Comprender el origen y desarrollo del arte estadounidense y ver la popularidad del arte posmoderno.
América fue descubierta en 1492, pero se hizo verdaderamente conocida en el mundo en 1945. Al final de la Segunda Guerra Mundial, los europeos se dieron cuenta gradualmente de que el Nuevo Mundo en América, al otro lado del Atlántico, había crecido lo suficiente como para competir con él. Los soldados estadounidenses que desembarcaron en Europa trajeron consigo muchas novedades fascinantes: Coca-Cola, hamburguesas, chicles, cigarrillos de lotería, balones de fútbol americano y, por supuesto, estrellas de cine y animadoras. Pero lo más revelador para los europeos es la tendencia artística que trajeron los vaqueros rudos.
Este es un arte que ha comenzado a desarrollar un estilo propio y único, recorriendo la historia de Estados Unidos y todos sus símbolos, gente solitaria en la ciudad, edificios altos, bisutería deslumbrante... y entró Museos de Nueva York y Los Ángeles. Nuevas escuelas de pintura surgieron una tras otra, rompiendo todas las reglas impuestas por los partidarios del arte de la vieja escuela en París, el centro cultural del mundo. De esta manera, estos nuevos géneros que expresan dolor, humor, insatisfacción, disensión o mal gusto han pasado del desorden al orden y cambiarán profundamente el mundo del arte del futuro.
Dada Global Art America Tour presenta la moda del arte estadounidense del siglo pasado desde el origen y el desarrollo del arte convencional.
Los artistas europeos persiguen la perfección de las líneas de los personajes. Suelen ser nobles o pintores de la corte, donde el arte es relativamente noble y la gente común tiene poca exposición a él. En estos Estados Unidos emergentes, la gente ha roto con la solidificación de clases original y se ha dedicado al arte con una mentalidad más libre, haciendo que su arte esté más cerca de la vida y más humano.
En esta época, los pintores fauvistas y los pintores expresionistas también comenzaron a crear basándose en este principio. Se utilizaron ampliamente el cubismo y las técnicas de abstracción y surgieron pintores futuristas.
Edward Hopper fue uno de los más grandes pintores americanos y uno de los pintores más "americanos". La pura soledad expresada en sus obras parece ser producto de la modernización.
La casa junto al ferrocarril, que escribió en 1925, parece sencilla y monótona, pero llega directamente al corazón: las personas que viven junto al ferrocarril admiran cada día el paisaje inmutable fuera de la ventana, es decir, el tren pasando por la casa. En 1939, Edward Hopper creó "New York Movie", en la que una taquillera que sueña despierta se encuentra en la puerta de la sala de proyección y el público mira la película en la oscuridad. Asimismo, la pintura representa la soledad de otro mundo, en el que las imágenes de la película parecen más reales y atractivas que el mundo que las rodea.
Al igual que los pintores europeos, los pintores americanos se interesaron cada vez más por representar ciudades. Por ejemplo, Charles Shearer pintó un paisaje sin vida: las frías chimeneas de las fábricas reemplazaron el ruido de la naturaleza. Sus pinceladas son limpias y nítidas, utilizando sólo líneas extremadamente simples para delinear los contornos. Casi todas sus obras son bocetos abstractos, en los que se aprecia la sombra de las pinturas tridimensionales francesas.
Del mismo modo, Stuart Davis también utilizó la abstracción para describir música, clubes, calles de la ciudad y carteles publicitarios callejeros.
En las pinturas de Charles Demuth, la ciudad parece estar presionada por un botón sin fin. En su famosa obra "Vi el número dorado 5", Demut describió la impresión que dejaron uno o dos camiones de bomberos a toda velocidad en las calles de Boston. Los camiones de bomberos pasaban rugiendo, pero él se quedó en la calle, pensando en el número 5 impreso en sus ojos. Demut fue un pintor futurista. Esta pintura se originó en Italia y tuvo un profundo impacto en el arte de la pintura durante el período de entreguerras.
No sólo eso, el dadaísmo y el surrealismo también ocuparon una posición fundamental en Estados Unidos, abriendo nuevas áreas para la práctica artística y liberándola de las reglas de la expresión tradicional. Entre las dos guerras mundiales, algunos movimientos artísticos habían adoptado las líneas del "arte americano", como el "nativista" y el "realismo social". Estos géneros elogiaron los valores colectivos de la tradición estadounidense y expusieron la crueldad de la vida moderna, dando así al arte un color más esencialmente político.
No fue hasta la Segunda Guerra Mundial que Estados Unidos se deshizo por completo de la influencia europea.
El nombre “Expresionismo Abstracto” fue acuñado por un reportero de la revista The New Yorker. Estos artistas no formaron facciones sino que trabajaron de forma independiente y desarrollaron sus propios estilos. En la década de 1940 vivían casi todos en Nueva York y la mayor parte del tiempo querían crear pinturas abstractas a gran escala.
