride" (Iphigenie en Tauride). Sus ideas reformistas tuvieron un gran impacto.
Después de que la ópera se introdujo en el Reino Unido, tardó mucho tiempo en echar raíces en el país. La primera ópera inglesa fue Dido y Eneas de Henry Purcell; rompió los límites entre el recitativo y el canto. La representación de "The Beggar's Opera" finalmente acostumbró al público británico a escuchar una obra de teatro cantada en su propio idioma.
Desde finales del siglo XVIII hasta principios del XIX, la ópera cómica francesa tuvo un gran desarrollo. En 1752, se representó la ópera cómica en un acto de Rousseau "Guerre des Bouffons". Escribió la partitura en forma de popurrí, combinando melodías que reflejaban un amor romántico muy popular y actuaciones de vodevil. Estilo francés. Desde entonces, esta nueva ópera cómica de estilo popurrí ha dominado los escenarios de la ópera en París y otras regiones. Entre los dramaturgos famosos se encuentran Pierre-Alexandre Monsigny, André Gretry, Etienne-Nicolas Mehul y Francois-Adrien Boieldieu.
La ópera cómica francesa se volvió más italiana después de Bois-Eldieu, reflejando la influencia de Rossini. Durante este período, la ópera italiana estaba en declive. Compositores de ópera talentosos como Johann Simon Mayr, Rossini, Gaetano Donizetti y Vincenzo Bellini crearon varias óperas de fama mundial, como "El barbero de Serbia". Anna Bolena", "Il pirata" (Il pirata), "I puritani" (I puritani), etc., han vuelto a ser populares.
La "Gran Ópera" se originó en París en el siglo XIX. Es una ópera a gran escala con un estilo internacional que utiliza historias históricas o ficticias como temas y el escenario está lleno de paisajes espectaculares. , magníficos disfraces, ballet, etc. y varias formaciones de falange sin cita previa. Prácticamente prescinde de las sutilezas del bel canto y amplía enormemente la propia orquesta y su papel en el drama. La primera gran ópera reconocida fue Robert le Diable de Giacomo Meyerbeer. Después de Meyerbeer y Fromental Halevy, la gran ópera comenzó a reflejar nuevas tendencias musicales y se desarrolló hacia una variedad de formas híbridas. Los escritores de ópera franceses de este período también incluyeron a Berlioz y Offen Bach, cuyas obras principales incluyen "Orphee aux enfers" (Orphee aux enfers), "Los troyanos" y "Les Contes d'Hoffmann" (Les Contes d'Hoffmann). ) et al.
Las óperas románticas alemanas incluyen Der Freischutz (Der Freischutz) y otras obras, que son las precursoras de la música romántica alemana. Durante este período también surgieron las operetas, como John. La obra maestra de Strauss, "Bat", lo llevó a su apogeo.
Los compositores de ópera famosos posteriores al siglo XIX incluyen: Verdi, Puccini, Busoni, etc. de Italia; Wagner, Richard Strauss y Hans Pfitzner de Alemania y Austria), Schombek, Berg, etc.; , Bizet, Thomas, Jules Massenet, Debussy, Ravel.
Después de la introducción de la ópera en Rusia, la mayoría de las obras extranjeras se interpretaron al principio. Más tarde, surgieron varios compositores de ópera destacados como Mikhail Ivanovich Glinka, el padre de la ópera rusa, como Rimsky-Kosa Kov. , Borodin, Modest Mussorgsky, Tchaikovsky, Stravinsky y Prokofiev, etc.
A mediados del siglo XX, la ópera casi se había convertido en un arte de museo, en su mayoría rerepresentaciones de obras antiguas y rara vez obras nuevas. Algunos escritores vieron el futuro de la ópera en obras de teatro similares a la ópera y otras formas operísticas híbridas que sorprendieron y sorprendieron al público; otros lo vieron en pequeñas óperas escritas para representaciones en fábricas y escuelas;