¿Cuáles son las características de las pinturas de Paul Cézanne?
Paul Cezanne es conocido como el "Padre de la Pintura Moderna" porque persiguió formas expresivas a lo largo de su vida y tuvo una nueva creatividad en el uso del color y la forma. También fue un representante del "postimpresionismo". .
El término "postimpresionismo" fue acuñado por el crítico de arte británico Roger Fry.
Se dice que en 1910 se celebrará en Londres una exposición de pintura francesa "moderna", pero a medida que se acerca la inauguración, el título de la exposición aún no se ha determinado. Roger Fry, el organizador de la exposición, estaba muy ansioso y dijo con impaciencia: "Llámelo simplemente postimpresionismo".
El nombre inesperado tiene sentido, ya que todos los expositores son pintores postimpresionistas. Más tarde, el "postimpresionismo" se utilizó para referirse a aquellos pintores que alguna vez siguieron el impresionismo y luego se opusieron firmemente a las limitaciones del impresionismo, formando así un estilo artístico único. Entre ellos, los más destacados incluyen a Cézanne, Van Gogh, Gauguin y Lautrec. , etc. . De hecho, "postimpresionismo" no es un término nuevo; De hecho, el Postimpresionismo no es una asociación o secta, ni tiene el mismo programa y manifiesto estético, y los estilos artísticos de los pintores también son muy diferentes. La razón por la que se le llama "postimpresionismo" es principalmente porque los críticos de arte quieren distinguirlo claramente del impresionismo en términos de estilo.
A los pintores postimpresionistas no les gustaba el enfoque demasiado objetivo y científico utilizado por los impresionistas para representar los efectos fugaces de la luz y el color en la naturaleza.
Creen que las imágenes artísticas deben ser diferentes de los objetos objetivos y estar llenas de los sentimientos subjetivos del artista.
Cézanne creía que “pintar no significa reproducir ciegamente la realidad, sino buscar la armonía de las relaciones”. Se centró en crear una estructura ajustada y ordenada en sus pinturas a través de formas claras. Van Gogh y Gauguin, por otro lado, se centran en la expresión espiritual y emocional, y sus obras están impregnadas de algún tipo de expresividad inherente y una connotación simbólica que invita a la reflexión.
La pintura postimpresionista se apartó de la tradición artística occidental de representación objetiva e inspiró dos tendencias artísticas modernistas importantes, a saber, el arte abstracto que enfatiza el orden estructural (como el fauvismo, De Stijl, etc.) y la expresión que enfatiza las emociones subjetivas (como el fauvismo, el expresionismo alemán, etc.).
Por ello, en la historia del arte se conoce al postimpresionismo como el origen del arte moderno occidental.
Cézanne despreciaba la práctica impresionista de copiar los colores superficiales y los reflejos de la luz de la naturaleza, y abogaba por recomprender el mundo exterior según el pensamiento y el espíritu del pintor, y reorganizar el mundo exterior según esta comprensión en su obras. Cézanne concedió gran importancia a la belleza formal de la pintura y enfatizó el orden de composición de los elementos visuales del cuadro. Esta búsqueda existe desde hace mucho tiempo en la tradición del arte clásico occidental. Cézanne siempre ha sentido reverencia por el arte clásico. Lo que más admiraba era el pintor clásico francés Poussin.
Una vez dijo: "Mi objetivo es dibujar obras al estilo Poussin utilizando la naturaleza como objeto". Buscó lograr en sus pinturas el delicado equilibrio y la perfección que se encuentran en la obra de Poussin. Persigue este punto con tanta insistencia que las leyes tradicionales de reproducción no logran convencerlo. Llegó al extremo de romper con la tradición artística occidental. Las pinturas de Cézanne tienen una personalidad distinta. Destacó la pureza de la pintura y la composición formal de la pintura.
A través de la pintura, espera descubrir cierta forma pura bajo la superficie de la naturaleza, y al mismo tiempo crear una imagen ordenada en la visión dispersa de los ojos. Destacó la claridad y solidez de los objetos de sus pinturas. Creía que si los objetos del cuadro estuvieran borrosos, sería imposible buscar el significado compositivo del cuadro.
Por ello, se opuso al lenguaje pictórico del impresionismo, que ignoraba el dibujo y difuminaba los objetos. Aspiraba a "hacer que el impresionismo fuera tan sólido y permanente como el arte en un museo". Por tanto, buscó un lenguaje pictórico que pudiera crear formas distintas y sólidas. A menudo utilizaba líneas negras para delinear objetos, incluso el aire, los ríos y las nubes.
