¿Cuándo alcanzó la saturación el desarrollo del arte occidental?
Desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, la evolución del arte occidental alcanzó un estado de saturación.
Desde la perspectiva del desarrollo del arte mundial, la tendencia general de la evolución del estilo siempre ha sido romper los límites del estilo y transformarse en una unidad de opuestos. El arte de cada nación y cada época avanza con los tiempos de diversas maneras desde su inicio hasta su perfección, pero el mayor cambio de estilo se produce entre el arte figurativo y el arte abstracto. El gran cambio en el arte occidental en el siglo XX fue este cambio fundamental, que fue la oposición fundamental entre el arte abstracto (que a su vez puede dividirse en varias escuelas) y el arte figurativo tradicional. En el desarrollo del arte mundial, este cambio de lo concreto a lo abstracto o de lo abstracto a lo concreto ha aparecido muchas veces, pero nunca ha sido tan profundo y completo como en esta época del siglo XX, que conmocionó al mundo. La razón puede estar relacionada con el hecho de que el arte moderno occidental se ha desarrollado plenamente dentro del ámbito de la representación.
Desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, la evolución del arte occidental en el ámbito de la representación ha alcanzado un nivel de saturación. La transformación de los opuestos estilísticos se ha repetido y recreado muchas veces, dejando cada vez menos espacio. para la innovación, y Las técnicas de expresión y comprensión de la historia son ricas sin precedentes. Por lo tanto, la presión y la motivación para romper con el marco tradicional del arte figurativo son mayores que nunca. Por otro lado, las grandes turbulencias y conmociones que la sociedad occidental enfrentó y experimentó repetidamente en el siglo XX también fueron el telón de fondo de grandes cambios en el arte.
La crisis capitalista que culminó en las dos guerras mundiales, los años sangrientos sin precedentes para la humanidad, la lucha de la clase trabajadora, el establecimiento y desintegración de la Unión Soviética socialista, la Guerra Fría entre los dos campos, etc., han hecho que la sociedad occidental La psicología colectiva siempre esté rodeada de diversas emociones de resentimiento, pesimismo, extremismo e ilusión. Estas emociones son las más adecuadas y solo pueden reflejarse en la expresión subjetiva del arte abstracto. Son los más adecuados y sólo pueden reflejarse y expresarse en la expresión subjetiva del arte abstracto.
Al mismo tiempo, el rápido desarrollo de la ciencia y la tecnología modernas también ha planteado desafíos al arte: la popularización de la fotografía, la promoción del cine y la televisión, la invención de nuevas tecnologías electrónicas, especialmente los rápidos cambios. en las computadoras, en cierta medida y muchas veces. Por un lado, las imágenes han jugado un papel en el registro de la vida y el reflejo de la realidad, y también ha obligado a los artistas a tener dificultades para intervenir en la abstracción subjetiva en el campo de la ciencia y la tecnología, mientras que Imágenes científicas y tecnológicas. Los artistas se ven obligados a adentrarse en el ámbito de la abstracción subjetiva, en el que es difícil para la tecnología entrar, y competir con las imágenes tecnológicas. Podemos ver esta transición del arte figurativo al abstracto en el arte impresionista y postimpresionista de finales del siglo XIX. Su lema es "En el pasado, la gente hablaba de la verdad, la bondad y la belleza, pero hoy nuestra generación sólo busca la verdad". Primero buscaron la verdadera impresión y luego exploraron la verdadera abstracción. Por esta razón, Cézanne y Van Gogh fueron aclamados como los padres de la pintura moderna.
Cezanne descompuso las formas en bloques y fue el precursor de varios cubismos abstractos en el siglo XX; Van Gogh se esforzó por utilizar la pintura como expresión subjetiva de uno mismo y fue la culminación de todo el expresionismo posterior, como él " Noche estrellada sobre el Ródano". Por lo tanto, aunque las diversas escuelas de arte abstracto del siglo XX fueron sorprendentes, desde la perspectiva de la evolución del estilo, fueron inevitables. Reflejan la vida moderna de una manera abstracta, que no sólo es fácil de entender, sino que también muestra la sinceridad del arte y la simplicidad del estilo. En cierto sentido, la vida moderna dominada por la alta tecnología y el ritmo acelerado también requiere algún tipo de arte abstracto que sea muy diferente de la tradición.
A principios del siglo XX, la primera escuela reconocida del modernismo tenía un nombre único y ridículo: fauvismo. fauvismo. Era 1905, y en una exposición a la que asistieron muchos artistas jóvenes, la Nueva Escuela estaba ganando popularidad, pero al mismo tiempo apareció una obra más tradicional basada en el estilo renacentista, y un crítico malicioso promocionaba deliberadamente esta obra conservadora como la de un verdadero artista. , incluso diciendo que es el único artista verdadero entre un grupo de bestias.
El uso de un grupo de bestias para atacar a los artistas de la nueva escuela ilustra el odio del campo conservador y la opinión pública oficial hacia el arte de la nueva escuela en ese momento. Sin embargo, el nombre fue promocionado y los artistas de la nueva escuela. Estaban orgullosos de ser bestias. En cierto sentido, el espíritu del fauvismo también gira en torno a la palabra "salvaje". Todos están interesados en continuar la exploración iniciada por pioneros como Cézanne y Van Gogh, y buscar expresiones artísticas subjetivas más audaces y salvajes.
