Ilustraciones retro europeas y americanas Popular Weibo: ¿Cuáles son los estilos artísticos de ilustración comunes en el diseño de ropa? ¿Puedes contarme en detalle?
El desarrollo de la cultura "pop" británica y el diseño "pop"
Si quieres utilizar una palabra para describir el estilo de diseño de los años 60, la más apropiada debería ser " Pop" "(pop). Pop "pop" proviene del inglés "popular", pero cuando se relaciona estrechamente con la cultura, el arte, el pensamiento, el diseño, etc. de los años 1960, no sólo se refiere a la cultura que es popular entre el público, sino también Significa rebelarse contra la ortodoxia. Esta es la característica más importante de la época. En los países occidentales, el estilo de diseño "Pop" se concentra más en el Reino Unido.
Lo que hay que aclarar aquí son los diferentes significados de. Las palabras "Pop" y "Pop". Mucha gente cree que el "Pop" se originó en las masas, por lo que la cultura "Pop" y el arte "Pop" son cultura popular y arte popular. , y la cultura "pop" es la cultura de los intelectuales, simplemente tomando prestadas algunas formas de cultura popular, el movimiento "pop" es un movimiento intelectual típico, y algunos de sus contenidos, como formas de arte, formas de diseño, etc., son. popular entre los jóvenes, pero esto no cambia su base ideológica y su postura elitista contracultural Richard Hamilton, uno de los representantes más importantes del arte "pop" británico, fue entrevistado por el crítico estadounidense Robert Hughes. Enfatizado repetidamente en entrevistas televisivas.
El diseño "pop" británico tiene características muy distintivas en este movimiento. Aunque Gran Bretaña está por detrás de otros países desarrollados en el movimiento de diseño moderno, las características de vanguardia que se muestran en el "Pop". "El movimiento de diseño ha atraído la atención y la atención de países de todo el mundo. El Reino Unido va a la zaga de otros países desarrollados en el movimiento de diseño moderno, pero ha mostrado características de vanguardia en el movimiento de diseño "Pop". Sin embargo, ha atraído Atrajo la atención y la atención de países de todo el mundo y también ha afectado el desarrollo del diseño de otros países.
Aunque los errores de la política británica en la década de 1950 hicieron que el diseño se quedara muy por detrás del nivel avanzado internacional y fuera casi por completo. Sin embargo, en el movimiento "pop" de la década de 1960, el diseño británico se puso al día y logró grandes logros, especialmente en el diseño de productos de consumo para el mercado interno, que atrajo la atención del mundo. >
Gran Bretaña alguna vez esperó alcanzar al mundo dos veces a través de sus esfuerzos nacionales el movimiento modernista entre guerras, porque cuando Alemania, los Países Bajos, Rusia y los Estados Unidos estaban desarrollando el diseño modernista a gran velocidad, Gran Bretaña básicamente se quedó. Psicológicamente hablando, los británicos naturalmente esperaban no quedarse atrás de los países avanzados, y la forma de hacerlo es el movimiento de diseño modernista. Parece que todavía hay tiempo para ponerse al día. Los británicos defendieron el "buen diseño", un eslogan que los alemanes propusieron anteriormente a principios del siglo XX, y los británicos sólo lo propusieron después del final de la Guerra Mundial. II. Por lo tanto, desde la perspectiva de la comunidad de diseño de los países occidentales, el diseño británico llegó 30 años tarde y, de hecho, estaba demasiado desactualizado. Los británicos también lucharon por mantenerse al día con los estándares de diseño modernista de Alemania, Estados Unidos, Italia, Países Bajos y Escandinavia. El movimiento "Pop", con la contracultura en su núcleo, proporcionó a los diseñadores británicos un atajo para evitar la etapa modernista.
Uno de los cambios más significativos en el diseño británico en la década de 1960 fue que los británicos ya no buscaron reiniciar el movimiento de diseño modernista, sino que adoptaron las condiciones nacionales especiales y el entorno internacional de ese momento, y se basaron en él. De acuerdo con las condiciones del mercado y la demanda de los consumidores, combinado con la nueva atmósfera en el mundo cultural de ese momento, se abrió un nuevo camino para el diseño.
