Las obras representativas de Paul Gauguin

"Ejercicio Desnudo"

Gauguin expuso un cuadro completamente original "Ejercicio Desnudo" en la exposición de pintores "Independencia" de 1881. Un crítico escribió en una reseña de la exposición: "Este cuadro demuestra el temperamento indiscutible de un pintor contemporáneo. De todos los pintores contemporáneos que han pintado desnudos, ninguno ha sido capaz de representar la vida con tanta fuerza...", Vívidamente... qué real es todo este cuerpo, este vientre ligeramente hinchado, este cuerpo que cuelga sobre las piernas y los fémures "

Hoy volveremos a mirar esta pintura. Se comprobó que la estructura de la imagen se ajusta a. El concepto impresionista de luz y oscuridad de Pissarro. Sin embargo, esta pintura tiene un realismo evidente (como arrugas en el cuerpo, deformación de la espalda), y el contraste entre tonos claros y oscuros es más fuerte, además, se puede observar que la calidad del boceto no es alta y la calidad del dibujo no es alta. las proporciones están desproporcionadas. Por un lado, estas irregularidades reflejan la tendencia realista de Gauguin, pero por otro lado, también obstaculizan la unidad general. El cuerpo desnudo es rojo rosado y verde con tonos de azul oscuro; la ropa interior es rosa y azul cielo; el revestimiento del lado derecho del cuerpo es verde y azul; el cabello es azul-negro; colgado en la pared es negro y amarillo; el tapiz es amarillo-blanco con rayas azules y rojas. Las texturas de la guitarra y el tapiz están perfectamente renderizadas, otras partes son menos precisas. Los colores son atrevidos e intensos, pero más logrados en los detalles que en general. En definitiva, el autor de esta obra fue un usuario audaz del color con poca consideración por el tono, un dibujante con poca confianza en su propia fórmula y un artista que argumentaba más que inspirado y carecía de energía.

"Pigsty in Brittany"

El cuadro de 1888 "Pigsty in Bretaña" está pintado de forma plana con bordes negros. Las superficies pintadas planas se enfrentan entre sí para transmitir una sensación de espacio sin depender de tonos medios. Algunos colores son tan arbitrarios que no reflejan la realidad: los bosques son violeta, naranja y rojo, las montañas son marrón violeta, las rocas son azul rosado, las casas son blancas y azules, los cerdos son amarillos y los niños pastorean cerdos visten de azul y violeta. ropa. En definitiva, todo el cuadro está unificado en forma y color. Su independencia ha llegado a tal punto que para crear un objeto con vida independiente -vida artística- la visión del artista no corresponderá a la visión de la realidad, sino que deberá abstraerse de esta última. Algunos detalles menores siguen siendo similares al impresionismo, pero el estilo general de la pintura es otro estilo, es decir, un estilo basado en la nueva teoría que Gauguin desarrolló hasta el final;

Llamó a este estilo "esmaltado" y "sintético". Aquí, los colores literalmente quedan planos como Cloisons. Este fue el primer paso hacia una imagen plana, en lugar de centrarse en la interrelación del espacio y el volumen, como hizo Cézanne, evitando la pintura realista y centrándose en el objeto de arte.

"Jacob luchando con el ángel"

"Jacob luchando con el ángel", "Cristo amarillo" y "Hermoso sobre" demuestran plena y vívidamente el alcance del simbolismo de Gauguin. Las dos primeras pinturas representan temas religiosos, una rareza entre las pinturas de Gauguin.

