¿Cómo se crea la música electrónica?
Los críticos musicales actuales creen que Stravinsky no creó intencionadamente esta división musical, sino más bien el carnaval, la extravagancia, el fuerte deseo de destrucción, la revolución y la mezcla de visiones del futuro mundo industrial lo convierte casi en una tortura. que algunos compositores sigan las normas del romanticismo clásico en términos de conceptos musicales.
Stravinsky concibió originalmente La consagración de la primavera como una sinfonía y luego la adaptó a un ballet. De hecho, no importa cuál sea su forma, esta obra, que es completamente diferente de las obras clásicas en ritmo y armonía, está destinada a convertirse en uno de los orígenes de la música moderna.
Las creaciones de Stravinsky son multiestilo. La primera etapa tiene un estilo nacional ruso, mostrando preferencia por colores instrumentales inusuales, ritmos feroces, dinámicas duras y entusiasmo. La música del período medio es clara, concisa, sencilla y pertenece al género musical neoclásico. La primera obra de este período fue el ballet "Pulchenella", que se estrenó en la Ópera de París en 1920. El famoso pintor Picasso diseñó la escenografía y el vestuario de la obra. En 1922, el autor cambió la obra por una suite del mismo nombre, que era una mezcla de música del siglo XVIII con la que estaba obsesionado. En el período posterior, el sistema dodecafónico fue criticado, pero en la obra apareció la técnica de creación secuencial fundada por Schoenberg y otros.
Stravinsky: Igor Fedorovich Stravinsky 1882-1971, compositor ruso-estadounidense. Estudió derecho, luego música como aficionado con Rimsky Gorshakov y, finalmente, se convirtió en un verdadero líder del género musical moderno. Stravinsky fue ecléctico en sus creaciones y absorbió constantemente nuevos medios de expresión. Mientras la gente comentaba sobre uno de sus estilos, él pasó a uno nuevo. Muchos logros en la creación en una variedad de estilos y géneros.
La construcción del “sistema dodecafónico”
En comparación con Stravinsky, otro compositor contemporáneo, Arnold Schoenberg, recibió mucha menos atención en su momento. Pero, de hecho, el "sistema de doce tonos" creado por Schoenberg proporcionó un fuerte apoyo teórico y técnico a la música moderna.
El "sistema de doce tonos" también se llama "música secuencial". En pocas palabras, dentro del rango de una octava, los doce tonos incluidos los semitonos son igualmente importantes, por lo que cuando el compositor crea básicamente puede darlos. hasta la escala mayor o menor, siempre y cuando los doce tonos estén dispuestos en un orden determinado en una o varias secuencias.
Puedes imaginar la confusión y la ira de los compositores académicos cuando eran nuevos en la música secuencial, pero la música actual debe rendir homenaje a Schoenberg. Fue el "sistema de doce tonos" el que liberó a la música de ciertas reglas. Aunque este es sólo el primer paso, es el más importante. Aunque pocas personas siguen a Schoenberg, la "Nueva Escuela de Música de Viena", fundada por el propio Schoenberg y sus alumnos Weiborn y Berger, tuvo una profunda influencia en los músicos de vanguardia posteriores. Después de un período de "neoclasicismo", Stravinsky naturalmente recurrió a la música secuencial. No se puede decir que fue sólo una elección accidental.
Schoenberg: Nacido en Viena en 1874, fallecido en Los Ángeles en 1951. Fue casi autodidacta. Es el fundador de la música atonal. Sus primeras obras representativas: "Noche de paz" (1899) y "Canción de cenizas" (1903) son románticas e impresionistas. En 1908 compuso tres piezas para piano, que fueron el comienzo del sistema dodecafónico.
Quédate fuera y a la mierda su música electrónica.
Por otro lado, quizás antes, algunos científicos quedaron fascinados por el uso de la electricidad, y se inventaron diversos aparatos eléctricos que en aquel momento parecían imposibles de aplicar a la vida real. Estos inventores pronto se dieron cuenta de que el principio de las ondas de radio es en realidad similar al de las ondas sonoras, que son vibraciones de frecuencia.
