Sobre la clasificación de la música
(1) Música en forma de movimientos múltiples interpretados por una orquesta:
1. p>La sinfonía tiene diferentes significados en diferentes períodos de la historia de la música clásica. Durante el Renacimiento, el nombre "sinfonía" se utilizó como sinónimo de música instrumental. En ese momento, la sinfonía no tenía una forma específica, solo significaba que la pieza no era música acústica. Este concepto se extendió al período barroco, cuando Bach llamó a sus obras orquestales "sinfonías" en forma de suites. En la famosa obra de Handel "Mesías", hay una breve pieza instrumental llamada "Sinfonía Pastoral". Por lo tanto, incluso en el último período del Barroco, la sinfonía todavía no tenía un estilo específico. Pero al mismo tiempo, algunos compositores comenzaron a intentar cambiar la obertura de la ópera italiana, que tiene tres movimientos consecutivos de Allegro, Adagio y Allegro, en música con tres movimientos de Allegro, Adagio y Allegro tocados por separado, y llamaron a esta música "Sinfonía", también formó una sinfonía temprana de tres movimientos.
Hacia 1740, un compositor vienés insertó un minueto como tercer movimiento de su sinfonía de tres movimientos, formando así la sinfonía de cuatro movimientos que conocemos hoy. Haydn y Mozart son los dos compositores más importantes del período clásico. Ambos escribieron algunas sinfonías de tres movimientos en las primeras etapas de sus carreras creativas (15 de las 104 sinfonías de Haydn tienen la forma de tres movimientos, y las 41 de Mozart tienen la forma de 18). Las sinfonías tienen la forma de tres movimientos), pero luego todos escribieron sinfonías de cuatro movimientos. Esta sinfonía finalmente se estableció como una forma musical específica gracias a los esfuerzos de Haydn y Mozart, y se convirtió en una forma especial de música en la industria musical. . También tiene un lugar.
Una sinfonía típica de cuatro movimientos del período clásico. Sus cuatro movimientos son aproximadamente los siguientes en género: el primer movimiento es un Allegro escrito en forma de sonata; Adagio escrito en forma, forma de rotación, forma de variación o forma de sonata; el tercer movimiento suele ser un minueto; el cuarto movimiento es principalmente Allegro escrito en forma de rondó o sonata. La "forma clásica" de la sinfonía llegó a manos de Beethoven y comenzó a sufrir algunos cambios. Por ejemplo, Beethoven no solo amplió las reglas orquestales de la sinfonía, sino que también cambió el tercer movimiento de un minueto a un scherzo, haciendo que la estructura general de la sinfonía sea más compacta. Beethoven incluso incluyó voces en su Novena Sinfonía, lo que fue un esfuerzo bastante creativo en ese momento.
Las reformas de Beethoven en la sinfonía tuvieron una gran inspiración en los conceptos de los compositores posteriores. Por lo tanto, después de Beethoven, las sinfonías mostraron mayor diversidad en términos de escala, estructura, contenido, etc. Por ejemplo, el número de movimientos ya no se limita a cuatro movimientos, sino que se puede componer una sinfonía de hasta cinco o seis movimientos, y tan solo uno o dos movimientos. Además, la duración y la orquestación de la música se volvieron cada vez más largas y complejas, culminando con la aparición de sinfonías en el período romántico tardío similares a las "largas y vastas sinfonías" escritas por Mahler o Bruckner.
2. Concerto Grosso:
El Concerto Concerto es una forma de música muy popular en el período Balogu. Es un tipo de música interpretada por un grupo de instrumentos solistas y una orquesta. El grupo solista del concierto suele estar formado por dos violines y un contrabajo (tocado por un clavecín y un violonchelo), y la parte de orquesta está formada por una pequeña orquesta de cuerdas y varios instrumentos de viento. La interpretación del Concierto Grosso se caracteriza por el contraste entre las fortalezas y debilidades del grupo de instrumentos solistas y del grupo de música en el proceso de interpretación alterna.
En cuanto al concerto grosso, no existe una forma determinada en la organización del movimiento. Existen cuatro movimientos: Adagio, Allegro, Adagio y Allegro. Hay tres movimientos: Allegro, Adagio y Allegro, además, también hay formas compuestas por varios movimientos como una suite, etc.
3. Concierto:
Cuando se trata de concierto, el concepto de la mayoría de la gente debería referirse a “concierto solista”, por lo que si no hay un énfasis especial, el nombre del concierto se refiere a el concierto solista.
El llamado "concierto solista" es una forma de música interpretada por un único instrumento solista y una orquesta. Algunos músicos creen que a lo largo de la historia del concierto, el concerto grosso fue primero y luego el concierto solista reemplazó al concerto grosso.
Esta noción no es del todo correcta. Durante el período barroco, el concerto grosso y el concierto para solista existieron al mismo tiempo, pero el concierto para solo se desarrolló más tarde que el concerto grosso. Después del período barroco, el concerto grosso decayó gradualmente, mientras que el concierto para solo floreció.
