¿Cuál es el caso del Papa?
El desarrollo de la cultura pop británica y el diseño popular
Si desea utilizar un sustantivo para describir el estilo de diseño del 1960, probablemente debería ser "Pop", que proviene de la palabra inglesa "popular". Pero cuando está estrechamente relacionado con la cultura, el arte, el pensamiento y el diseño de la década de 1960, no sólo se refiere a la cultura que disfruta el público, sino que también significa rebelión contra la ortodoxia, que es la característica más importante de esta época. Entre los países occidentales, el Reino Unido es la expresión más concentrada del estilo de diseño "Pop".
Lo que hay que dejar claro aquí es la diferencia de significado entre "popular" y "popular". Mucha gente piensa que el "pop" se originó a partir de la popularización, por lo que la cultura "pop" y el arte "pop" son cultura popular y arte popular. De hecho, la cultura pop es cultura popular y la cultura "pop" es simplemente cultura intelectual. Algunas formas de cultura popular. El movimiento "pop" es un movimiento intelectual típico. Algunos de sus contenidos, como las formas de arte y diseño, son populares entre los jóvenes, pero esto no puede cambiar su base ideológica y su postura intelectual contracultural de la élite. Richard Haoilton, uno de los representantes más importantes del arte "pop" británico, destacó repetidamente esta diferencia en una entrevista televisiva con el crítico estadounidense Robert Hughes.
El diseño “Pop” británico tiene un rasgo muy distintivo en este movimiento. Aunque el Reino Unido va a la zaga de otros países desarrollados en el movimiento de diseño moderno, sus características de vanguardia en el movimiento de diseño "Pop" han atraído la atención de países de todo el mundo y también han influido en el desarrollo del diseño de otros países.
Aunque el diseño británico quedó muy por detrás del nivel avanzado internacional debido a errores políticos en la década de 1950, y perdió casi por completo su estatus y papel pionero cuando se lanzó el movimiento "Arts and Crafts" a mediados del siglo XIX. , en la década de 1960 Durante el movimiento "Pop", el diseño británico logró grandes logros. Especialmente en el diseño de productos de consumo para el mercado interno, se han producido avances muy evidentes que han atraído la atención de países de todo el mundo.
Alguna vez el Reino Unido esperó alcanzar el movimiento modernista entre las dos guerras mundiales a través de esfuerzos nacionales, porque cuando Alemania, los Países Bajos, Rusia y los Estados Unidos estaban desarrollando el diseño modernista a un ritmo rápido, El Reino Unido básicamente lo ignoró y básicamente no ha entrado en la etapa verdaderamente moderna. Desde una perspectiva psicológica, esto es natural. Con la esperanza de no quedarse atrás de los países avanzados, el camino pasa por las etapas del movimiento de diseño modernista. Aunque lleva 10 años más tarde que otros, parece que todavía hay tiempo para ponerse al día. Los británicos defienden el "buen diseño". Los alemanes lo propusieron ya a principios del siglo XX, pero no fue hasta el final de la Segunda Guerra Mundial que los británicos lo propusieron. Por lo tanto, desde la perspectiva de la comunidad de diseño de los países occidentales, el diseño británico lleva 30 años de retraso y está realmente atrasado. También es muy difícil para los propios británicos alcanzar los estándares de diseño modernistas de Alemania, Estados Unidos, Italia, Países Bajos y Escandinavia. El movimiento "Pop", con la cultura antiunificación como núcleo, dio a los diseñadores británicos un atajo para evitar la etapa del modernismo.
