¿Qué es pintar?
2. Estilo: No sé qué época y estilo de pintura del pintor quieres saber, porque cada pintor tiene su propio estilo único en cada época. En términos generales, China tiene muchos tipos de pinturas tradicionales chinas desde la antigüedad hasta el presente, así como pinturas al óleo occidentales. ¿Qué quieres saber?
Estilo artístico
También conocido como estilo Segundo Imperio o estilo Barroco Segundo Imperio.
Este estilo arquitectónico se desarrolló en la Escuela de Bellas Artes de París. Este estilo tomó la posición de liderazgo mundial a finales del siglo XIX y pronto se convirtió en el estilo oficial de nuevos edificios públicos para ciudades y gobiernos en expansión en varios países. Este estilo se caracteriza por la grandeza arquitectónica con una distribución axialmente simétrica de las habitaciones, amplios detalles decorativos clásicos y, a menudo, pabellones salientes en los extremos o en el centro del edificio. La Ópera de París es el representante más destacado del estilo artístico.
El estilo y género artístico son fenómenos artísticos formados naturalmente por el autor en su creación artística a largo plazo. Nuestra comprensión de la naturaleza y características de este fenómeno es propicia para apreciar y analizar obras.
Cuando apreciamos varias obras de arte, a menudo sentimos que tienen sus propias características. Algunas son majestuosas, algunas son hermosas y elegantes, algunas son majestuosas, algunas son naturales y algunas son extrañas. simples y concisos, algunos son líricos, otros son filosóficos, etc. En definitiva, sus imágenes artísticas, colores emocionales, ritmos, etc. son todos diferentes, y sus características artísticas también son muy diferentes, por lo que cuando las apreciamos, podemos apreciar mejor su esencia e interés. Las obras de Xu Beihong dan a la gente un sentimiento majestuoso y heroico; las flores de Qi Baishi son frescas, simples y naturales. Las pinturas de paisajes de Huang son ricas en contenido y abundantes; las pinturas de Pan Tianshou son majestuosas, únicas y majestuosas.
El estilo de la obra está muy relacionado con el propio artista. Marx citó al naturalista francés Buffon diciendo: "El estilo es la persona". Liu Xie también dijo: "Todos los maestros son sinceros y sus diferencias son tan diferentes como sus rostros". , dando como resultado diversos estilos artísticos. La razón para la formación del estilo personal de un artista es que la experiencia de vida, el carácter ideológico, el gusto estético, el talento artístico y los logros culturales del artista son diferentes. Millet, un pintor francés del siglo XIX, vivió durante mucho tiempo en Barbizon, un suburbio de París. Sus obras son tan suaves, naturales, armoniosas y hermosas como la tierra y los campos. Rodin, que tuvo una vida dura, siempre mostró en sus esculturas un temperamento trágico contradictorio y complejo.
El estilo artístico de un artista no es estático. Porque cualquier estilo personal está íntimamente relacionado con el estilo de la época y las tendencias sociales de pensamiento. Picasso, un famoso pintor moderno, fue pobre en sus primeros años y formó el estilo del Período Azul (1901 ~ 1904). Su obra representativa es "La vida". De 1925 a 1936, el pintor entró en el período de la interpretación de los sueños. Bajo la influencia del surrealismo, se opuso deliberadamente a la estética tradicional de uniformidad, armonía y belleza, adoptó técnicas de expresión descoordinadas y creó especialmente algunas imágenes grotescas para brindar estimulación espiritual al público y desahogar su insatisfacción interna con la sociedad. La víspera de la Segunda Guerra Mundial, es decir, 1937, fue un período de ira para el pintor. Pintó Guernica para exponer el régimen fascista de Franco en España. En 1944, tras la liberación de París, el pintor inició su etapa pastoral y realizó palomas de la paz para la Conferencia Mundial de la Paz.
Picasso lo explicó así en 1923: "La gente me pregunta una y otra vez cómo evolucionan mis pinturas. Para mí, el arte no tiene pasado ni futuro... El arte en sí no evoluciona. Las ideas de las personas cambian. La forma de expresión también cambiará. ...".
Pero entre las diversas variaciones estilísticas, Picasso es más conocido como cubista. Sus pinturas tridimensionales analíticas y tridimensionales integrales surgieron repentinamente, dejando una fuerte impresión en la gente y teniendo una gran influencia en el desarrollo del arte realista.
El estilo artístico se expresa a través de la unidad de contenido y forma de la obra. Por lo tanto, incluso si algunas obras tienen malas tendencias ideológicas y tienen formas absurdas y extrañas, si el contenido y la forma están unificados orgánicamente y cada una tiene sus propias características, seguirán mostrando su propio estilo. Este es el caso, por ejemplo, de las obras del pintor surrealista Salvador Dalí. Por tanto, los estilos artísticos también se pueden dividir en sanos y patológicos.