Comparando el concierto solo y el concerto grosso, encontraremos que en el concerto grosso, el compositor no puso especial énfasis en las habilidades interpretativas del grupo solista, y la competencia entre el grupo solista y el La orquesta no era muy fuerte. Pero en los conciertos para solistas, los instrumentos solistas han ido ganando gradualmente una ventaja tanto en términos de melodía como de presentación técnica, y la competencia entre instrumentos solistas y orquestas se ha vuelto mucho más fuerte. Debido al importante papel de los conciertos para instrumentos solistas, los conciertos para solistas se han convertido en una buena forma para que los músicos instrumentales demuestren sus habilidades interpretativas.
Desde el período clásico hasta el período romántico, debido a la mejora continua de la interpretación de varios instrumentos musicales y la gran mejora de las habilidades para tocar instrumentos musicales, surgieron varios instrumentistas en gran número y los compositores escribieron varios conciertos. uno tras otro, por lo tanto, este período se convirtió en el período más rico en conciertos para solistas en la historia de la música occidental.
En el concierto hay un llamado "drama decorativo". Una nota de adorno es una sección o sección donde la orquesta deja de tocar y el solista toca solo. Los adornos suelen aparecer al final de un movimiento, y el solista da rienda suelta a sus habilidades interpretativas decorando los pasajes interpretativos.
Antes de Beethoven, los compositores generalmente no escribían composiciones decorativas en su música. En este punto, el boceto decorativo se deja al solista para que improvise libremente. Sin embargo, Beethoven creía que si al solista se le permitía tocar libremente, entonces, para mostrar sus habilidades, el solista podría tocar una interpretación decorativa en contra de la intención del compositor. Así, cuando Beethoven estaba componiendo su "Quinto Concierto para piano", la interpretación decorativa. Fue escrito íntegramente, eliminando la práctica de la improvisación por parte del solista. Siguiendo el ejemplo de Beethoven, los compositores del período romántico siguieron su ejemplo y se hizo más obvio para los compositores crear su propio drama decorativo.
Además de los conciertos y conciertos para solista antes mencionados, también existe una forma musical llamada "concierto polifónico". Un concierto compuesto (también llamado concierto sinfónico por los compositores de la época clásica) se refiere a un concierto interpretado por dos o más instrumentos solistas (generalmente dos o cuatro) y una orquesta. El Concierto sinfónico para violín y viola K.364 de Mozart, el Concierto para flauta en do mayor y arpa K.299, el "Concierto en trío" de Beethoven para piano, violín y violonchelo y el "Concierto doble" de Brahms para violonchelo y violín están disponibles. obra más representativa entre los conciertos complejos.
4. Suite o Partita:
Del nombre “suite” se puede inferir que una “suite” es una forma musical compuesta por muchas canciones. Aunque analizaremos las suites en esta sección, no todas las suites son interpretadas por orquestas. Muchos compositores han escrito suites para instrumentos solistas.
El origen de la suite probablemente se remonta a la Edad Media. Las primeras suites consistían principalmente en varios estilos diferentes de música de baile. La música de baile de uso común incluye Alemán, Courant, Saraben, Giger, Bray, Jiahe, Regarden, etc. Esta suite de música de baile alcanzó su apogeo creativo durante el período Barroco. En aquel momento, Bach era la figura más destacada de la cumbre. Las suites orquestales, las suites para violonchelo, las suites para violín sin acompañamiento, las suites para laúd, las suites inglesas para instrumentos de teclado y las suites francesas de Bach son música que los amantes no pueden perderse.
Después del período barroco, las suites sufrieron muchos cambios esenciales y su composición ya no se limitó a la forma de música de baile. La gente comenzó a crear suites de diversas formas más libres y aparecieron suites sinfónicas con títulos y atributos narrativos interpretados por grandes orquestas, como "Mil y uno", compuesta por el compositor chino Rimsky Gorshakov La noche. Algunas personas han adaptado melodías de ópera, teatro o ballet en formas de suite, como "Carmen Suite" de Bizet y "Alai Suite" de Tchaikovsky, "Three Ballet Suites" y "La Bella Durmiente" y "El Cascanueces" de Swan Lake. todos ejemplos famosos. Además, algunas personas han utilizado técnicas de composición más modernas para crear formas de música de baile con un estilo nostálgico, como "Holberg Suite" de Gregg y "Ancient Dances and Tunes" de Redstone.
En resumen, las suites han aparecido en diversas formas en los tiempos modernos, y la única constante es: "Una suite es una forma musical compuesta de varias melodías. Esto es cierto en los tiempos antiguos y modernos".
(2) Música en forma de un solo movimiento interpretada por una orquesta:
1. Poesía sinfónica:
Música orquestal de un solo movimiento iniciada por Liszt. . El nombre "sinfonía" se utiliza porque la escala de su música y los arreglos orquestales necesarios para su interpretación han alcanzado el mismo nivel que "sinfonía"; se le llama "poesía" principalmente porque suele tomar como materia temas literarios, siendo el propósito de transmitir "poesía" distinta de la música pura.