Uno de los cambios más significativos en el diseño británico en la década de 1960 fue la interrupción de los esfuerzos por reiniciar el movimiento de diseño modernista. Más bien, abrió un nuevo camino de diseño basado en las especiales condiciones nacionales e internacionales de la época, las condiciones del mercado y las necesidades de los consumidores, y la nueva atmósfera en el mundo cultural de la época. Aunque el diseño modernista tiene las características de centrarse en las buenas funciones, enfatizar la racionalidad y prestar atención a los objetos de servicio, es un hecho obvio que el estilo es monótono, frío y carente de toque humano. Para la generación más joven nacida después de la guerra, este estilo ya es la encarnación de ideas obsoletas. La nueva generación de consumidores espera tener su propio estilo de diseño para representar nuevos conceptos de consumo, un nuevo posicionamiento de identidad cultural y nuevos centros de autoexpresión. La indiferencia, la falta de objetividad y la alta racionalidad del diseño modernista son obviamente contrarias a sus exigencias. El diseño modesto durante la guerra se debió a la falta de placas de material y a la monotonía de los colores durante la guerra, así como a la atmósfera general antes y después de la guerra. Los nuevos consumidores de hoy, especialmente los adolescentes y las mujeres profesionales, quieren expresar sus estilos favoritos, nuevos y contemporáneos. Los colores deben ser atrevidos y fuertes, y los estilos de diseño deben romper con el antiguo marco de estilo. Sólo así el diseño podrá servir a nuevas sociedades y nuevos mercados.
Sólo así los diseños británicos e incluso europeos podrán competir con el estilo de diseño internacionalista defendido por los autoritarios Estados Unidos y formar su propio estilo de diseño nacional contemporáneo en lugar de seguir el diseño internacionalista defendido por los estadounidenses. De lo contrario, el diseño británico no puede tener sus propias perspectivas de desarrollo y futuro reales. Esta comprensión era muy común en la comunidad de diseño británica de la época, especialmente entre los diseñadores jóvenes. Por tanto, el diseño británico inició una fase completamente diferente, la fase de diseño "Pop".
En esencia, el movimiento de diseño "Pop" es un movimiento de diseño antimodernista, y su propósito es oponerse a la tradición del diseño modernista centrada en la Bauhaus en Alemania desde la década de 1920. Las raíces de esta idea de movimiento en realidad provienen de la cultura popular estadounidense. En aquella época, los adolescentes británicos se inspiraban en la cultura pop estadounidense, incluidas las películas de Hollywood, la música rock, la cultura de consumo, etc. Creen que la cultura de consumo y la cultura pop estadounidenses están en consonancia con sus propios gustos, y que la cultura pop es la mejor manera de contrarrestar el estilo internacionalista promovido por la comunidad de diseño estadounidense dominante. Por tanto, la comunidad de diseño británica respondió a las necesidades psicológicas de la juventud británica y lanzó este movimiento. El culto a la materia seca en la cultura popular estadounidense y la constante aparición de diversos productos nuevos resultaron muy atractivos para los británicos en el período de escasez de posguerra. Los jóvenes británicos prefieren la música pop estadounidense. Se hacen llamar Eggman. Los diseñadores británicos se dieron cuenta de esta necesidad y diseñaron nuevos productos y nuevos diseños gráficos que iban en contra del estilo internacionalista dominante, el racionalismo y el reduccionismo de la época, dando lugar así al movimiento de diseño "Pop".
El movimiento "Pop" británico se desarrolló bajo la influencia del movimiento "Pop" en la creación artística. El movimiento del arte "pop" apareció por primera vez en una serie de organizaciones independientes entre cuyos miembros se encontraban artistas, críticos, arquitectos y diseñadores. La primera organización "pop" del Reino Unido se formó a mediados de la década de 1950, con miembros como Richard Hamilton, Eduardo Poloz, René Banham (Renais Lanham) Tom, 1917-), John McCall, Lawrence Alloway, Alison Smithson (. Se conocieron en el Instituto de Arte Moderno de Londres para estudiar el fenómeno de la cultura popular estadounidense, centrándose en la publicidad estadounidense, el cine estadounidense y el papel clave del estilo del automóvil en la formación de la cultura popular. Banhan planteó la cuestión de la connotación de dinero detrás de lo estadounidense. cultura popular, proponiendo que el estilo del automóvil estadounidense contiene significados simbólicos de sexo y poder. Hamilton utilizó algunos símbolos de la cultura popular estadounidense en 1956. Contenido especial, como retratos de la estrella de cine estadounidense Marilyn Monroe, televisores, grabadoras, carteles populares, muebles estadounidenses. , salas de estar, culturistas, raquetas de tenis y otras fotografías, crearon una película llamada "¿Qué hace que los hogares sean lo que son hoy?". ¿Diferentes, tan atractivos? A través de este collage de fotografías, se representa vívidamente la connotación de la cultura pop estadounidense, que tiene una enorme importancia. impacto en la generación más joven de artistas y diseñadores británicos.