Entre los fauvistas, su líder Henri Matisse es el artista más famoso de todos los tiempos. Henri Matisse (1869-1954) era el mayor de los fauves, con sólo 35 años en ese momento. La educación artística de Matisse se basó principalmente en la tradición del academicismo clásico. Cambió de dirección bajo la influencia del postimpresionismo, pero siempre creyó que lo que soñaba era el equilibrio, la pureza y la claridad en el arte, por lo que su estilo personal era en realidad muy tranquilo. Considerarlo como el líder de los brutalistas es nada menos que un malentendido histórico.
Sin embargo, mientras buscaba la tranquilidad y la claridad, también admitió que enfatizó una palabra descabellada en la exploración de las técnicas artísticas en ese momento, es decir, lograr la imagen especular de la tranquilidad y la claridad a través de una simplicidad extrema. y lo último es Wild es abstracto. Por ejemplo, uno de sus cuadros de ese año, "Le bonheur de vivre" (Le bonheur de vivre), el título y el significado del cuadro todavía tienen un sabor clásico, pero los personajes y paisajes se han simplificado hasta dejar solo un rastro de Líneas y algunos grandes bloques de color. El trabajo de Gao da un gran paso hacia la abstracción.
Curiosamente, las creaciones de toda la vida de Matisse se caracterizaron por esta extrema sencillez en busca de la tranquilidad y la claridad. Su obra maestra "Dessert: Harmony in Red" presenta manteles y manteles que ocupan gran parte del lienzo. de la pared, combinado con motivos florales azules, hace que toda la pintura parezca una especie de estilo oriental (que para los occidentales es un estilo abstracto). La pintura parece una especie de papel tapiz y cortinas orientales (o abstractas para los occidentales), y entre ellos hay dos sillas, una botella de agua, fruta, un arreglo floral y una doncella que lleva un plato de frutas, y un rincón del jardín que Se puede ver a través de la ventana, pero estas imágenes específicas también son extremadamente simplificadas y no tienen nada que ver con las mesas, sillas y figuras de las pinturas al óleo occidentales tradicionales.
Aquí vemos la perseverancia y los esfuerzos de Matisse en la investigación del arte oriental, y también vemos la agradable belleza de sus pinturas, como su "Ventana Azul", que es rica en decoración. Interesante, enfatizó repetidamente que su arte es para el disfrute y comodidad de las personas. Las obras de Matisse en sus últimos años llegaron incluso al extremo de los colores puros y las líneas concisas, como su "La Blusa Roumaine", que muestra que no sólo es inevitable que el arte abstracto refleje la vida moderna, sino que también tiene su propio alto grado de belleza. Georges Rouault, otro famoso representante del fauvismo, es uno de los artistas más famosos del mundo. Otro famoso representante del fauvismo, Georges Rouault (1871-1958), era diametralmente opuesto a la calma de Matisse. Su lado salvaje y áspero mostraba características salvajes.
La "Cabeza de Jesús" de Rouault está pintada con trazos amplios y colores fuertes y desordenados. Aunque se pueden ver los ojos, la nariz y el rostro del personaje, todo está envuelto en la violenta tormenta y las hojas caídas. el caos arremolinado. Y este caos es muy conmovedor y poderoso, del mismo modo que los patrones abstractos de las catacumbas cristianas primitivas son más poderosos que las estatuas clásicas sobre el suelo que se han convertido en clichés. La obra maestra de Rouault, "El viejo rey", tiene el misterioso efecto de luces y sombras de las vidrieras de una iglesia gótica medieval.
Curiosamente, este tipo de vidriera es también un importante representante del arte abstracto medieval. La razón por la cual Rouault tiene un gusto especial por este tipo de arte está relacionado con su aprendizaje en un taller que hacía vidrieras de iglesia cuando era joven, pero lo más importante es que este estilo abstracto se ha convertido en una cosa del pasado, pero está relacionado. a lo que vivió el artista coincide con la nueva era, del mismo modo que Matisse admiraba el espíritu abstracto del arte oriental. El viejo rey descrito por Rouault tiene el pelo negro y ojos enojados. La atención no se centra en su vejez, sino en la expresión de algunas emociones modernas de depresión y dolor, así como en su impotencia.
Por lo tanto, no buscó el parecido en la forma, solo usó líneas gruesas y tinta pesada para delinear el contorno, y usó colores planos y gruesos para expresar el cuerpo. Incluso pintó deliberadamente a Lao Wang con un gran cuerpo. Cabeza y manos pequeñas, con los brazos detrás de los hombros y el contorno riguroso, sólo se ve un pecho torpe bajo la enorme y áspera cabeza. Los gruesos contornos negros son horizontales y verticales, y la falta de ritmo parece implicar la contradicción. entre los pensamientos religiosos fanáticos del pintor y la fea realidad, creando así una contradicción entre la pluma y la tinta. Esto parece significar la contradicción entre los pensamientos religiosos fanáticos del artista y la fea realidad, lo que resulta en la incertidumbre de la pluma y la tinta.
El arte de este género, como el arte de Matisse y Rouault, tiene su propio poder salvaje, pero conserva una cierta representación de personajes y entornos, y no parece ser tan extremadamente abstracto, por lo que sus pinturas se pueden adaptar a una gama más amplia. de audiencia. También son los más los artistas que pertenecen a esta escuela de pintura, los que representan paisajes abstractos con tinta espesa y colores pesados, y también los que utilizan líneas gruesas para deformar sus personajes abstractos. digno de ver.