"Jacob peleando con el ángel" parece ser un tema cristiano. De hecho, el artista se caracteriza por el simbolismo y representa las visiones que aparecen ante los ojos de las campesinas de Bretaña mientras el párroco explica la doctrina. La pintura es una alucinación en la mente de las personas, presentada de manera realista, por lo que las figuras en la pintura no son figuras cristianas. Los extraños sombreros en las cabezas de las campesinas bretonas realzan el efecto decorativo del cuadro, mientras que las escenas de "lucha" de las leyendas religiosas están representadas en lugares menos llamativos, simbolizando las alucinaciones en la mente de estas piadosas campesinas bretonas. Mire de cerca la pintura: un tronco de árbol horizontalmente ocluido separa las dos imágenes. En un lado del marco, un hombre alado (aparentemente un ángel) pelea con otro hombre (Jacob), en primer plano, tres sombreros blancos de gran tamaño oscurecen el otro lado del marco; Estos tres sombreros blancos son la espalda y el perfil de dos campesinas bretonas, que destacan sobre las faldas oscuras. Forman un espacio a su izquierda, hay una fila de mujeres arrodilladas, que desde la perspectiva se van haciendo más pequeñas; .

Hay una vaca retozando bajo el tronco del árbol, aunque también es pequeña, no tiene relación proporcional con la escena del ángel y Jacob peleando, por lo que es un tercer espacio. De esta forma, el gran espacio de todo el cuadro plano tiene tres niveles, es decir, se concibe con la convivencia de tres sistemas de perspectiva. Se trata, por tanto, de un espacio inmaterial que depende tanto del color como de la estructura.

Este tema impregna sus pinturas de una sensación de misterio. La imagen aquí se compone de cuatro colores: rojo, azul, negro y blanco. Es un patrón compuesto de líneas curvas y onduladas, similar a un mosaico bizantino. La complejidad del contenido y la forma también complicó el estilo artístico de Gauguin, lo que llevó a los historiadores a llamarlo una especie de sintetismo. El estilo de Gauguin influyó más tarde en los nabis y fauves de Francia.

"Cristo amarillo"

La pintura al óleo "Cristo amarillo" encarna el estilo "sintético" de Gauguin. La imagen utiliza bloques planos, colores intensos, contornos atrevidos y formas simples. Todo el cuadro está sostenido por las figuras en primer plano, las columnas verticales de la cruz y el travesaño en la parte superior. Las formas rayadas de los campos, el cielo y las cruces contrastan marcadamente con las curvas redondeadas y onduladas de las mujeres y los árboles; las formas rectas y extendidas contrastan fuertemente con las formas redondeadas y cerradas; Todos los objetos están unificados en una figura luminosa y sencilla. Aunque los colores son elegantes, muestran la simplicidad natural del paisaje de Britten; las figuras de las mujeres parecen elegantes, pero el sabor de su sastrería aún es claro a simple vista.

En esta pintura, el plano de color unificado y las líneas alrededor de la imagen reflejan la búsqueda deliberada de pureza y simplicidad de Gauguin, que contrasta fuertemente con el estilo de pintura impresionista. Esta pintura refleja la meticulosa observación del pintor sobre el tema: el estilo de vestir de la campesina es muy estricto, la luz en la imagen es la luz fría única de Bretaña, y el verde, el brezo y el amarillo de los campos son armoniosos y unificados. Además, la cruz fue dibujada con referencia a los coloridos crucifijos de madera de la iglesia cerca del Puente Avon. Aquí, sin embargo, el artista va más allá de la observación naturalista y busca la expresión emocional. Escribió en su diario que "los impresionistas estaban obsesionados con el estudio del color sin libertad... Se centraban sólo en los ojos y eran indiferentes al núcleo misterioso del pensamiento, cayendo así en un estado de razonamiento científico puro". Expresar "el núcleo misterioso del pensamiento" era precisamente el objetivo de Gauguin. Aunque no era en absoluto un granjero, esperaba transmitir en sus pinturas "la sencillez y la inocencia del pueblo bretón, así como un fuerte sentido de sencillez y superstición" que descubrió en el pueblo bretón. Por lo tanto, simplificó la composición, aplanó el espacio, engrosó las líneas de la galería e intensificó los colores, con la intención de hacer de la imagen no solo un registro de un observador objetivo, sino un símbolo visual directo de creencias religiosas simples y piadosas.