El movimiento "Pop" Al principio, el trabajo de esta organización de arte "Pop" británica se basó básicamente en la creación artística. El arte "pop" se hizo popular y apareció un grupo de nuevos artistas "pop", incluido Hockney: Life in Pictures, Alan Jones, Derek Boscher y Ron Kitaj formaron un segundo grupo independiente que también se centró en la creación de arte "pop". Las motivaciones son diferentes y provienen principalmente de otros aspectos de la cultura popular estadounidense, como los cómics, la ciencia ficción, la publicidad y otros contenidos visualmente más influyentes, que en conjunto reflejan la cara de la cultura popular, es decir, la cara "pop". p>
El arte "pop" británico tuvo rápidamente eco en el diseño. Se puede decir que el Reino Unido es el lugar de nacimiento del diseño "pop", que comenzó en Gran Bretaña y luego influyó en un grupo de jóvenes diseñadores en el modernismo y el internacionalismo. Con el monopolio del estilo de diseño, resistieron activamente con el estilo "Pop", lanzando así este movimiento de diseño. Su mercado objetivo era el mercado de jóvenes adinerados, que también fue visto por la comunidad empresarial británica después de la guerra. El mercado aceptó sus diseños, promovió este nuevo estilo de diseño a través de la producción y las ventas y logró buenos resultados en el mercado.
La mayoría de los principales diseñadores del diseño "pop" británico son estudiantes que se gradúan en escuelas de arte. Dependencia y afinidad con la tradición, incluido el modernismo, y prestan más atención a los hábitos y pasiones de su generación, por lo que están más motivados para romper con los grilletes tradicionales en el diseño de productos, el diseño de moda y el diseño gráfico. avance, creando así el estilo de diseño "Pop" en estas tres áreas básicas.
El diseño de productos británico "Pop", el diseño de ropa "Pop" y el diseño gráfico "Pop" son todos muy distintivos. La dirección de los esfuerzos de estos diseñadores es encontrar sus propias características de símbolos visuales, encontrar su propio estilo, encontrar su propia generación y mostrar claramente que están en la posición de sus padres. Como resultado, surgieron todo tipo de formas extrañas de productos, varias decoraciones de superficies especiales, diseños de patrones muy especiales y conceptos de diseño poco convencionales, y estuvo realmente animado por un tiempo. Pero debido a que fue principalmente la catarsis de la juventud, fue animada, pero rápidamente desapareció sin dejar rastro. Como dijo Ban Han: El impulso es fuerte, pero el poder sostenido es débil.
El diseño “Pop” británico enfatiza principalmente la decoración de patrones. Muchos patrones se tomaron prestados directamente del arte "pop" de la época, como los patrones tomados de las pinturas de Jasper Johns, Victor Vasari y Bridget Riley, para decorar la superficie de los diseños. Las principales fuentes de motivación para el diseño de productos son la tecnología aeroespacial y la inocencia de los niños. Por ejemplo, la cocina está diseñada para parecerse al espacio interior de una nave espacial, mientras que la ropa de mujer está diseñada para imitar la ropa de los astronautas (el traje foi 1 plateado de André Courreges), o la ropa de mujer está diseñada para parecerse a la ropa de un niña (Vestido de niña de Mary Quint). De hecho, estos propios diseñadores "pop" británicos fueron los portavoces positivos y optimistas de esa era rica. A través de sus trabajos de diseño, reflejaron esta nueva y emocionante era de abundancia material, esta era joven.
El diseño “Pop” británico se refleja principalmente en el diseño de ropa, diseño de mobiliario, diseño de interiores y diseño gráfico. Entre ellos, el diseño de ropa es el más destacado. El diseño de moda es también el primer movimiento del diseño "pop" británico. Su principal característica es que se centra en la moda de los adolescentes, en lugar de la ropa convencional de la generación de mediana edad. Su mercado objetivo no es sólo la parte alta de unas pocas personas poderosas, sino también el mercado de masas en general. Los diseñadores más importantes incluyen a Mary Kwant, Marion Faure, Sally Thelin, Ossie Clark y otros.