Cuando la frecuencia generada por la vibración actual aparece dentro del rango audible del oído humano, se convierte en un sonido que podemos escuchar. En términos generales, la gente llama a este sonido ruido eléctrico, que parece no tener nada que ver con la música. Incluso la mayoría de los médicos creen que el ruido eléctrico puede causar daños neurológicos y hacer que las personas cometan locuras.
Sin embargo, algunas personas todavía están obsesionadas con este sonido del futuro. El teléfono inventado por Bell en 1876 y el fonógrafo inventado por Edison en 1877 pueden considerarse como un uso razonable de la corriente eléctrica. La música encontró por primera vez un portador popular a través del gramófono, que era completamente diferente a estar sentado en una sala de conciertos o leyendo. partituras en casa. A diferencia del teléfono y el fonógrafo, hacia 1922 un joven científico ruso, León Trimin, inventó una máquina.
Sin embargo, está lejos de ser universal. Es una máquina que utiliza cambios en la forma de onda del campo sonoro para controlar el sonido, es decir, utiliza el cambio de fase del cuerpo del jugador entre dos antenas metálicas para emitir los sonidos correspondientes. Llamó a la máquina Thereminvox y luego simplemente la llamó "TriMing" en su honor. Trimin está convencido de que la electrónica desempeñará en el futuro un papel muy importante en la gran sociedad socialista soviética. Su idea era correcta, pero su gran sueño realmente se hizo realidad en los Estados Unidos después de que emigró a los Estados Unidos.
Probablemente fue hacia 1927 cuando esta máquina se introdujo por primera vez en la sociedad y la música popular americana. Fue una época de gran desarrollo para el jazz estadounidense. Aunque Trimin fue comprado inmediatamente por RCA Records y produjo en masa 500 sets, este "instrumento" confundió a mucha gente en ese momento, especialmente a los músicos de jazz que enfatizaban las habilidades para tocar instrumentos en ese momento. Esto no les parece en absoluto. Muchos músicos piensan que es sólo otro juguete caro. Aunque Trimming había dado un concierto electrónico extremadamente avanzado en el Carnegie Hall en la década de 1930, todavía causó poca respuesta en la industria musical. Pero en la industria cinematográfica, Trimming recibió mucha respuesta y a menudo se usó en las bandas sonoras de fondo de muchos thrillers y películas de espías posteriores. Sólo más tarde los músicos electrónicos reconocieron el valor del off-edge y comenzaron a utilizarlo ampliamente, tal vez incluso demasiado.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la tecnología dio origen al arte "sonido".
La Segunda Guerra Mundial destrozó no sólo la estructura de Europa y del mundo entero, sino también el anhelo de la gente por un mundo mejor. Hasta cierto punto, esta guerra destruyó por completo una lenta y antigua pastoral clásica en los corazones de las personas, cortando la conexión entre el futuro y el pasado. El mundo de la posguerra avanza hacia la sociedad moderna a un ritmo acelerado y este cambio se reflejará inevitablemente en el arte y la música.
Quizás el músico más importante de la posguerra fue John Cage. Aunque algunas personas todavía se burlan de él hoy en día, incluso aquellos que lo desprecian tienen que admitir que sin Cage, el rostro de la música moderna probablemente sería completamente diferente de lo que es hoy. Comparado con otros músicos, Cage era más un orador y un filósofo. Si bien su propio trabajo fue persuasivo, parecía que sus conferencias sobre música tuvieron un mayor impacto en las masas.
A partir de los discursos de Cage en diferentes épocas, la gente descubrió gradualmente que la palabra "música" fue reemplazada gradualmente por "sonido". Estos discursos transmitieron una nueva actitud de aprecio. "Los nuevos sonidos requieren nuevas formas de escuchar. No intentes comprender, pero presta atención a la actividad del sonido". Sin embargo, no es fácil cambiar completamente los hábitos de apreciación heredados de la música clásica de la noche a la mañana, especialmente para el público oriental de Cage. la meditación es aún más difícil.
