Ilustraciones de ropa tradicional: ¿Cuáles son los estilos artísticos comunes de las ilustraciones en el diseño de ropa? ¿Puedes dar más detalles?
La fragancia del melocotón te emborrachará.
Chen Yun frunció el ceño,
Había un leve olor,
El ático estaba muy bajo,
Yun Fengbin, quien es Qi ¿Lanxuan?
Las flores aún están abiertas y el colorete es encantador.
La mitad es brocado de jade, luciendo un maquillaje rosa.
Al caminar entre flores de loto, los abanicos de plumas son ligeros.
Paso 1: Borrador de línea
1. Crea una nueva capa en el papel blanco y dibuja aproximadamente un boceto dinámico del personaje. Recorta el contorno grande de la flor en primer plano y las ramas detrás.
2. Dibuja un esquema aproximado del disfraz basado en la dinámica del personaje y delinea la composición aproximada de la escena.
3. Reducir la transparencia de la capa. Crea una nueva capa y comienza a dibujar dibujos lineales, comenzando con los ojos. El dibujo lineal es un proceso de creación secundario, por lo que debes tener cuidado.
4. Dibuja el contorno de los ojos. Luego dibuja los rasgos faciales de la nariz, prestando atención a la forma del lado de 45 grados de la nariz.
5. Sigue el boceto y dibuja el contorno de la cara y las orejas. Crea una nueva capa y dibuja la dirección general y la intercalación del cabello del personaje.
El Sutra del Corazón, de amplia circulación en China, es la traducción del gran maestro Xuanzang de la dinastía Tang. Su formato es diferente al de otros clásicos. No hay un ciclo como el prefacio y el final de esta carta, como escuché antes. También es la misma que la traducción del Maestro Luo Shi en la Dinastía Qin, pero otras traducciones antiguas (hay siete en la Dinastía Qing), el "Sutra del Corazón Tibetano" tibetano todavía incluye el principio y el final como otros clásicos de Xuanzang y Maestro. Dos versiones del "Sutra del corazón simplificado" de Luo La razón de la diferencia es que la primera y la segunda parte del "Sutra general del corazón" solo tienen más de 200 palabras, por lo que, para dar énfasis, se han eliminado las partes no traducidas del Maestro Xuanzang. Las partes no traducidas se presentarán brevemente en el prefacio del próximo artículo. Por ejemplo, cuando escuché que el Bodhisattva estaba en la Montaña del Buitre en Rajagaha, se fusionó con el gran bhikkhu y el gran Bodhisattva, y cuando ella. Entró en el reino del dharma profundo, restauró su visión divina. Los agregados son naturaleza propia y tienen una larga vida. Las reliquias heredan el poder del Buda. En la montaña Lingjiu del Rey Serpiente, muchos grandes monjes tienen una profunda comprensión del. Buda.
6. Dibujando el cabello.
7. Dibuja el tocado, puedes consultar la foto del tocado tradicional o diseñarlo tú mismo, presta atención a los detalles.
8. Crea una nueva capa a partir del cuello. Comienza a dibujar lentamente las líneas de la ropa. Las transiciones de líneas se pueden dibujar de acuerdo con la dureza del material de la ropa. Las líneas suaves de la tela son suaves y suaves. Las líneas duras de la tela son difíciles.
9. Continúe mejorando la ropa mientras dibuja. Preste atención a la relación de superposición. Al mismo tiempo, preste atención a la sensación de fluidez. >
10. Agrega patrones al escote de la ropa. Los patrones deben dibujarse de acuerdo con la dirección de la ropa.
11 Crea una nueva capa y dibuja flores en primer plano. tu preferencia personal, o puedes dibujar uno primero y luego copiarlo para lograr la sensación de flores.
12 Continúa creando en una nueva capa, pinta las hojas, el tronco y la cinta detrás.
Paso 2: Color
Color de piel
13. Crea una nueva capa y píntala sobre la imagen. Coloca un color de fondo verde claro sobre ella. No lo dejes todo ni lo llenes. Elige algunos lugares clave y deja algo de espacio para la imagen
14. Crea una nueva capa y rellénala con el color de fondo. >
15. Continúe creando una nueva capa, proyecte una capa de sombra en las esquinas de los ojos, la fosa triangular, la parte inferior de la nariz y las líneas superpuestas, luego cree una nueva capa y pinte los extremos de la. los ojos del personaje con rojo brillante.