El diseño de ropa es la expresión más concentrada de la cultura "popular". A través de sus diseños, estos diseñadores dan un nuevo significado a la ropa, lo que indica claramente las características que quieren enfatizar en términos de materiales y patrones. Su ropa es una nueva declaración para este grupo de adolescentes de esta época, y es muy característica de la época. Este libro no trata principalmente sobre diseño de moda, por lo que no lo discutiré en detalle.
Los muebles “Pop” británicos también son muy distintivos. En comparación con el campo del diseño de ropa, es más difícil para el campo del diseño de muebles deshacerse por completo de la influencia o las cadenas de los estilos de muebles tradicionales. Debido a que los muebles tienen características duraderas y están más estrechamente relacionados con los estilos tradicionales, no es fácil. para reformar completamente. Durante mucho tiempo, a excepción del modernismo y el internacionalismo, el diseño de muebles es una revolución integral y una ruptura total de la tradición, y otros diseños de muebles todavía tienen una fuerte influencia tradicional. Los muebles en la década de 1950 eran modernismo o eclecticismo, y no parecía haber otra manera de desarrollarse.
Pero a mediados de la década de 1960, el diseño de muebles británico finalmente apareció en el estilo "Pop", rompiendo por completo la tradición y rompiendo los grilletes del modernismo y el internacionalismo. Los muebles británicos "de moda" se promocionaron principalmente a través de la tienda minorista de muebles Habitat de Terence Conlon. Su tienda de muebles se abrió originalmente en 1964. Posteriormente, debido al éxito del negocio, poco a poco se convirtió en un centro profesional especializado en la venta de muebles y artículos para el hogar baratos, coloridos y especialmente diseñados, dirigido a adolescentes. Los muebles y suministros aquí son de colores simples, pero coloridos y de formas simples. Aquí también se venden cerámicas y joyas económicas, muchas de las cuales son importadas de países escandinavos. Debido a su distintivo estilo "Pop", es muy querido por los adolescentes y su negocio está en auge.
Además de "Habitat", también hay algunos diseñadores individuales en el Reino Unido que se dedican a explorar el diseño de muebles de estilo "Pop". Uno de ellos es Peter Mudosh, quien diseñó una silla de papel decorada con letras inglesas (en realidad hecha de tablero de fibra, pero mediante tecnología de laminación para que parezca un producto de papel), con dos características “populares” baratas y expresivas. Otros diseñadores similares incluyen a Max Clendenning, con sus muebles tipo rompecabezas, y Roger Dean, con sus sillas inflables. Todos estos diseños tienen las características de los juegos, colores brillantes, formas especiales y, a menudo, tienen características psicológicas cínicas de los adolescentes. Su mensaje es claro: en una civilización de cultura popular y nuevos materiales desechables, el funcionalismo ya no es la consideración principal en el diseño.
Los diseñadores deberían prestar más atención a las necesidades de los segmentos del mercado y tratar de satisfacer las necesidades psicológicas de los consumidores, en lugar de simplemente crear muebles funcionales clásicos, duraderos y completamente funcionales. Este fenómeno cultural "popular" no sólo fue muy apreciado por los jóvenes del Reino Unido y de los países europeos en los años 1960, sino que, al mismo tiempo, incluso las instituciones formales de diseño británicas, como la Asociación Británica de Diseño, tuvieron que afrontarlo porque era No sólo una minoría de jóvenes. La exploración personal de los intelectuales, el "pop", se ha convertido en un fenómeno cultural, comercial y económico.
El movimiento "Pop" perseguía propósitos novedosos, excéntricos y novedosos, pero carecía de una base social y cultural sólida por lo que, aunque fue intenso, desapareció rápidamente. Desde mediados de la década de 1960, los esfuerzos del diseño "pop" por encontrar la motivación del diseño en la novedad se han agotado, y es difícil encontrar estilos más excéntricos para sostener el desarrollo de este movimiento. Por tanto, existe una situación de búsqueda de referencias en los estilos históricos. En cuanto a las fuentes de referencias de diseño en la comunidad de diseño británica, hay dos estilos principales de los que se extraen: uno es el estilo victoriano que durante mucho tiempo ha sido criticado como vulgar y pretencioso por la comunidad de diseño, y el otro es el estilo británico "Arts and Estilo de movimiento "crafts" que surgió a mediados del siglo XIX. Este es un cambio muy extraño, porque la "popularidad" original se basaba en hacer alarde y negar la tradición. Qué irónico acabar recurriendo a la historia en busca de referencias estilísticas. También muestra cuán débil y poco confiable es explorar el desarrollo puramente desde una perspectiva formal.