Aunque el diseño modernista tiene las características de buena funcionalidad, racionalidad y atención al público objetivo, su estilo monótono, frío e impersonal es obvio para todos, para la generación joven nacida después de la guerra, este estilo es una manifestación obsoleta. La nueva generación de consumidores espera tener su propio estilo de diseño, que represente un nuevo concepto de consumo, un nuevo posicionamiento de identidad cultural y un nuevo centro de autoexpresión. Las características frías, impersonales y altamente racionales del diseño modernista son obviamente contrarias a sus requisitos. La simplicidad del diseño durante la guerra se debió a la falta de materiales durante la guerra, y la monotonía de los colores también se debió al ambiente general antes y después de la guerra. Hoy en día, los nuevos consumidores, especialmente los adolescentes y las mujeres profesionales, exigen que representen sus estilos favoritos, nuevos y contemporáneos. Los colores deben ser atrevidos y fuertes, y los estilos de diseño deben romper con el antiguo marco de estilo. diseño Al servicio de la nueva sociedad y el nuevo mercado. Sólo de esta manera los diseños británicos e incluso europeos podrán unificar el mundo con el estilo de diseño internacionalista defendido por los Estados Unidos, valerse por sí mismos y formar su propio estilo de diseño nacional contemporáneo, en lugar de seguir la tendencia de diseño internacionalista defendida por Estados Unidos, de lo contrario, el diseño británico no puede tener sus propias perspectivas de desarrollo y futuro reales. Esta comprensión era muy común en la comunidad de diseño británica de la época, especialmente entre los diseñadores jóvenes. El diseño británico inició así una fase completamente diferente, la fase de diseño "Pop".
Esencialmente, el movimiento de diseño "Pop" fue un movimiento de diseño antimodernista que tenía como objetivo oponerse a la tradición de diseño modernista centrada en la Bauhaus alemana que se había formado desde 1920. Las raíces ideológicas del movimiento provienen de la cultura popular estadounidense. Los adolescentes británicos de esa época se inspiraban en la cultura pop estadounidense, incluidas las películas de Hollywood, la música rock, la cultura de consumo, etc. Creen que la cultura de consumo estadounidense y la cultura popular estadounidense son los factores más importantes en el desarrollo del diseño estadounidense moderno. Creen que la cultura de consumo y la cultura popular estadounidenses están en consonancia con sus preferencias, y que la cultura popular es la mejor manera de contrarrestar el estilo internacionalista defendido por la comunidad de diseño estadounidense dominante. Por tanto, la comunidad de diseño británica respondió a las necesidades psicológicas de la juventud británica y lanzó este movimiento. El culto a los productos textiles en la cultura pop estadounidense y la constante aparición de varios productos nuevos fueron extremadamente tentadores para los británicos que se encontraban en un período de escasez material después de la guerra. Los jóvenes británicos prefieren la música pop estadounidense y se llaman a sí mismos cabezas de huevo. Los diseñadores británicos se dieron cuenta de esta demanda y diseñaron diseños racionales y coherentes con el estilo internacionalista dominante en ese momento para adaptarse a sus necesidades. son realistas y restauran las características del diseño que han dado origen al movimiento de diseño "popular". "
Movimiento de diseño británico.
El movimiento "Pop" británico fue influenciado por el movimiento "Pop" en la creación y el desarrollo artístico. El movimiento de arte "Pop" apareció por primera vez en algunos Entre Organizaciones independientes, estas organizaciones incluyen artistas, críticos, arquitectos y diseñadores. Las primeras organizaciones británicas con color "pop" se establecieron a mediados de la década de 1950, entre ellas Richard Hamilton y Eduardo Barro. Se reunieron en el Instituto de Arte Moderno de Londres para estudiar. Estados Unidos, el fenómeno de la cultura popular, que se centra en el papel clave de la publicidad estadounidense, las películas estadounidenses y el estilo del automóvil estadounidense en la configuración de la cultura popular. Banham plantea la cuestión de las connotaciones monetarias detrás de la cultura popular estadounidense y sostiene que el estilo del automóvil estadounidense. Contiene símbolos de sexo y poder. Hamilton utilizó algunos contenidos especiales en la cultura pop estadounidense en 1956, como retratos de la estrella de cine estadounidense Marilyn Monroe, televisores, grabadoras, carteles populares, muebles estadounidenses, salas de estar, culturistas, raquetas de tenis, etc. , para crear collages la obra "¿Qué hace que el hogar de hoy sea tan único y atractivo?"