2. Obertura:
Antes de la representación oficial de una ópera o drama, es costumbre que la orquesta interprete una pieza musical instrumental, generalmente denominada "preludio". Sin embargo, no todas las óperas tienen una obertura. Por ejemplo, la famosa ópera de Puccini "La princesa Turandot" no tiene obertura. Además, no todos los compositores llaman preludio a la música previa al estreno de una ópera. Por ejemplo, en las óperas de Wagner "Rohanlin" y "Tristan und Isolde" se reproduce música instrumental antes del primer acto. Wagner lo llamó un preludio, no un preludio.
Las oberturas de ópera tienen dos funciones principales: (1) Cuando el público se apresura a ir a la ópera para disfrutar de la representación de la ópera, tocar primero una obertura puede ayudar a aliviar el pánico del público. (2) Otra función de la obertura es crear una atmósfera para el próximo drama. Además, también puede insinuar la trama del drama, permitiendo al público tener un concepto simple antes de ver la actuación. La obertura "La flauta mágica" de Mozart, la obertura "La bala mágica" de Weber y la obertura de Wagner tienen esta función. Por supuesto, no todas las oberturas implican una función argumental. Por ejemplo, algunas oberturas escritas por Rossini suelen ser simplemente una mezcla de varias melodías de la ópera, o incluso una de las obras antiguas escritas en el pasado puede utilizarse como obertura de una ópera. Esta obertura realmente no tiene nada que ver con la trama de la obra.
Además de las oberturas escritas para representaciones de ópera y oratorio, después del siglo XIX apareció otro tipo de música orquestal que nada tiene que ver con el drama, la llamada obertura. Esta obertura no fue creada para acompañar el drama, sino que se interpretó de forma independiente como una pieza de concierto, por lo que algunas personas la llaman "obertura de concierto", como la obertura "La cueva de Fingal" de Mendelssohn, la "obertura de concierto" de Brahms.
Otro ejemplo son las cuatro famosas suites orquestales de Bach. La primera canción de cada suite también se llama "Obertura". De esto podemos ver que la primera canción de la suite también puede llamarse obertura. una obertura Otro uso de.
3. Preludio:
En algunos casos, el preludio y la obertura tienen la misma función. Por ejemplo, Wagner llamó a parte de la música instrumental antes del comienzo de sus óperas "oberturas" en lugar de "oberturas", pero no importaba cómo se llamaran, su función era la misma. Además, los compositores del período barroco, como Handel, Couperin, etc., a veces llamaban a la primera canción de su suite "Preludio". En este caso, este "preludio" y la "obertura" de las suites orquestales de Bach están relacionados en significado.
Durante el período del género musical romántico, el nombre Preludio se utilizó para un propósito completamente diferente al mencionado anteriormente. En este momento, el preludio se convierte en una pieza instrumental independiente (compuesta principalmente para piano), que no tiene nada que ver con ninguna otra obra. El nombre "Preludio" no tiene ningún significado especial aquí, es simplemente el nombre que le dio el compositor a su canción. Por ejemplo, Chopin nombró al número 28 de sus 24 cancioncillas para piano "Preludios". Siguiendo a Chopin, Scriabin, Debussy y Rachmaninov también siguieron el ejemplo de Xiao y compusieron algunos preludios para piano.
4. Intermezzo:
En cuanto al significado de intermezzo, la explicación más popular es que es interpretado por la orquesta entre cada escena o diferentes escenas de una ópera o drama. pieza instrumental. Por ejemplo, los interludios de la ópera "Cavalier Rusticana" de Mascagni y la ópera "Carmen" de Bizet son ejemplos muy famosos. Además, la famosa canción "Tyches Fantasia" con la que la mayoría de los amantes de la música están familiarizados es en realidad el interludio entre el Acto 1, Escena 1 y Escena 2 de la ópera "Tyches" de Massenet.
En segundo lugar, en la música de múltiples movimientos, como la sinfonía, la música de cámara o la sonata, algunos compositores también denominan un movimiento como interludio, como el segundo movimiento del Quinteto de cuerda n.º 1 de Mendelssohn. Simplemente etiquételo Interludio. . Presumiblemente, el compositor etiquetó un movimiento como "interludio" porque estaba intercalado entre dos movimientos más largos que lo precedieron y siguieron. En comparación, este movimiento es relativamente corto, algo similar al significado de una puerta, de ahí el nombre del interludio. Este es el segundo significado de interludio.
Brahms una vez nombró algunas de las canciones para piano que compuso como "intermezzos", que formaban el tercer significado de intermezzo. ¿Por qué Brahms usó el nombre Intermezzo? Esto es similar a cómo Chopin llamó "Preludios" a sus veinticuatro cancioncillas para piano. No hay ninguna razón particular por la que el compositor hizo esto, tal vez solo un capricho. Si tuviera que encontrar una razón para explicar por qué Brahms usó el nombre "Intervalo", creo que probablemente sea porque Brahms creía que estas piezas para piano llamadas "intervalos" fueron compuestas entre la finalización de varias obras breves escritas por él. ¡a mí!