El diseño de moda, especialmente los patrones de moda, aparecieron por primera vez en este renacimiento. A finales de la década de 1960, muchas prendas "de moda" comenzaron a adoptar estilos de la época victoriana. Posteriormente, el estilo victoriano apareció como motivo decorativo en superficies de muebles, cortinas, manteles y otros elementos. Con el tiempo, el diseño "pop" en Gran Bretaña adoptó no sólo los estilos victoriano y Arts and Crafts, sino también los estilos eduardiano y Art Nouveau. Un movimiento centrado en la oposición a la tradición, un movimiento que hace alarde del estilo juvenil y, finalmente, una mezcolanza de estilos históricos. Se puede decir que este movimiento ha llegado a su fin.
Este fenómeno retro en el movimiento de diseño "Pop" británico se refleja principalmente en el diseño de carteles, diseño de portadas de discos, diseño de tiendas, diseño de escaparates y otros campos que utilizan el diseño gráfico. Entre los diseñadores más importantes se encontraban Martin Sharp White y otros, quienes simplemente adoptaron como referencia el estilo decorativo del movimiento Art Nouveau, especialmente los dos pintores principales del movimiento Art Nouveau y el estilo de ilustración de Aubrey Beardsey. Además, también sacaron muchas referencias de Oriente, especialmente de las religiones orientales (como el budismo). Su diseño gráfico de esta época tiene una característica muy extraña, una característica retro de la generación joven poco después de la guerra. Esta tendencia del diseño retro se extendió rápidamente a Estados Unidos y Francia. En Francia, cuando surgió este estilo "popular" y retro heredado de Gran Bretaña, los franceses inmediatamente le dieron un nuevo nombre "estilo retro". Este estilo retro duró en el Reino Unido hasta la década de 1970, más tiempo que el auténtico "pop" temprano.
Además del estilo retro, el diseño "Pop" británico fue influenciado más tarde por él. El diseño "Pop" de Estados Unidos, Francia y otros países también mostró un renacimiento de la artesanía tradicional. Como el amor por los muebles escandinavos, ya sean muebles, joyas, diseño textil, diseño de ropa, diseño de orfebrería, etc. , es lograr el propósito de las características de la artesanía mediante el diseño y la producción manuales o imitando la artesanía tanto como sea posible. Básicamente repite el trabajo realizado por el movimiento británico “Arts and Crafts” y el movimiento europeo y americano “Art Nouveau” desde mediados del siglo XIX. Esto es muy especial en una era en la que la tecnología aeroespacial está muy desarrollada y la tecnología electrónica cambia cada día que pasa. También fue una reacción a la "moda" de principios de los años cincuenta.
Desde finales de la década de 1960, han aparecido algunos fenómenos en el movimiento de diseño "Pop" británico, que han hecho que sus características de estilo sean cambiantes y sea difícil determinar su estilo unificado. Se puede decir que el diseño "pop" británico tiene varias características eclécticas, pero también tiene una base unificada: es una reacción contra el modernismo ortodoxo y el diseño internacionalista. En esta perspectiva y postura, todos los diseñadores que pertenecen a este movimiento son básicamente iguales.
El movimiento de diseño "Pop" es una tendencia de diseño formalista. Sus antecedentes están estrechamente relacionados con la cada vez más cambiante "sociedad opulenta" occidental, el mercado de consumo juvenil y la postura rebelde, especialmente hacia el diseño modernista y el internacionalismo. La aversión al diseño está estrechamente relacionada. Precisamente porque este movimiento fue explorado básicamente en el círculo del formalismo y no tiene una base ideológica más profunda. Por lo tanto, su propia forma cambia constantemente y nunca podrá convertirse en un movimiento de diseño unificado.