Colorear los rasgos faciales
16. Después de ajustar el rubor, rellena los ojos con el color de fondo y luego oscurece los párpados superiores.
17. Elige un color gris. Aplica una capa de verde debajo de los ojos. Luego elige un color oscuro que sea del mismo color que el color base del ojo y usa algunos colores brillantes para resaltar los ojos.
18. Seleccione rojo, ajuste la dureza del pincel al mínimo y aplique una capa de color en el extremo del ojo. Debido a que el personaje pintado esta vez es más encantador, el delineador de ojos debe quedar ligeramente levantado. para engancharlo primero, y luego presionarlo con un color oscuro. Una vez dibujado el delineador, aparecerá el maquillaje de los ojos.
19. un color frío para iluminar el borde del puente de la nariz.
20. El maquillaje de labios es lo que los antiguos llamaban "labios rojos". De esta manera, use un rojo cercano al rosa y haga clic en las cuentas de los labios hacia arriba y hacia abajo para que la sensación de labios rojos comience a aparecer. salga. Profundiza el color alrededor de la línea de los labios y finalmente resáltalo, para completar el maquillaje facial completo.
Tiñe tu cabello
21. Colorea tu cabello. Primero crea una nueva capa, rellena el cabello con el color de fondo y luego resalta las mechas con un color brillante. Luego continúa profundizando las partes estructurales del cabello.
22. Crea una nueva capa y sigue el boceto del cabello y engancha el cabello con una forma de sombra. Este paso debe realizarse lentamente. Profundiza el lugar donde se intercala el cabello para resaltar el volumen del cabello. Luego reduzca el tamaño del pincel y dibuje un poco de cabello blanco y delgado para resaltar el cabello.
23. Colorea el tocado. Comience creando una nueva capa en la capa de cabello, asegurándose de presionar todas las capas de cabello y luego rellene la parte inferior de la tiara. Para combinar colores, puede consultar algunas fotos de joyería tradicional.
El Sutra del Corazón, de amplia circulación en China, es la traducción del gran maestro Xuanzang de la dinastía Tang. Su formato es diferente al de otros clásicos. No hay un ciclo como el prefacio y el final de esta carta, como escuché antes. También es la misma que la traducción del Maestro Luo Shi en la Dinastía Qin, pero otras traducciones antiguas (hay siete en la Dinastía Qing), el "Sutra del Corazón Tibetano" tibetano todavía incluye el principio y el final como otros clásicos de Xuanzang y Maestro. Dos versiones del "Sutra del corazón simplificado" de Luo La razón de la diferencia es que la primera y la segunda parte del "Sutra general del corazón" solo tienen más de 200 palabras, por lo que, para dar énfasis, se han eliminado las partes no traducidas del Maestro Xuanzang. Las partes no traducidas se presentarán brevemente en el prefacio del próximo artículo. Por ejemplo, cuando escuché que el Bodhisattva estaba en la Montaña del Buitre en Rajagaha, se fusionó con el gran bhikkhu y el gran Bodhisattva, y cuando ella. Entró en el reino del dharma profundo, restauró su visión divina. Los agregados son naturaleza propia y tienen una larga vida. Las reliquias tienen el poder del Buda. En la montaña Lingjiu del Rey Serpiente, muchos grandes monjes han adquirido una profunda comprensión de. el Buda.
24. Rellena el color y añade una capa de oro al tocado. Da forma a las cuentas. Se siente igual que dibujar el círculo primero, luego el reflejo y el color del entorno. , y finalmente dibuja lo más destacado.
25. Colorea el tocado. ¡No olvides pintar las uñas de la mujer con un hermoso chloden! Este paso consiste en colocar capas de ropa y rellenarlas con color, mosaico o hacer algunos cambios. Crea una nueva capa y completa el color del patrón de la ropa. La combinación de colores aquí es azul y puedes colorearla al pintar.