Al inicio del movimiento "Pop", el trabajo de la organización de arte británica "Pop" se basaba básicamente en lo artístico. creación, después de la década de 1960, el arte "pop" británico se hizo popular.
Después de la década de 1960, el arte "pop" británico se hizo popular y surgió un grupo de nuevos artistas "pop", entre ellos David Hockney, Alan Jones, Derek Pausche y Ron Taj. Formaron una segunda organización independiente que también se centró en la creación de arte "Pop", pero con diferentes motivaciones, provenientes principalmente de otros aspectos de la cultura popular estadounidense, como las historietas, las novelas de ciencia ficción, la publicidad y otros contenidos de mayor impacto visual. que, en conjunto, reflejan el rostro de la cultura popular. La "popularidad" de la cultura popular se refleja en la combinación de estos elementos.
El arte "Pop" británico se reflejó rápidamente en el diseño. Se puede decir que el Reino Unido es el lugar de nacimiento del diseño "pop". El diseño "pop" comenzó a desarrollarse en el Reino Unido y posteriormente influyó en otros países. Un grupo de jóvenes diseñadores estaban muy descontentos con el monopolio de los estilos de diseño modernistas e internacionalistas. Tomaron prestado el estilo "Pop" como medio de resistencia activa y comenzaron este movimiento de diseño. Su mercado objetivo era el mercado de jóvenes adinerados, los baby boomers de la posguerra. Las empresas británicas reconocieron el potencial de este mercado, aceptaron sus diseños uno tras otro y promovieron nuevos estilos de diseño a través de la producción y las ventas, logrando buenos resultados en el mercado.
La mayoría de los principales diseñadores del diseño "pop" británico son estudiantes recién graduados de escuelas de arte. No tienen mucha dependencia ni afecto por la tradición, incluida la tradición del modernismo, y prestan más atención a. su propia generación. Los hábitos y preferencias de las personas. Por lo tanto, están más motivados para derribar las barreras tradicionales. Comenzaron a lograr avances en los tres campos principales del diseño de productos, diseño de ropa y diseño gráfico, y crearon el estilo de diseño "Pop" en estos tres campos básicos, a saber, el diseño de productos "Pop" británico, el diseño de ropa "Pop" y " Diseño "pop". Diseño "pop". El diseño de productos "Pop" británico, el diseño de ropa "Pop" y el diseño gráfico "Pop" son todos muy distintivos. La dirección de diseño de estos diseñadores es encontrar sus propios símbolos y características visuales, encontrar su propio estilo, representar a su propia generación y, al mismo tiempo, dejar en claro que representan la posición de la generación no parental. Como resultado, surgieron uno tras otro varias formas de productos únicas, decoraciones de superficies especiales, patrones distintivos y conceptos de diseño poco convencionales, presentando una escena animada y única. Sin embargo, dado que esto era principalmente una forma de catarsis juvenil, aunque animada, rápidamente se desvaneció sin dejar rastro. Como dijo Banham: "Este fue un movimiento masivo, pero tuvo poco poder de permanencia.