Proponer el concepto de ética del diseño
Durante este período, en la ruidosa ola del movimiento de diseño "Pop", algunas personas comenzaron a plantear seriamente la cuestión del "propósito del diseño" desde La perspectiva de la teoría del diseño. Este es un punto de partida muy importante para la ética del diseño moderno y la teoría del propósito del diseño moderno. Es precisamente gracias a este punto de partida que la futura teoría del diseño se desarrollará más profundamente.
Quien planteó este tema es el teórico del diseño estadounidense Victor Papanek. A finales de la década de 1960 publicó su libro más famoso, Designing for the Real World, en el que proponía su nueva visión del propósito del diseño. El teórico planteó claramente tres cuestiones principales en este controvertido libro de la época:
l) El diseño debe servir a las masas populares, no a unos pocos países ricos. Aquí, enfatizó particularmente que el diseño debe servir a la gente del tercer mundo;
2) El diseño no sólo debe servir a las personas sanas, sino también considerar servir a las personas discapacitadas;
3) Diseño Debemos considerar seriamente el uso de los recursos limitados de la Tierra, y el diseño debe servir para proteger los recursos limitados de la Tierra donde vivimos.
Sus puntos de vista teóricos protegen factores importantes que han sido ignorados desde el surgimiento del diseño moderno. Por primera vez el diseño debía considerarse desde un punto de vista internacionalista y servir a los pueblos de los países del tercer mundo. También fue la primera vez que se planteó explícitamente la cuestión del diseño para personas con discapacidades; y lo que es más importante, planteó la cuestión de considerar los recursos limitados de la Tierra en el diseño. En ese momento, pocas personas entendieron esto, pero desde el inicio de la crisis energética mundial a principios de la década de 1970, las opiniones de Babanac sobre los recursos limitados han ganado una aceptación generalizada.
Después de la publicación de este libro, fue inmediatamente traducido a más de una docena de idiomas extranjeros y se convirtió en material de lectura para diseñadores y estudiantes de diseño de todo el mundo. En el clímax de la sociedad de consumo, la sociedad opulenta y el diseño "pop", este libro hizo sonar la alarma con mucha calma a la gente: el propósito del diseño debe ser claro y el diseño debe servir a toda la sociedad. La teoría de Barbanac fue considerada herética por la comunidad de diseño estadounidense. En 1991, él mismo le mencionó al autor de este libro en Los Ángeles: A causa de este libro, fue expulsado de la Sociedad de Diseñadores Industriales de América a finales de los años 1960 debido a sus teorías alarmistas del diseño. En aquel momento, el seccionalismo y el conservadurismo del mundo del diseño estadounidense eran inimaginables. Sin embargo, no hay manera de deshacer el enorme impacto de este libro.
Después de Babanac, cada vez más diseñadores y teóricos del diseño comenzaron a repensar el diseño en sí desde estas perspectivas serias, produciendo muchos resultados muy efectivos. La gente empezó a mirar el diseño escandinavo desde un ángulo diferente y descubrió que este sistema de diseño contenía muchos factores razonables a los que antes no se les había prestado mucha atención. Los diseñadores escandinavos han considerado durante mucho tiempo la protección de los recursos naturales y sus diseños están dirigidos a la sociedad en su conjunto, no sólo a unas pocas personas poderosas. El grupo de diseño sueco Ergonolu itoam comenzó a diseñar vajillas y vajillas para personas con discapacidad ya en los años 60. Estos resultados fueron ampliamente estudiados e investigados después de que Babanac expusiera sus puntos de vista, por lo que el nivel general de diseño ha mejorado y el diseño no es solo un movimiento de formalismo.
La aportación más importante de Barbanac es que propuso el concepto de ética del diseño. El propósito del diseño no es sólo servir a los propósitos funcionales y formales inmediatos. La principal importancia del diseño es que el diseño en sí tiene factores que forman un sistema social. Por lo tanto, las consideraciones de diseño también deben incluir factores de la sociedad a corto y largo plazo. El modernismo propone que el diseño es para el público, pero desde la perspectiva de la ética del diseño contemporáneo, el diseño también debe considerar el propósito del Tercer Mundo, la gente de los países en desarrollo, el equilibrio ecológico y la inclusión de los recursos naturales. Esta consideración profundiza enormemente el nivel del pensamiento de diseño y promueve el desarrollo de conceptos de diseño.
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2007-16/10/20156.