Quizás para estimular a la crítica y al público que lo criticaron, Cage fue cada vez más lejos en el camino de la experimentación. La mayoría de sus contenidos están más allá del alcance de la aceptación del público actual, como agregar un piano y. lanzar monedas para componer música, etc. Quizás sea precisamente porque Cage encuentra tan poca influencia de la tradición musical occidental en su música que su influencia en esta tradición musical es tan importante.
Aunque Cage grabó uno de los primeros trabajos de música electrónica, "Imaginary Landscape No. 1" en 1939, este método de grabar el sonido actual generado por un oscilador de válvulas en un disco de baquelita de 78 rpm es demasiado caro y complicado.
En términos generales, músicos como Varese, Russolo y Schillinger tienden a registrar sus ideas, pero llevarlas a cabo es otra cuestión. Eso no cambiaría hasta que estuvieran disponibles nuevos equipos de grabación.
El experimentalista musical John Cage John Cage (1912-1992) abandonó las técnicas tradicionales de interpretación y composición. Es mejor conocido como un pionero del "calibración", la práctica de colocar varios objetos sobre o entre las cuerdas de un piano tradicional para alterar el sonido y el timbre originales. Cage estudió la música de oportunidad y la música electrónica, y su obra más famosa es "4 Minutes and 33 Seconds", una pieza musical muda sin precedentes con una pausa de 4 minutos y 33 segundos, estableciendo un récord mundial de pausa más larga. ?
El nacimiento de la grabadora
Evidentemente, la cinta, como soporte musical, es completamente diferente de las partituras y discos de baquelita anteriores. La operación es simple y conveniente y, lo más importante, es muy fácil cambiar y procesar el sonido grabado en la cinta. Por tanto, la aparición de las grabadoras despertó inmediatamente el interés de los músicos. Este es un ejemplo vivo de cómo los medios cambian la música.
En la década de 1950, las grabadoras cada vez más sofisticadas cambiaron por completo la forma en que se tocaba la música de vanguardia. Esta revolución cuasi musical se atribuye a dos ingenieros de sonido franceses, Pierre Schaefer y Pierre Henri.
En los años 40, Schaeffer y Pierre trabajaron como colegas en los estudios de la Compañía Nacional de Radiodifusión de Francia, pero en realidad sus obras y la música electrónica tomaron caminos completamente opuestos. Los sonidos grabados en las cintas no provienen de instrumentos electrónicos, sino que se toman directamente de la vida real. Luego, los músicos utilizan las funciones únicas de la grabadora para realizar procesamientos técnicos en estos sonidos, como cambiar la velocidad, invertir, cortar y superponer pistas. , etc. Debido a que todos los sonidos que contiene son sonidos reales, este tipo de música se llama "música concreta" o "música concreta".
En 1949, Pierre Schaefer escribió su primera obra exitosa "One Man's Symphony". Desde entonces ha colaborado con otros músicos de vanguardia, como Varese, Meissen y Stockhausen. Estos hicieron grandes contribuciones a la música electrónica posterior, pero poca gente los conoce.
Aunque el grupo de investigación del sonido dirigido por Pierre Sheffield y Pierre Henri evitó cuidadosamente el inmaduro campo de la música electrónica, otros compositores de su época naturalmente combinaron estos dos métodos producen un efecto auditivo muy similar. También en 1949, ingenieros estadounidenses fabricaron el primer codificador de voz, también conocido como "cambiador de voz", que luego se envió a la Sociedad de Fonética en Bonn, Alemania.
Lo especial de esta máquina es que puede aportar efectos electrónicos únicos al sonido natural. "Voice Changer" despertó inmediatamente el gran interés del productor de radio de Colonia, Robert Beyer. Al año siguiente, Beyer fundó un laboratorio de música electrónica basado en esta máquina, que más tarde se convirtió en un importante bastión de la música electrónica antigua alemana y donde trabajó Stockhausen. Gracias al esfuerzo de este laboratorio, la música concreta, o la música experimental y la música de vanguardia finalmente comenzaron a tener un sabor eléctrico.
Cambios en la música jazz y rock
Solo una pequeña parte de la música jazz y rock puede considerarse música moderna, pero incluso una parte tan pequeña tiene una gran influencia en el jazz y el rock. música, esta influencia fue incluso decisiva en el jazz.