El diseño "pop" británico enfatizaba principalmente la decoración de patrones. Muchos patrones fueron tomados directamente de algunos estilos "populares" de la época. Arte "popular", como extraer patrones de las pinturas de Jasper Johns, Victor Vasarely y Bridget Riley para hacer decoraciones de superficie para diseños. Productos La principal fuente de motivación del diseño es el sector aeroespacial y la inocencia, como diseñar la cocina como un espacio interior para un astronauta. espacio, diseñando ropa de mujer como ropa de astronautas (thesilverFoi1Suits con lámina de plata de Andrecourreges), o diseñando ropa de mujer como ropa de niñas (thesilverFoi1Suits con lámina de plata de Andrecourreges) ). De hecho, estos diseñadores de moda británicos "británicos" no son los únicos, pero). también son los más importantes. De hecho, estos diseñadores "pop" británicos son los portavoces positivos y optimistas de esta era de abundancia. Los trabajos de diseño reflejan el entusiasmo que trae la abundancia material en la nueva era y la juventud. >
El diseño "pop" británico se centra principalmente en el diseño de moda, diseño de muebles, diseño de interiores y diseño gráfico. Entre ellos, el diseño de moda es también el primer movimiento de diseño "pop" en el Reino Unido. Su característica más importante es que se centra en diseñar moda para la generación joven, en lugar de diseñar ropa tradicional para la generación de mediana edad, y no está dirigida sólo a unas pocas personas de clase poderosa, sino también al mercado de masas en general.
Entre los diseñadores más importantes se encuentran Mary Quant, Marion Foale, Sally Turrin y Ossie Clark.
El diseño de ropa es la expresión más concentrada de la cultura "Pop". Estos diseñadores dan un nuevo significado a la ropa a través de sus propios diseños, al expresar con fuerza las características que quieren enfatizar en materiales y patrones, su ropa se ha convertido en una nueva declaración para este grupo de adolescentes en esta era tan característica de la época. Dado que el diseño de moda no es el tema principal de este libro, no lo discutiremos en detalle.
Los muebles de diseño "Pop" británico también son muy distintivos. En comparación con el mundo del diseño de moda, es más difícil para el diseño de muebles deshacerse completamente de la influencia o las cadenas de los muebles tradicionales, porque los muebles tienen características más atractivas y están más asociados con estilos tradicionales, por lo que es más difícil reformarlos por completo. Durante mucho tiempo, además del diseño de muebles modernista e internacionalista, que supuso una revolución integral y una ruptura total con la tradición, otros diseños de muebles también estuvieron fuertemente influenciados por la tradición. Los muebles de los años 50 parecen ser modernistas o eclecticistas. No tengo otra forma de desarrollarme.
Sin embargo, a mediados de la década de 1960, el estilo "Pop" finalmente apareció en el diseño de muebles británico, rompiendo por completo la tradición y rompiendo los límites del modernismo y el estilo internacional. Los muebles "pop" en el Reino Unido se promocionan principalmente a través de la tienda minorista de muebles "Habitat" de Terence Conran. Su tienda de muebles abrió originalmente en 1964 pero, debido a su éxito, ahora se ha convertido en un centro especializado en muebles y artículos para el hogar asequibles, coloridos y especialmente diseñados, dirigidos a adolescentes. Los muebles y mercancías son de colores muy simples pero ricos en colores y de formas simples. También vende cerámica y joyería a bajo precio, muchas de las cuales son importadas de países escandinavos, y es muy popular entre los adolescentes debido a su estilo "pop" único.
Además de "Habitat", también hay algunos diseñadores individuales en el Reino Unido que se dedican a la exploración del diseño de muebles de estilo "Pop". Peter Mudosh es uno de ellos. Diseñó una silla de papel decorada con letras inglesas como patrón de superficie (en realidad está hecha de tablero de fibra, pero utiliza tecnología de apilamiento de papel para que parezca productos de papel), que es barata y tiene una fuerte expresividad y características duales "Pop". . Otros diseñadores similares incluyen a Max Clendenning y sus muebles de rompecabezas, Roger Dean y sus sillas inflables, que tienen características divertidas, colores brillantes, formas únicas y, a menudo, un trasfondo cínico. Los diseños son divertidos, de colores brillantes, idiosincrásicos y, a menudo, teñidos de un cinismo infantil. El mensaje que transmiten es muy claro: en la cultura de masas y la nueva civilización material del "desechable", el funcionalismo ya no es la primera consideración en el diseño. Los diseñadores deberían considerar más los requisitos de la segmentación del mercado y esforzarse por satisfacer las necesidades psicológicas de los consumidores, en lugar de simplemente crear muebles funcionalistas duraderos, prácticos y clásicos. Este fenómeno cultural "pop" no sólo fue ampliamente amado por los jóvenes de Gran Bretaña y Europa en los años 1960, sino que al mismo tiempo, incluso las instituciones formales de diseño británicas, como el British Design Council, tuvieron que enfrentarlo porque ya no era Simplemente es una manifestación de exploración personal por parte de unos pocos intelectuales jóvenes. El "pop" se ha convertido en un fenómeno cultural, cultural y social.