27. Continúa dibujando los accesorios. Usa el pincel para presionar los puntos estructurales de la ropa sobre la capa de ropa, dibuja la sombra del patrón de la ropa. una nueva capa y ajusta el color de la sombra según la imagen. El color de la ropa se vuelve más claro y el color de la cinta aumenta.
Coloración de fondo
29. Crea una. nueva capa y arrástrela hasta la parte inferior de la capa de la persona para llenarla con el color del tronco.
El Sutra del Corazón, que circula ampliamente en China, es una traducción del. El formato del gran maestro Xuanzang de la dinastía Tang no es como el que escuché antes. No existe tal ciclo en el prefacio y el final de esta carta. También es el mismo que la traducción del Maestro Luo Shi en la dinastía Qin. pero otras traducciones antiguas (hay siete en la dinastía Qing, y el "Sutra del corazón tibetano" tibetano todavía incluye el principio y el final como otros clásicos. Xuanzang, la razón por la que las dos versiones del "Sutra del corazón simplificado" del Maestro Luo son diferentes Esto se debe a que la primera y segunda parte de "El Sutra del corazón ordinario" solo tienen más de 200 palabras, por lo que, para dar énfasis, las partes no traducidas de Xuanzang ahora se eliminan. La parte no traducida del Maestro se presenta brevemente en el prefacio de. En el siguiente capítulo, Puntos de realización, por ejemplo, cuando escuché que el Bodhisattva estaba en la Montaña del Buitre en Rajagaha, se fusionó con el gran bhikkhu y el gran Bodhisattva cuando entró en el reino del dharma profundo, recuperó su visión divina. Que los cinco agregados son todos naturaleza propia y tienen una larga vida, el sabio blanco observó el Partido de Buda en la Montaña Lingjiu del Rey Serpiente, y muchos grandes monjes tenían una profunda comprensión del Buda. 30. Crea una nueva capa y llena la cinta de color.
31 Crea una nueva capa en la parte inferior de la flor y rellénala de blanco y luego colorea los estambres con amarillo. Crea una nueva capa en el fondo y dibuja hojas gruesas en la distancia.
32. Detalla las flores, profundiza las raíces de las hojas y ajusta el color de las hojas.
33. Enganchar las hojas, enganchar la forma y sombra de las raíces. Ajuste el color de las flores de primer plano para resaltar algunas partes y que la imagen no sea demasiado pesada.
Finalmente, dibuja algunos pétalos voladores y dibujos de gansos salvajes en la distancia para completar el dibujo.
La fuente del material es Internet y los derechos de autor pertenecen al autor original.
¿Cuáles son los estilos artísticos comunes de las ilustraciones en el diseño de moda? ¿Puedes dar más detalles? 1. Estilo pop
La ilustración de estilo pop apareció y se hizo popular en 20_ Lan50_ Nafen, principalmente a través de las técnicas creativas del arte comercial, formando un nuevo estilo que integra la cultura popular y el arte comercial al mismo tiempo. las imágenes de dibujos animados relativamente exageradas, las formas impresas de los periódicos, los eslóganes humorísticos, etc. en el estilo pop constituyen las características únicas del estilo pop, y el estilo pop es muy artístico [3]. Andy Warhol es una de las figuras más destacadas que contribuyó al desarrollo del estilo pop en el campo del diseño de ropa. Fue pionero en el primer uso de papel, plástico y cuero artificial como materiales básicos para la producción de ropa. Sus obras de ilustración contienen ideas de diseño subversivas, que se caracterizan por colores brillantes, ideas de diseño vanguardistas y una selección de colores audaz. Hasta el día de hoy, las ilustraciones de estilo pop conservan muchas similitudes con Andy Warhol.
2. Estilo abstracto
Las obras en estilo abstracto son generalmente creaciones en profundidad basadas en puntos, líneas, superficies, círculos, triángulos y cuadrados geométricos, y son típicamente abstractos. característica de estilo creativo. Mondrian fue una de las primeras figuras más exitosas en obras de estilo abstracto. Su estilo de creación de estilo abstracto es único y se centra en el uso de varios patrones rectangulares como contenido de ilustración. Esta forma de arte de ilustración tiene una profunda influencia en el estilo abstracto. Tomemos como ejemplo la obra de estilo abstracto "Rojo, amarillo y azul" creada por un famoso diseñador de moda francés. Esta obra está inspirada en el estilo abstracto de Mondrian y utiliza varios colores como líneas, triángulos y rectángulos para brindar al público una experiencia única de apreciación del arte y darle a la obra un fuerte impacto visual y frescura.