En la mayoría de los casos, la música moderna no aparece en una sola forma, pero en cualquier caso, todos los tipos de música que se pueden llamar música moderna tienen algunas características comunes, como la función armónica Destrucción, como inestable ritmo o ningún ritmo, como el uso del ruido en un sentido general, como la redefinición de la función de los instrumentos vocales. Desde estas perspectivas, sólo una pequeña parte del jazz y del rock puede considerarse música moderna, pero incluso esta pequeña parte ha tenido una enorme influencia en el jazz y el rock, y esta influencia es incluso decisiva en el jazz.
Desde la década de 1950, un grupo de músicos de jazz ha decidido reformar el jazz tradicional.
Desde Charlie Parker y Charles Mingus hasta Ernie Coleman y Sun Ra, el jazz ha evolucionado desde una música negra tradicional tocada en bares de honky tonk hasta una música experimental radical. Este cambio es ciertamente intrigante, pero no es repentino. La música negra siempre ha tenido una tendencia a romper moldes.
Desde que se separó de la música clásica, la música de vanguardia ha estado buscando formas musicales que puedan aportar vitalidad a sí misma. Los músicos de todo el mundo están cada vez más interesados en la música folclórica. De repente descubrieron que los sonidos producidos por aquellos sencillos instrumentos caseros y las estructuras compuestas por estos sonidos representaban completamente la modernidad de la música.
En el campo de la música rock, el disco de los Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Souls Club" grabado en 1967 convirtió a estos cuatro chicos de cantantes pop en músicos serios. En este disco, el productor George Martin hizo pleno uso de las técnicas de procesamiento de cintas transmitidas por Pierre Sheffield y Pierre Henri. Todo aquel que escuche este disco quedará sorprendido por el muro de sonido y los efectos impredecibles. Sabes, esta todavía era la era de las canciones pop de amor de tres minutos.
Por supuesto, los músicos de rock posteriores fueron más lejos que los Beatles. Por ejemplo, el movimiento "No Wave" en Nueva York en la década de 1980 sacudió fundamentalmente los cimientos de la música rock, pero no se pueden ignorar los factores tecnológicos. Al igual que los músicos experimentales de la década de 1950, el surgimiento y la popularización de nuevos medios también están cambiando la faz de la música. En el pasado, los músicos necesitaban tijeras y pegamento para completar cuidadosamente el trabajo, pero ahora puede hacerlo una sola persona moviendo el mouse de una computadora. Los cambios en los métodos de grabación han cambiado la música misma, y los músicos electrónicos modernos han aprovechado hábilmente los logros dejados por sus predecesores.
El rápido desarrollo de la música electrónica en los años 90.
Desde la explosión de la música electrónica a mediados de la década de 1990, casi toda la música tiene un sabor electrónico, e incluso la música del mundo se ha convertido en un material de la música electrónica y se utiliza con frecuencia. Sin embargo, también trae algunos problemas. Cuando los músicos se enfrentan a más posibilidades, la música se convierte más en una elección que en una creación, y esas elecciones siempre van acompañadas de algún tipo de tendencia desbordante.
De hecho, la música moderna se ha basado en un concepto que rompía con el clasicismo desde sus inicios, sobre este concepto también ha seguido el desarrollo de la tecnología o los equipos. Y el futuro de la música en su conjunto probablemente esté estrechamente relacionado con los cambios y el desarrollo de la tecnología. Al menos por ahora, los cambios en las técnicas de composición de los músicos no tendrán un impacto decisivo en el futuro de la música. La verdadera clave es la tecnología.
Sin embargo, aunque la tecnología juega un papel importante en ello, las obras que realmente pueden conmover a las personas son las emociones profundas que provienen directamente del corazón y se expresan en un lenguaje claro. En otras palabras, la música electrónica humanizada no es un lujo ni una estrategia de promoción de la música electrónica popular. De hecho, debemos entender que ya sea Stravinsky, Schoenberg o John Cage, o los primeros músicos que utilizaron equipos electrónicos para crear música, todos creen que las emociones humanas pueden destruir la estructura de la música y destruirla. Se transmite la experiencia auditiva y el sonido producido por la corriente eléctrica.