"La Bella Enkila"

En el cuadro "La Bella Enkira" (Figura 5), ​​vemos otra concepción artística. Este es un retrato de una hermosa mujer. En este retrato, la artista diseñó con precisión su rostro, manos, ropa y otras formas según los requisitos de la estructura del color. Los azules y rojos de la pintura misma y del fondo resaltan el rosa, el verde y el azul claro; el oro y el naranja de la estatua del Bodhisattva aumentan la variedad de estos colores. Aquí, por tanto, la forma está subordinada a la superficie, lo que permite al espectador apreciar mejor aquellas zonas de color puro. Aunque el pintor estaba interesado en el retrato en sí, no se limitó a pintar un retrato ordinario; para darle al retrato un toque sobrenatural, colocó el retrato en un círculo ilusorio en el lado izquierdo del cuadro; Se creó una estatua borrosa de Buda, lo que demuestra que el retrato en sí da la misma impresión que la estatua del dios, y también muestra la reverencia del pintor por el misticismo oriental. Nada de esto tiene ningún valor razonable, pero aún hoy, muchos años después, esta fantasía del artista permanece por su poder del color y -si se me permite decirlo- por su representación viva y estilizada del misterio, confundiendo al espectador. Mallarmé dijo que las palabras de Gauguin también podrían aplicarse a este cuadro: "Es sorprendente cuánto misterio puede contener una forma tan clara".

La muchacha de Tahití

El retrato de Gauguin de 1891 "La muchacha de Tahití" es una verdadera obra maestra.

Le gustaba la belleza fuerte, robusta y saludable de las mujeres tahitianas, su inocencia y franqueza, y su tez rica y ardiente. Estaba tan obsesionado con sus modelos que no podía sacrificarlos por la síntesis. Por lo tanto, representa los objetos de manera sintética pero nunca se involucra en la síntesis. No hay ningún elemento abstracto en la pintura; cada línea y cada tono están llenos de alabanza y alegría. El tono desesperado y triste de Gauguin se pierde casi por completo en esta pintura. Redescubre la tranquilidad, la humanidad y la alegría en el bosque, lejos de la civilización y lejos de la capital de Barbies. Junto con su alegría, también redescubrió precisos tonos de claroscuro y una paleta de colores armoniosa, más serena que salvaje. Piel morena, cabello negro azulado, ropa azul violeta (ocasionalmente con algunas manchas rosadas y blancas), con algunas hojas verdes esparcidas frente a un fondo brillante con naranja en la mitad superior y rojo en la mitad inferior. Incluso si hay ciertos defectos en la expresión de la estructura, la proporción, el volumen y la luz, se han convertido en cosas raras porque encarnan la viveza de la expresión y la libertad natural de la creación del artista. Más tarde, Gauguin creó algunas obras tan hermosas, pero aún no se ha visto nada mejor que ésta.

"El alma errante"

Gauguin consideraba "El alma errante" una de sus mejores obras. Esta pintura también se basa en una experiencia de vida directa. En una ocasión, Gauguin abandonó su cabaña en el bosque rumbo a la ciudad de Barbières y no regresó hasta bien entrada la noche. "La Taigula inmóvil y desnuda yacía boca abajo en la cama. Me miró con ojos temerosos, como si no me reconociera... El miedo de Taigula también me infectó... Sentí como si irradiara una luz tenue. Por sus ojos muy abiertos, nunca la había visto tan hermosa; su belleza nunca había sido tan conmovedora". Aquí las sábanas amarillas unen el fondo morado con el cuerpo naranja y la colcha azul. Lo que aparece ante nuestros ojos es una armonía repentina y luminosa, que hace que la gente parezca ver una especie de fosforescencia libre y parpadeante en los ojos de los miembros de las tribus maoríes. Desafortunadamente, debido a que Gauguin siguió los principios del simbolismo, apareció la imagen de un fantasma en la pintura. La imagen aquí es muy incongruente. Sólo debilita el efecto expresivo del color. "La historia de este cuadro es para aquellos que siempre quieren saber el por qué de todo. De hecho, no es más que un ejercicio de mujeres desnudas en la playa". El desnudo en la pintura en sí es muy realista, por lo que cuanto menos naturalista y extraña es la pintura, más claramente se destaca de los elementos simbólicos y decorativos que Gauguin estaba creando para su simbolismo. Después de sacrificar el tema real, finalmente desarrolló un. conciencia crítica y comprendió que lo que en última instancia era importante para él personalmente (y no para nadie más) era precisamente la desnudez envuelta en un halo de miedo supersticioso.

"¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?

En febrero de 1897, Gauguin completó el cuadro más grande de su carrera, "Nosotros" ¿De dónde venimos? ¿De dónde vamos? En sus propias palabras, este cuadro es "mucho más significativo que cualquiera de sus obras anteriores; no podría haber pintado uno mejor y de igual valor". Antes de morir, dediqué toda mi energía a este cuadro. Cuánto dolor experimenté ante este cuadro, en todas sus terribles circunstancias, y cuán verdadera e inequívocamente lo vieron mis ojos, que todo rastro de ligereza y prisa desapareció, y contemplaron la vida misma... Durante todo un mes estuve inmerso en un frenesí indescriptible, pintando día y noche. La pintura… a pesar del uso de tonos medios, todo el paisaje es enteramente de azules sólidos y verdes veroneses. Todos los desnudos resaltan frente al paisaje en un brillante amarillo anaranjado." El duro entorno está representado con dolorosa pasión y una visión clara, de modo que la imagen parece rebosar de vida sin ningún atisbo de impaciencia. No hay modelos, No existen técnicas de pintura ni las llamadas reglas de pintura". Los colores del cuadro son simples y misteriosos, y la técnica de pintura plana lo llena de decoración oriental y romance. Las imágenes moteadas, magníficas y oníricas contienen el cuestionamiento filosófico del artista sobre el significado de la vida.

El bebé en la pintura hace referencia al nacimiento del ser humano. La recolección del fruto en el medio implica que Adán recogió el fruto de la sabiduría, simbolizando la supervivencia y el desarrollo del ser humano. El cuadro completo implica el desarrollo del ser humano desde el nacimiento hasta la muerte. El destino representa la trilogía de la vida. Otras imágenes del cuadro también son metáforas de los ideales sociales y religiosos del pintor, que son bastante misteriosos. Esta pintura combina el pensamiento de Gauguin sobre la vida y su impresión de la vida en Tahití. Es su epitafio dedicado a sí mismo.

Como todos sabemos, cualquier obra de arte es un trasplante del ámbito teórico abstracto del impresionismo y la realidad. Por lo tanto, la obra de arte es a la vez abstracta y concreta. Gauguin se diferenciaba de los impresionistas en que la relación entre abstracción y realidad jugó un papel muy importante en su obra. Al menos, como hemos visto, esto es característico no sólo de Gauguin sino también de la obra de Cézanne y Seurat. Lo que distingue a Gauguin son las características de su abstracción: color puro, enfoque sintético, decoratividad de la línea y falta de profundidad (tercer grado), técnica que él mismo y los escritores literarios han denominado estilo simbólico (síntesis), y que también dejó una huella inmortal. recuerdo de la vida de Gauguin.

"Peregrinamos a María"

"Peregrinamos a María" es su obra en "¿De dónde venimos?" ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? Las mujeres tahitianas recogían fruta en el desierto, donde a menudo realizaban oraciones místicas a los dioses. La composición de este cuadro es en realidad una síntesis de sentimientos religiosos y realidad. La madre con su hijo sobre sus hombros con un vestido rojo muy brillante a la izquierda parece un retrato de campo, mientras que las varias mujeres semidesnudas rezando a los dioses en la escena central a la derecha son relieves de friso de un monasterio javanés. El sol revela su divinidad original. Los colores del fondo son moteados y hermosos, y todo no tiene sentido de perspectiva. Los colores y las formas son planos y decorativos. No tiene un significado profundo y no merece la pena para el espectador. Es misterioso porque las imágenes incluidas en el cuadro son una síntesis de significados alegóricos.