El "pop" se ha convertido en un fenómeno cultural, comercial y económico.
Sin embargo, el movimiento "Pop" persigue la novedad, la rareza y la novedad, y carece de una base social y cultural sólida, por lo que, aunque surgió con fuerza, desapareció rápidamente. A partir de mediados de la década de 1960, los esfuerzos por encontrar motivaciones de diseño a partir de la novedad se volvieron insuficientes. Era difícil encontrar estilos más excéntricos para sostener el desarrollo del movimiento simplemente persiguiendo la novedad. Por lo tanto, la gente empezó a buscar estilos históricos de los que aprender.
A juzgar por las fuentes de referencia del diseño en la comunidad de diseño británica, hay dos estilos principales que se utilizan como referencia. Uno es el estilo victoriano, que durante mucho tiempo ha sido criticado como vulgar y artificial por la comunidad de diseño, y el otro es el estilo británico. y Movimiento artesanal que surgió a mediados del siglo XIX. Esta es una transformación muy extraña, porque la posición básica del "Pop" al principio es negar la tradición, pero al final tiene que volver a la historia para encontrar estilos que se puedan aprender, lo cual es algo irónico. Esto también muestra cuán débil y poco confiable es discutir el desarrollo puramente en términos de forma.
La primera aparición de esta situación retro fue el diseño de ropa, especialmente los patrones de ropa. Muchas prendas "pop" a fines de la década de 1960 comenzaron a usar patrones de estilo victoriano, y más tarde el estilo victoriano apareció como patrones decorativos en los muebles. superficies, cortinas, manteles y otros artículos, con el paso del tiempo el "Pop" británico se trasladó a Estados Unidos. Con el tiempo, el diseño "pop" británico adoptó no sólo los estilos victoriano y Arts and Crafts, sino también los estilos eduardiano, "Art Nouveau", estilos de movimiento "Art Deco", etc. También aparecieron uno tras otro "Edwardiana", "Art Nouveau", "Art Deco", etc. Un movimiento con la antitradición como núcleo, un movimiento que hizo alarde de un estilo juvenil y finalmente se convirtió en una mezcolanza de estilos históricos. Se puede decir que este movimiento ha llegado a su fin.
Este fenómeno retro en el movimiento de diseño "Pop" británico se concentra principalmente en categorías de diseño gráfico como diseño de carteles, diseño de portadas de discos, diseño de tiendas y diseño de escaparates. Entre ellos, los diseñadores más importantes incluyen a Martin Sharp y otros, que simplemente adoptaron el estilo decorativo del movimiento "Art Nouveau", especialmente Alphonse Mucha, los dos principales pintores del movimiento "Art Nouveau". Simplemente adoptaron el estilo decorativo del Art Nouveau, especialmente el estilo de ilustración de dos de los principales pintores del Art Nouveau, Alphonse Mucha y Aubrey Beardsiey, como su propia referencia de diseño. Además, tomaron prestado en gran medida patrones decorativos orientales, especialmente aquellos de religiones orientales como el budismo. Su diseño gráfico de esta época tiene una característica muy extraña: el carácter retro de la generación joven de la posguerra. Esta tendencia del diseño retro pronto se extendió a Estados Unidos y Francia. En Francia, después de que surgieran el estilo "pop" y retro en el Reino Unido, los franceses inmediatamente le dieron un nuevo nombre: "estilo retro". Este estilo retro duró en el Reino Unido hasta la década de 1970, más que el auténtico estilo "pop" de los primeros años.