El estilo de la época se desarrolla con los cambios de la sociedad. El estilo nacional es la característica artística formada por una nación en el proceso de desarrollo a largo plazo. Se compone de muchos factores, como la estructura social de una nación, la vida económica, el entorno natural, las costumbres y hábitos, las tradiciones artísticas y el mismo estado psicológico y puntos de vista estéticos. Los artistas crean obras con características nacionales, que no sólo son amadas por los lectores de su propia nacionalidad, sino también comprendidas por los lectores de otras nacionalidades, ingresando así al tesoro del arte del mundo.
Con el continuo desarrollo y madurez del arte, naturalmente han surgido diversas escuelas. La llamada escuela, en términos generales, es un colectivo de pintores que tienen tendencias ideológicas, tendencias artísticas, métodos creativos y estilos artísticos similares dentro de un cierto período de tiempo, con el fin de romper ciertas limitaciones artísticas. Por supuesto, también hay algunas facciones que son más estrictas, tienen teorías, organizaciones, manifiestos y realizan exposiciones y publican revistas con regularidad. Otros son sueltos y libres y no están estrechamente relacionados. Algunos de ellos están directamente relacionados con los movimientos políticos de la época, mientras que otros son relativamente lejanos, o sólo se manifiestan en la innovación artística y la competencia en estilos artísticos. Algunos también pueden tener varios factores.
Tomemos como ejemplo el arte europeo. La escuela de arte clásica europea surgió en Francia en el siglo XVII. Los principios creativos de este género artístico se basan en el arte clásico de la antigua Grecia y Roma. Defiende la racionalidad, presta atención a la política, enfatiza la unidad y requiere patriotismo. En términos de expresión artística se requiere elegancia, equilibrio, armonía y unidad. En ese momento Luis XIV estableció la Real Academia Francesa (que incluía pintura y escultura); Poussin se convirtió en el fundador de esta escuela. Las obras incluyen ("El pastor de Arcadia"). Los representantes del neoclasicismo son David y Angel. Sus pinturas desarrollan un temperamento tranquilo clásico, con estructura física rigurosa, escenas magníficas, temas metafóricos, etc. Sin embargo, a principios del siglo XIX, el movimiento romántico representado por Delacroix abogó por reemplazar la racionalidad con la emoción, enfatizando los sentimientos internos y el espíritu individual, y defendiendo la naturaleza. "El Dios libre que guía a los hombres" es la obra maestra de Delacroix. Con su composición dinámica, su personalidad fuerte y emocionante y su pincelada poderosa y desenfrenada, rompió con la composición clásica equilibrada y sencilla, el modelado riguroso y rígido y la pincelada meticulosa y rígida. Creó un estilo apasionado, intenso y vívido que fue muy popular en los círculos de la pintura francesa de la época. Debido a que esta escuela de pintura tiene una profunda conexión con la Revolución Francesa, naturalmente tiene un fuerte temperamento artístico. Sin embargo, el movimiento romántico posterior se separó gradualmente de la base de la realidad, persiguió la novedad, se entregó a la fantasía nihilista y la tristeza personal, y gradualmente alcanzó un punto bajo.
A principios del siglo XX surge el arte moderno europeo, y en el siglo XIX abandona la huella de la tradición realista. En ese momento, antes y después de las dos guerras mundiales, la mayoría de los intelectuales estaban insatisfechos con la contradictoria sociedad capitalista, pero no podían ver el poder del pueblo y el futuro brillante, por lo que se sentían perdidos, como si el fin del mundo. estaba llegando. Por otro lado, las ciencias naturales y la construcción urbana e industrial han logrado rápidos avances a una escala sin precedentes. Junto con estos cambios sociales, surgió una corriente de pensamiento que exigía la libertad y la liberación de la individualidad. En el arte aparecieron el fauvismo, el expresionismo y el cubismo. El fauvismo cree que "la descripción exacta no es igual a la realidad" y que las cosas objetivas son perceptibles pero no expresables, por lo que enfatizan la expresión de sentimientos subjetivos. El expresionismo declaró: "La pintura no es un trabajo manual, sino la expresión de nuestros sentimientos". Además, enfatizó que el arte es la expresión del instinto del artista. El "Manifiesto Surrealista" afirma: "El surrealismo es una especie de automatismo espiritual puro. Es un registro de pensamientos, no controlados por la razón, y basado en creencias surrealistas en alguna forma de asociación..." Los pintores surrealistas representados por Salvador Dalí registraron sueños en pinturas basadas en la "Interpretación de los sueños" de Freud.