3. Estilo figurativo
El estilo concreto se diferencia de los dos estilos anteriores en que sus características gráficas son generalmente realistas y realistas. Además, la expresión de líneas en las obras de estilo figurativo es relativamente directa y puede resumirse, exagerarse, deformarse y decorarse, mejorando así el sentido del color de la obra y resaltando la simplicidad y sofisticación de la obra. Tomemos como ejemplo a la famosa diseñadora de moda italiana Miuccia Prada. Alguna vez tuvo la capacidad de utilizar ilustraciones directamente en sus creaciones de diseño de moda. Podía completar ilustraciones en sus trabajos de diseño de moda. magnificencia de las obras[4]. Además, las líneas en el estilo figurativo son más elegantes y pueden brindar al público una experiencia psicológica de ensueño. Especialmente en el diseño de ropa, pueden mejorar efectivamente la sofisticación del trabajo de diseño y brindar a las personas una sensación de belleza inteligente.
Ilustraciones de moda: el "diablo de la moda" de 500 años Las ilustraciones de moda existen desde hace casi 500 años. Ahora que se ha producido ropa, es necesario transformar el concepto o la imagen del diseño de ropa en ilustraciones de moda. Esta forma visual tiene su origen en la ilustración, el dibujo y la pintura y también se conoce como "dibujo de moda". Los diseñadores de vestuario utilizan principalmente "bocetos de vestuario" para intercambiar ideas en papel o digitalmente. Su función principal en diseño es previsualizar y visualizar el resultado final antes de coser la prenda real.
A continuación, echemos un vistazo al desarrollo histórico de la ilustración de moda, un “diablo de la moda” con una historia de 500 años.
1. El comienzo de la ilustración de moda
La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas de todo el mundo. Se imprimieron libros que explicaban lo que era apropiado para las diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social que causaron estos descubrimientos.
Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, incluidos paneles de personas vestidas como una nación o casta concreta. Estas fueron las primeras ilustraciones de ropa y los prototipos de las ilustraciones de moda modernas. Estas ilustraciones probablemente fueron utilizadas por diseñadores de moda, sastres y sus clientes para inspirar nuevos diseños.
Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear trajes realistas y detalles de época.
Estas publicaciones periódicas, publicadas en Francia e Inglaterra a partir de la década de 1670 y consideradas las primeras revistas de moda, incluyen Lemecure Gallant, The Lady's Magazine, Lagallerie des Modes, Lecabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modes. Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta a un creciente número de lectoras deseosas de mantenerse al día con las últimas novedades de moda del mercado. No fue hasta finales de 2018 y principios de 2019 que las ilustraciones de estilo masculino cobraron tanta importancia como las femeninas.
2. El plato de moda en el siglo XIX
El plato de moda apareció por primera vez a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período, saltaron a la fama publicaciones como "Incroyable set Merveilleuses" de Horace Venet y una serie de pinturas de moda en acuarela de Georges-Jacques Gatine grabadas durante el reinado de Napoleón I.
La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda continua de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron lugar a más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan pautas generales de vestimenta.
Fue también en esta etapa cuando apareció la alta costura (en 1860). Las empresas de moda contratan ilustradores que trabajarán directamente con diseñadores de ropa femenina. Mientras el diseñador cubría con la tela un maniquí viviente, el ilustrador esbozaba el nuevo diseño. También crearán ilustraciones para cada diseño de la colección completa, que luego podrán enviar a los clientes.
A finales de 2019, la impresión manual en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales se podía ver desde atrás o de lado, lo que permitía ver la prenda desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Siguen convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.