Además del estilo retro, también hay un resurgimiento de la artesanía tradicional en el diseño "Pop" británico y el diseño "Pop" en Estados Unidos, Francia y otros países que luego fueron influenciados por él. . Por ejemplo, los muebles nórdicos, la decoración del hogar, la joyería, el diseño textil, el diseño de ropa, el diseño de productos metálicos, etc., se diseñan y producen a mano o imitando artesanías para lograr las características de la artesanía. Se trata básicamente de una repetición del movimiento británico "Arts and Crafts" y del movimiento europeo y americano "Art Nouveau" desde mediados del siglo XIX. Esto es muy especial en una era en la que la tecnología aeroespacial está altamente desarrollada y la tecnología electrónica cambia cada día que pasa. También fue una reacción contra la "música pop" de principios de los años cincuenta.
Desde finales de la década de 1960, el movimiento de diseño "Pop" británico ha visto muchos fenómenos que han hecho que sus características de estilo cambien constantemente, lo que dificulta determinar un estilo unificado. Se puede decir que el diseño "pop" británico tiene características diversas y eclécticas, pero también tiene un punto básico unificado: es una reacción contra el modernismo ortodoxo seco y el diseño internacionalista, desde este punto de vista y postura, pertenecen todos los diseñadores. este movimiento son básicamente los mismos.
El movimiento de diseño "Pop" es una tendencia de diseño formalista. Su origen está relacionado con la cada vez más formada "sociedad acomodada", el mercado de consumo juvenil y la postura rebelde en Occidente después de la guerra, especialmente hacia el diseño modernista. Relacionado con la rebelión del diseño internacionalista. El trasfondo de su surgimiento está estrechamente relacionado con la cada vez más formada "sociedad opulenta" occidental después de la guerra, el mercado de consumo juvenil, la postura rebelde y, especialmente, la aversión al diseño modernista y al diseño internacionalista. Precisamente porque este movimiento exploró básicamente dentro del círculo del formalismo y no tenía una base ideológica más profunda, su propia forma siguió cambiando, pero nunca se convirtió en un movimiento de diseño unificado.
Proposición del concepto de ética del diseño
Durante este período, en el ajetreo y el bullicio del movimiento de diseño "Pop", algunas personas comenzaron a plantear seriamente la cuestión del "propósito del diseño". "desde la perspectiva de la teoría del diseño. . Este es un punto de partida muy importante para la ética y la teleología del diseño moderno. Es precisamente gracias a este punto de partida que la teoría del diseño se desarrollará más profundamente en el futuro.
El teórico del diseño estadounidense Victor Papanek propuso esta propuesta. Publicó su libro más famoso, Design for the Realworld, a finales de los años 1960, a través del cual propuso una nueva perspectiva sobre el propósito del diseño. En este entonces controvertido libro, el teórico articuló tres cuestiones principales:
l) El diseño debe servir a las masas, no a unas pocas naciones ricas. Aquí, enfatizó particularmente que el diseño debe servir a la gente del tercer mundo;
2) El diseño no sólo debe servir a las personas sanas, sino también considerar a las personas discapacitadas;
3 ) El diseño debe considerar seriamente el uso de los recursos limitados de la tierra, y el diseño debe servir para proteger los recursos limitados de la tierra en la que vivimos.
Estas perspectivas teóricas protegen factores importantes que han sido ignorados desde el surgimiento del diseño moderno. Por primera vez, propuso que el diseño debe considerar las cuestiones desde un punto de vista internacionalista y servir a la gente del tercer mundo. También fue la primera vez que planteó claramente la cuestión del diseño para las personas con discapacidad. La visión de los recursos limitados no se entendía bien en ese momento, pero desde el estallido de la crisis energética mundial a principios de la década de 1970, la visión de Babanac de los recursos limitados ha sido generalmente reconocida. Pero desde el estallido de la crisis energética mundial a principios de los años 1970, la visión de Barbanac de los recursos limitados ha ganado una aceptación generalizada.