En sus pinturas, tanto las vistas cercanas como las lejanas se dibujan en el mismo plano en términos de claridad. Este tipo de tratamiento no sólo lo aleja de las técnicas de expresión tradicionales, sino que también deja espacio a la expresión en la composición del cuadro. En segundo lugar, excluye de sus obras los detalles engorrosos y se centra en la simplificación y generalización de los objetos. Una vez dijo: "Utiliza cilindros, conos y esferas para expresar la naturaleza". En sus obras, las escenas representadas son muy simples, pero contienen un rico significado geométrico. Cézanne creía: "Las líneas no existen, ni la luz ni la sombra. Lo que existe es sólo el contraste entre los colores".
El volumen de los objetos se expresa a través de la interrelación precisa entre tonos." La mayoría de sus obras son la encarnación de sus propias ideas artísticas, mostrando un sólido sentido de la geometría, ignorando la textura de los objetos y la precisión de la forma, enfatizando lo grueso, lo grueso, Con un tranquilo sentido del volumen, enfatiza la relación general entre los objetos, a veces incluso renunciando a la independencia y autenticidad individuales para buscar la armonía de las diversas relaciones. Es el primero en deshacerse de las reglas de representación tradicionales que tenían en el arte occidental. Se ha impuesto a los pintores durante cientos de años. En las pinturas de Cézanne, a menudo hay distorsiones deliberadas de las formas objetivas, como perspectivas inexactas, deformaciones de las figuras, etc. No pretende reproducir la naturaleza, y su representación de objetos naturales tiene como objetivo fundamental. crear un sentido de realidad. Una vez dijo: "En cuanto al pintor, ya sea una manzana o un rostro humano, es una virtud, para la expresión de líneas y colores, no cualquier otra cosa. "Las ideas maduras de Cézanne se realizaron a su manera después de largos y dolorosos pensamientos, investigaciones y prácticas. En su vida posterior, esta idea teórica no pudo expresarse con palabras. Su éxito puede deberse más bien a través del descubrimiento sobre el lienzo, es decir, mediante representando fragmentos de la naturaleza en lienzos, en lugar de investigar en museos.
Se opuso al concepto tradicional de pintura que separa el dibujo del color, y persiguió que la perspectiva de los objetos se expresara a través del color. Las pinturas son armoniosas y hermosas cuando se enfrenta a dibujar objetos, siempre observa cuidadosamente, piensa y organiza los tonos de las pinturas, y las refina y refina repetidamente, de modo que muchas pinturas siempre parecen inacabadas para poder estudiarlas repetidamente durante mucho tiempo. Al mismo tiempo, a menudo pintaba bodegones. En estos bodegones cuidadosamente organizados, Cézanne no prestó mucha atención a la relación científica entre el espacio, el volumen y la perspectiva, sino que prestó más atención a la disposición plana de la forma y el color de la imagen. una armonía y equilibrio similar al de un patrón plano, por ejemplo en Naturaleza muerta con cesta de manzanas y muchas otras naturalezas muertas, tuvo aún más éxito para Cézanne que para las descripciones verbales de Balzac. Como ocurrió con otros artistas anteriores y posteriores a él. está claro que el atractivo de la naturaleza muerta reside en el hecho de que el tema que representa es tan descriptible y comprensible como el paisaje o el tema. Algunas otras manzanas estaban esparcidas al azar entre los picos que formaba el plato con los pasteles. colocado en la parte posterior de la mesa, que también era el vértice de la mesa cuando se veía verticalmente. Después de hacer esto, siguió mirando hasta que vio que todos estos elementos comenzaron a formar una relación entre sí, y estas relaciones fueron la base de la mesa. La pintura final Estas manzanas fascinaron a Cézanne porque la forma tridimensional de los objetos dispersos era la más difícil de controlar e integrar en el conjunto más amplio de la imagen para este propósito. Manteniendo el carácter de los objetos individuales, ajusta los círculos. con pequeñas pinceladas fuera del plano, deformándolas o relajándolas, o rompiendo sus contornos, estableciendo así una estrecha relación espacial entre los objetos y unificándolos en bloques de color, Cézanne alejó las botellas de vino de la vertical, aplanó y distorsionó la perspectiva. de los platos, y desalineó los bordes de la mesa debajo del mantel. De esta manera, manteniendo la ilusión de una apariencia real, transformó la naturaleza muerta en forma de pintura del original. En este nuevo entorno, no es la relación entre los objetos, sino la estrecha relación entre los objetos y la relación interactiva con los objetos lo que se convierte en una experiencia visual significativa. Hoy, cuando miramos esta pintura 70 años después de su creación, lo es. Todavía es difícil expresar con palabras toda la sutileza que logró Cézanne en su obra final, sin embargo, ahora podemos apreciar en otro nivel lo que logró. Es uno de los grandes estilistas, coloristas y agudos observadores de la historia de la pintura. También es un pensador rápido.