Tres. Revistas de moda e ilustraciones en el siglo XX
Las primeras décadas del siglo XX vieron el primer florecimiento de la ilustración de moda en el sentido moderno. Trabajar como ilustrador de moda se ha convertido en una carrera a medida que el lanzamiento de los últimos estilos de moda se vuelve cada vez más lucrativo. La moda alguna vez fue obra de un artista, pero ahora se está convirtiendo en una industria, que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas crearon un nuevo pasatiempo: la cultura de las compras.
Publicada entre 1912 y 1925, la revista francesa de lujo Gazette reunió a un grupo de jóvenes artistas que tenían una libertad sin precedentes a la hora de interpretar la moda. Iribe es una figura destacada entre estos ilustradores de moda y colabora con prestigiosas publicaciones como Charles Martin, Eduardo García Benito, George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las impresiones que produjeron para la Gazette mostraron la influencia de las xilografías japonesas y los nuevos cambios en el estilo Art Déco.
En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren ocasiones sociales y tendencias de la moda contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con Walter, que duró desde 1915 hasta 1938, lo que lo convierte en uno de los contratos más largos en la historia editorial.
Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la portada de la revista "Vogue" siempre ha estado llena de imágenes y textos. Las primeras portadas de Vogue presentaban obras de arte de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X Leyendecker.
Después de la Primera Guerra Mundial, se unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud y André Marty.
4. La edad de oro de la ilustración de moda
El período comprendido entre los años 1920 y 1930 representa la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista elegante y un dibujante consumado. Mucha gente puede utilizar la autoridad y la creencia para representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela.
Con el desarrollo de las nuevas tecnologías en fotografía e impresión, las reproducciones de fotografías se colocaron directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los patrones de moda dejaron de ser representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción para las revistas. La revista Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y se empezaron a incluir ilustraciones en las páginas interiores.
Con la recesión económica tras la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de prendas de vestir en Estados Unidos logró enormes avances, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media podían confiar en sastres expertos para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para los sastres caseros.
El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda a sus lectores tanto como sea posible. La fotografía liberó a los ilustradores de la necesidad de una documentación precisa de la ropa y favoreció las interpretaciones de la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas estaban interesados principalmente en obtener imágenes y efectos decorativos interesantes. Estaban cansados de informar fielmente sobre el espíritu de la moda contemporánea, por lo que se aburrían".
Dior El "nuevo" Look" de finales de los años 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de la posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a una era más alegre y optimista.
verbo (abreviatura de verbo) La destrucción y el resurgimiento de la ilustración de moda
En la década de 1950, los editores de moda gastaban mayores presupuestos en la edición y distribución de fotografías. La posterior promoción de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tenían que contentarse con trabajar en ropa interior y accesorios o en campañas publicitarias.
Durante la década de 1960, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas juveniles. Muchas de estas revistas se publicaron en la década de 1960 y todas utilizaban la ilustración como una alternativa barata a la fotografía.
Antonio López fue el único artista que apareció regularmente en Vogue durante este período, y su carrera comenzó en Women's Wear Daily.
En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda tuvo dificultades para sobrevivir, y no fue hasta los años 80 cuando empezó a resurgir. Una nueva generación de artistas publicó en revistas como Lamoden Peinture (1982), Condenast's Vanity (1981), VisionAire (191). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, en particular a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.
6. La ilustración de moda hoy
En algún lugar entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Debido a que la belleza y la elegancia han quedado obsoletas en el mundo de la moda y el arte, la ilustración de moda a veces parece ser un retroceso a una época anterior.
La fotografía es muy buena para registrar información detallada sobre la ropa, por lo que el foco del ilustrador ya no está en la representación precisa de la ropa, sino en explicar la ropa y sus posibles usuarios. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una serie de estilos artísticos únicos, apoyados en herramientas digitales y plataformas de redes sociales. Desde 65438 hasta 0990, ilustradores pioneros como Edtswaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a ascender en el campo de los gráficos por computadora.
Este período vio el surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como el resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer la ilustración como elemento especial en sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo recurren a maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Ilustraciones elegantes basadas en métodos clásicos complementan con éxito las creadas con métodos más modernos.
Las ilustraciones se han vuelto populares recientemente gracias a colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita que dejan una impresión duradera.
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