Las experiencias vitales de estos artistas pueden describirse como trágicas, incluyendo la Primera Guerra Mundial, la Gran Depresión, la Guerra Civil Española, la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto y los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki. La vida no les da un trato especial. Arshile Gorky, un armenio, escapó de la masacre de la comunidad armenia durante el Imperio Otomano, pero vio a su madre morir de hambre. Willem de Kooning era un inmigrante holandés; Mark Rothko, nacido en una familia judía pobre en Rusia, se encontró con el antisemitismo. Jason Brack es el quinto hijo de una familia de agricultores pobres. Se mudó ocho veces antes de los 12 años y se volvió adicto al alcohol a una edad temprana.
Después de experimentar tanto sufrimiento, estos artistas ya no pueden expresar su desesperación utilizando el lenguaje pictórico de sus antepasados. Deben romper con el pasado y crear algo nuevo. Los personajes de sus obras son fragmentados, grotescos e incluso no parecen humanos, pero nunca revelan un tono trágico.
Para algunas personas es un deseo y una necesidad dejar ver el proceso de pintura e inspirarse. Cuando Jason Braque, Willem de Kooning y Franz Crane pintaron, sus movimientos, huellas, procesos y acciones eran claramente visibles, lo que llevó al crítico Harold Rosenberg a utilizar el término "pintura de acción" para referirse a los métodos pictóricos de estos artistas en 1952.
Para otras personas, parece que prestan más atención a sus sentimientos internos y son más reflexivos a la hora de crear. Realizan enormes campos de color, que son sus expresiones artísticas de cara al mundo. El crítico Clement Greenberg los llamó en 1955 "pintores del campo de color", entre ellos Marco Rothko, Barnett Newman y Robert Marx Serwell (robert motherwell).
En los años 60, la producción de bienes de consumo en Estados Unidos era muy activa, y las actividades de ocio también alcanzaron un desarrollo sin precedentes. Los productos se producen en masa, son baratos y asequibles para todos; el interior del automóvil es espacioso y colorido; se puede comprar una casa con un préstamo, pero puede llevar toda una vida pagarla... En la sociedad de consumo, La productividad se ha desarrollado sin precedentes y la gente creo que con dinero y diversos electrodomésticos puedo vivir una vida mejor.
Así nació una nueva forma de vida. Las personas deciden cómo pasar su tiempo libre a través de carteles de películas y eligen diversos bienes y servicios que hacen la vida más cómoda a través de anuncios. Los artistas obtienen inspiración creativa de este nuevo mundo y utilizan sus obras para describir, reflexionar, explicar e incluso criticar esta realidad. De esta manera, un arte sin precedentes: el arte pop, floreció brillantemente como una flor. Este tipo de arte popular es accesible a todos y comprensible para todos.
Andy Warhol, conocido como "El Papa", revivió la técnica de la serigrafía típicamente utilizada para imprimir carteles y comenzó a reproducir una serie de imágenes masivas. Por ejemplo, en "Marilyn", Marilyn Monroe tiene el pelo rizado, una sonrisa en los labios y unos labios rojos impecables, y siempre es muy joven. Warhol utilizó estrellas de cine de Hollywood como material creativo e imprimió una gran cantidad de imágenes.
"Espejo, Espejito, ¿soy la mujer más bella?" Esta pregunta sigue sin resolverse, pero Andy Warhol nos mostró un mundo ideal lleno de mujeres hermosas. Estas bellezas siempre están pasando el rato junto a la piscina, bebiendo cócteles y matando el tiempo. ¿Son sus vidas realmente perfectas? Influenciada por el Pop Art, la escultura es diferente a la anterior.
Por ejemplo, Andy Warhol apila cepillos de limpieza en un supermercado, que es una escultura; el sándwich de plástico gigante de Crass Oldenberg parece ridículo, pero ocupa mucho espacio en las salas de exposiciones de los grandes museos; latas de cerveza fundidas en bronce pintado... El realismo es irresistible Para darle un significado único al símbolo de este nuevo modelo social, los artistas lo recrearon al máximo Expresión, repetición, reproducción original o gran tamaño, puedes elegir.
Cualquier creación es una expresión, pero no hay lugar donde la creatividad sea más libre que en Estados Unidos. Muchos creadores civiles dejan grafitis en las calles y pasillos del metro. En muchos países, esto podría considerarse un daño a la propiedad pública, pero en Estados Unidos estas obras también están permitidas en los museos. El graffiti, ante controles policiales cada vez más estrictos, significa improvisación y velocidad. A menudo es una obra maestra después de los destellos de la gente, con un atractivo más natural y amigable.
Durante miles de años, el arte ha sido algo noble que no todo el mundo puede apreciar. El desarrollo de las escuelas de arte estadounidenses ha dado lugar a un estilo más amigable, informal y humano que todos pueden usar, comprender y dominar. Cuando Tang Wei no tenía fondos para estudiar en los Estados Unidos, solía hacer arte corporal en las calles. Es a la vez creador y modelo, y en unas pocas horas puede ganar lo suficiente para cubrir los gastos de un día.
En Estados Unidos el arte es más libre, más inclusivo y más dinámico. En comparación con nuestra comprensión anterior del arte, ahora está más cerca de la vida y se ha convertido en un arte nacional que cualquiera puede utilizar. La popularidad del arte pop estadounidense se ha extendido por todo el mundo, haciendo posible que cada uno de nosotros nos convirtamos en artistas. Hay que decir que se trata de una mejora completamente nueva para el arte.