Después de la publicación de este libro, fue inmediatamente traducido a más de diez idiomas extranjeros y se convirtió en una lectura para diseñadores y estudiantes de diseño de todo el mundo. En la sociedad de consumo, en la sociedad opulenta, en el clímax del diseño "Pop", este libro hace sonar la alarma con mucha calma para la gente: el propósito del diseño debe ser claro y el diseño debe servir a toda la sociedad. El diseño debe servir a la sociedad en su conjunto. La teoría de Barbanac fue considerada una herejía por la comunidad de diseño estadounidense. Él mismo le mencionó al autor de este libro en Los Ángeles en 1991 que a finales de la década de 1960, debido a este libro y sus opiniones alarmistas sobre la teoría del diseño, fue desestimado por la industria estadounidense. Diseñadores expulsados de la asociación. El grado de seccionalismo y conservadurismo en la comunidad de diseño estadounidense en ese momento era inimaginable. Pero el impacto significativo de este libro no se puede borrar.
Después de Babanac, cada vez más diseñadores y teóricos del diseño comenzaron a reconsiderar el diseño en sí desde estas perspectivas serias y lograron muchos resultados fructíferos. La gente empezó a mirar el diseño escandinavo desde otro ángulo y se dio cuenta de que este sistema de diseño contenía muchos elementos razonables que no se habían notado antes. Los diseñadores escandinavos llevan mucho tiempo considerando proteger los recursos naturales y sus diseños sirven a la sociedad en su conjunto, no sólo a los ricos y poderosos. El colectivo de diseño sueco Ergonoluitoam comenzó a diseñar vajillas y cubiertos para personas con discapacidad ya en los años 60. Después de que se expusieron las ideas de Babanac, los resultados se estudiaron ampliamente, elevando el nivel general del diseño y convirtiéndolo en algo más que un simple movimiento formalista.
La aportación más importante de Babanac es que propuso el concepto de ética del diseño. El propósito del diseño no es sólo servir a los propósitos funcionales y formales inmediatos. La principal importancia del diseño es que el diseño en sí tiene. la capacidad de formar un sistema social, por lo que las consideraciones de diseño deben incluir factores sociales tanto a corto como a largo plazo. El modernismo propone diseñar para el público, pero desde la perspectiva de la ética del diseño contemporáneo, el diseño también debe considerar a las personas del tercer mundo y de los países en desarrollo, así como el equilibrio ecológico y la inclusión de los recursos naturales. Esta consideración profundiza enormemente el nivel del pensamiento de diseño y promueve el desarrollo de conceptos de diseño. Mi artista difícil de complacer Kakicha
Kakicha es un brillante ilustrador japonés cuyo trabajo es muy reconocible.
Tal vez algunas personas todavía estén usando sus obras como fondos de pantalla de teléfonos móviles, tal vez algunas personas hayan escuchado el nombre Jiaocha por primera vez. No importa quién sea, siempre que vean sus pinturas, lo serán. Atraído por esas hermosas pinturas por primera vez. Atraído por las líneas y los ricos colores. Las líneas negras delinean el contorno y los colores intensos dan a las personas espacio para la imaginación. En las pinturas de Jiao Junyan podemos ver sueños, melancolía e incluso esperanza.
Sus pinturas son llamativas. Tienen la atmósfera del arte pop de los 80 y los colores de las pinturas japonesas. El estilo de color del impresionismo es asombroso y es un estilo retro. (ligneClaire). Jiao Cha es conocido como la primera persona en promover este estilo en ilustraciones bidimensionales.
Este estilo de pintura tiene líneas claras y potentes, sin líneas de sombra y con poco contraste.
Este estilo es un típico estilo de cómic escolar franco-belga, el significado original es: líneas claras laligne Claire.
Los ilustradores modernos representados por Jiaocha han realizado mejoras basadas en el estilo original: primero, los colores son fuertes, las líneas sólidas son delicadas, los bloques de color son obvios y la imagen general tiene una sensación de ensueño. Primero, los colores son fuertes, las líneas sólidas son delicadas, los bloques de color son obvios y la imagen general tiene una sensación de ensueño. El segundo es aumentar el efecto de luces y sombras de la imagen, eliminar el color de fondo y el negro como color de sombra, y usar un color más brillante como color de sombra, es decir, "iluminar la sombra". Bajo el efecto "iluminar sombra", el efecto de profundidad de campo causado por las sombras se debilita, la imagen completa es más plana, clara y limpia, e incluso hay legibilidad en la estructura de la imagen.