Kandinsky, que originalmente era un expresionista alemán, enfatizó aún más la expresión autosubjetiva del artista, defendiendo que la creación artística debe comenzar desde el corazón y apelar al corazón de los lectores a través de "colores y formas" no representacionales, así nació la pintura abstracta. La "Impresión nº 5", que escribió en 1911, deslumbra a la gente con sus brillantes colores primarios, sus líneas fluidas y sus figuras saltarinas, pero es imposible reconocer ninguna imagen específica. Incluso creía que "la paleta es más bella que cualquier obra". Desde esta perspectiva, el modernismo se caracteriza por un énfasis en la expresión subjetiva, la novedad formal, la fantasía arbitraria, la intuición y la irracionalidad, etc. En palabras de un pintor modernista suizo, Klee concluyó: "Esta tendencia no es reflejar el mundo material, sino expresar el mundo espiritual. En general, el arte modernista está divorciado de la realidad objetiva o la niega, y enfatiza unilateralmente la subjetividad". la naturaleza; el arte realista aboga por dar pleno juego a la iniciativa subjetiva del artista sobre la base de la vida real objetiva. Ésta es la diferencia fundamental de pensamiento entre las dos diferentes escuelas de pensamiento.
El modernismo, por otro lado, estaba interesado en explorar nuevas formas de arte. Picasso y Braque, partiendo de la teoría de la pintura de Cézanne, siguieron una técnica de expresión estructural multifacética y de múltiples niveles, y reemplazaron la perspectiva tradicional de un solo enfoque por una perspectiva de múltiples puntos. La obra pintada parece ser la imagen reflejada en un espejo roto, lo que se llama "tridimensional analítico". Más tarde, se utilizaron métodos de collage físico para unir diferentes objetos físicos como tela, cartón, periódicos, hojas, vidrio, etc. en la pantalla, y luego se usaron pinturas para crear una nueva forma imaginaria con una sensación de espacio (como si alguna Las letras dispersas se unen para formar una palabra) para despertar la asociación del público. Este tipo de trabajo se llama "tridimensional sintético". Posteriormente, el arte visual (efectos de luz) y el arte deportivo (arte del movimiento y la luz) alrededor de los años 1960 también pertenecieron a la búsqueda de la forma y los cambios de forma.
De hecho, las distintas facciones del modernismo son muy complejas. Sus obras son excéntricas, misteriosas y en constante cambio, cambiando constantemente como un caleidoscopio. Aunque todos son antitradicionales y tienden a expresar el mundo espiritual subjetivo, también son muy diferentes e incluso contradictorios. Algunas obras también reflejan la sociedad capitalista deformada en algunos giros y vueltas, y la exponen y critican, pero a menudo se limitan a desahogar la depresión y la ira personales. Algunos, como el dadaísmo, tienen una actitud negativa hacia todos los sistemas sociales e incluso niegan el arte mismo. Así, el urinario de Toussaint también se expone como escultura. Algunas obras, como el surrealismo, están influenciadas por la teoría del subconsciente de Freud y la mayor parte del contenido es insalubre, absurdo, misterioso o pornográfico. Utilizan diversos medios en la discusión de expresiones artísticas sin restricciones convencionales. Para un fenómeno artístico tan complejo, deberíamos utilizar el materialismo dialéctico para analizarlo de manera concreta y realista.
1. Tipo lindo
Este tipo de personaje suele tener una cabeza, frente, ojos grandes, mejillas abultadas y vientre redondo.
2. Tipo de mal funcionamiento
Este tipo de personaje suele ser engañado en las películas. Las características de los profanos suelen ser cabello desordenado, cuello delgado, ojos lánguidos, posición de la boca baja, hombros delgados. , Pecho cóncavo, barriga cervecera, pies grandes.
3. Tipo optimista
Este tipo de personalidad es la protagonista de la farsa de la película. El líder extranjero tiene ojos grandes, pero sus ojos son pequeños y a menudo le salen piedras de la boca.
4. Tipo de héroe
En la película, todos son encarnaciones de la justicia, con una estructura facial clara, barbilla ancha, peinado único, apariencia ordenada, figura corpulenta y, a menudo, tienen huellas especiales en sus cuerpos.
5. Tipo feo
Los villanos de la película son estúpidos y disfrutan intimidando a los débiles. Suelen tener una frente pequeña, una barbilla grande, sin cuello, hombros anchos. y un cuerpo como un cubo. Las extremidades son largas y gruesas y las manos grandes.