Sin embargo, en el proceso de repetidos intentos de dibujar figuras, a menudo usaba modelos. Al no poder permanecer sentado durante largos períodos de tiempo, le resultaba cada vez más difícil encontrar modelos adecuados. La modelo más paciente y amable fue la joven Madame Cézanne, de quien se modelaron 25 de sus obras. Este cuadro "Madame Cézanne en el sofá rojo" es uno de ellos. El nombre de Madame Cézanne era Marly Ordans-Figg y se casó con Cézanne en 1869. Antes de eso, trabajó en una fábrica de encuadernación y modeló para Cézanne en su tiempo libre. Cézanne estaba profundamente conmovido por su paciencia y obediencia. Después del matrimonio, no sólo se ocupó de las tareas del hogar y de la vida del pintor, sino que también continuó trabajando como modelo para el pintor. En este cuadro, el pintor creó un contraste muy marcado entre el sofá rojo y los tonos azul verdosos de la modelo. Los colores son brillantes y armoniosos.
La dedicación de Cézanne a los paisajes, retratos, naturalezas muertas y otros temas fue tan decidida que pocos artistas en el mundo pueden compararse con su contribución a la historia del arte. Después de 1890, las pinceladas de Cézanne se hicieron más grandes y más abstractamente expresivas. Los contornos también se vuelven más quebrados y sueltos. El color flota sobre el objeto, independientemente de él. Es un pintor que exige nuestra admiración pero rechaza nuestro amor. Su relación con el mundo es de confrontación, manteniendo distancia y distanciamiento de todo a través de la pintura. "La "Historia del arte moderno" de H-Arnason comenta sobre los primeros años de Cézanne: "Resolvía sus conflictos internos en escenas de asesinatos y robos".
Es un típico "pintor puro" ", no lo hizo. No odiaba a sus modelos, pero tampoco los amaba; los estudiaba y los recreaba. Aquí, la identidad sexual de las mujeres parece tener un significado significativo para Cézanne. Por eso la "Historia de la pintura europea" de De-Speziale. diga esto: "Como Cézanne es un pintor puro, sólo puede encontrar problemas en la pintura. Cuando se enfrenta al modelo, aunque está pintando un retrato, no es un retratista. No le interesaba expresar los rasgos del cuerpo humano del modelo, sólo expresar el volumen, como pintar frutas o azulejos de cerámica." En otras palabras, "pintor puro" puede significar que Cézanne fue la primera persona en la historia del arte. Para lograrlo verdaderamente, un poco pintor.
Esta característica también se refleja en el retrato que creó para su esposa, "la señora Feige tuvo que aceptar hacer el look más difícil porque Cézanne necesitaba el modelo. para no moverse. A veces trabajaba durante horas y las modelos estaban cansadas y aburridas, pero a él no le importaba en absoluto. ... Cézanne trabajaba muy lentamente. Tenía que dibujar el contorno del modelo sobre el lienzo, así como algunas relaciones entre sombras y tonos. El modelo debía posar todos los días durante una semana sin cometer ningún error. Es necesario utilizar flores artificiales y frutas de juguete al pintar naturalezas muertas porque las flores se marchitarán y los frutos se pudrirán antes de terminar el trabajo. No es raro que un retrato utilice un modelo cientos de veces." En esos cuadros, la esposa siempre miraba a Cézanne con indiferencia, y Cézanne sí la miraba con indiferencia, pero Cézanne fue el ganador. Le dio vida a Las cosas de Cézanne. Las pinturas se convierten en cosas eternas. No hay escenas hermosas en las pinturas de Cézanne, no necesita mujeres para expresar felicidad y emoción. Hay hasta 25 retratos de su esposa, por lo que ella se sienta frente al lienzo durante varios años. Mujer, cuya cabeza, cuello, brazos y parte inferior del cuerpo fueron pintados tranquila y deliberadamente por Cézanne en cilindros, esferas y conos, lentamente marchitos como una flor.
Solo se puede decir que Cézanne no tiene precedentes y no tiene precedentes. No es fácil ser un maestro así.