Lo lamentable es que tal estilo de pintura y una figura destacada de tal época falleciera debido a un accidente cuando estaba en su mejor momento a la edad de 25 años.
El 15 de enero de 2021, la familia del pintor Jiao Cha publicó un obituario a través del Weibo de Jiao Cha, diciendo que Jiao Cha murió en un accidente laboral en junio de 2020.
El día que se publicó la noticia, muchos dolientes volvieron a publicar pinturas y escribieron artículos de condolencias en Weibo. O se sintieron conmovidos por las pinturas de Jiao Cha o sintieron pena por la caída de un hombre tan talentoso. Lo único bueno es que todavía hay muchas personas que lo recuerdan a él y a sus pinturas. ¿Cuáles son los estilos artísticos de ilustración comunes en el diseño de ropa? ¿Puedes presentarlo en detalle?
1. Estilo pop
El arte de la ilustración de estilo pop apareció y se hizo popular en las décadas de 1920 y 1950. Formó principalmente la cultura popular a través de la creación de un nuevo estilo artístico integrado. arte comercial. Al mismo tiempo, las imágenes de dibujos animados relativamente exageradas, las impresiones de los periódicos, los eslóganes humorísticos y las combinaciones pornográficas del estilo pop constituyen las características únicas del estilo pop, y el estilo del arte pop es muy fuerte [3]. Andy Warhol fue una de las figuras que más aportes hizo a la expansión del estilo pop en el campo del diseño de moda. Fue pionero en el uso del papel, el plástico y el cuero artificial como materiales base para la confección de ropa, y contenía ideas subversivas. En sus ilustraciones, el concepto de diseño tradicional tiene características distintivas como colores brillantes, conceptos de diseño vanguardistas y opciones de colores atrevidos. Hasta ahora, las ilustraciones de estilo pop aún conservan muchas similitudes con Andy Warhol.
2. Estilo abstracto
Por lo general, las obras de estilo abstracto generalmente utilizan puntos geométricos, líneas, círculos, triángulos y cuadrados como cuerpo principal para la creación en profundidad. características.
Mondrian fue una de las figuras más exitosas del estilo abstracto temprano. Su estilo abstracto era único y se centraba en el uso de varios patrones rectangulares como contenido de ilustración. Esta forma de arte de ilustración tuvo una profunda influencia en el estilo abstracto. Tomemos como ejemplo la obra "Rojo, amarillo y azul" del famoso maestro francés del diseño de moda de estilo abstracto. Esta obra está inspirada en el estilo abstracto de Mondrian y utiliza una variedad de colores, líneas, triángulos y rectángulos para brindarle a la audiencia una sensación. experiencia única de apreciación del arte y brinda a las obras una fuerte sensación de impacto visual y novedad.
3. Estilo figurativo
El estilo figurativo se diferencia de los dos estilos anteriores. Sus características gráficas son generalmente realistas y realistas. Además, la expresión de líneas en obras de estilo figurativo es relativamente directa, y se pueden realizar generalizaciones, exageraciones y deformaciones decorativas, realzando así el sentido del color de la obra y resaltando la simplicidad y delicadeza de la obra. Tomemos como ejemplo a la famosa diseñadora de moda italiana Muscia Prada. Tiene la capacidad de utilizar ilustraciones directamente en la creación de diseños de moda. Puede incluir ilustraciones en trabajos de diseño de moda. Sus trabajos se centran en la formación de personajes, son meticulosos y resaltan los trabajos. La sensación de color y hermosura[4]. Además, las líneas del estilo figurativo son relativamente libres de mostrar, lo que puede brindarle a la audiencia una experiencia psicológicamente onírica, especialmente en el diseño de ropa, puede mejorar efectivamente la sofisticación del trabajo de diseño y darle una belleza inteligente.